CDMX.- 15 de febrero de 2026.- (La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) presentan algunas de las actividades que la Coordinación Nacional de Teatro desarrollará a lo largo de 2026.  

Con motivo de los 80 años de la creación del INBAL, fundado por decreto presidencial con la misión de preservar y difundir el patrimonio artístico, estimular la creación de las artes y desarrollar la educación y la investigación artísticas, la Coordinación Nacional de Teatro se suma a la celebración con la programación de su Temporada 80.

El año inicia con el reestreno de obras que concluyeron exitosamente su temporada en 2025, entre ellas las que integran la Residencia en el Teatro del Bosque Julio Castillo de la Compañía Nacional de Teatro (CNT): La cumbia del Pantano, de Aurora Cano, con las actuaciones de Julieta Egurrola y Daniel Giménez Cacho; El diccionario, obra de Manuel Calzada Pérez sobre la bibliotecaria y grafóloga María Moliner, dirigida por Enrique Singer, con Luisa Huertas, Óscar Narváez y Arturo Ríos; así como Prendida de las lámparas, coproducción de Teatro UNAM y la CNT, realizada en el marco de los 100 años del nacimiento de Rosario Castellanos.  

Por su parte, el Teatro Orientación Luisa Josefina Hernández albergará la extensión de temporada de La danza que sueña la tortuga, obra presentada originalmente como parte de la conmemoración del centenario del natalicio del dramaturgo veracruzano Emilio Carballido. 

De manera paralela, se anuncian dos estrenos: uno dentro de la programación de Teatro para Personas Adultas y otro dirigido a Teatro para Niñas, Niños, Niñes y Adolescentes. El primero es Oso polar decapitado, texto de David Gaitán bajo la dirección de Martín Acosta, que plantea un futuro distópico en el que una catástrofe provocada por alteraciones en las órbitas planetarias amenaza con interrumpir la relación entre el Sol y la Tierra. El segundo es El Tren Matraca, de María Sánchez y Alberto Lomnitz, una puesta en escena híbrida que integra multimedia, títeres, actores en vivo, diseño sonoro, música grabada y movimiento coreográfico, dirigida a público en edad preescolar.

Este mes se estrenó El huipil que oculta, escrita e interpretada por Claudia Santiago y dirigida por Nayeli Pollien Cruz y la propia autora. Esta obra traslada al espectador a Ixtaltepec, Oaxaca, un territorio de rituales transformado por el progreso, los parques eólicos y el terremoto de magnitud 8.2 ocurrido en 2017, para explorar la complejidad de pertenecer a un territorio romantizado.  

El Teatro El Granero Xavier Rojas será sede de la Residencia Aquí nada es urgente, de la Colectiva Otro suelo, un ciclo de conferencias performáticas en las que las y los creadores proponen, frente a la espectacularidad, volver la mirada hacia lo simple y lo sutil, para compartir un evento íntimo con la ambición de transformarlo en un acontecimiento colectivo.

En marzo, la Coordinación Nacional de Teatro, en colaboración con la Compañía Arte Alamar y con el apoyo de la Fondazione Dario Fo e Franca Rame, se sumará a la celebración por centenario del nacimiento de Dario Fo, figura central del teatro europeo del siglo XX y referente del teatro político y satírico contemporáneo. En 1997 recibió el Premio Nobel de Literatura, otorgado —según el acta de la Academia Sueca— por “emular a los juglares medievales al fustigar la autoridad y defender la dignidad de los oprimidos”. Su obra es inseparable de su compromiso político, ligado a las luchas obreras, el antifascismo y la crítica al capitalismo industrial.

Misterio Bufo (Mistero Buffo), considerada su obra más emblemática, se presentará en el Laboratorio de Creación Escénica del Jardín Escénico, interpretada y dirigida por Ricardo Zárraga, alumno del último curso de teatro que Dario Fo impartió en vida en la Libera Università di Alcatraz, en 2016.

Continuará, en el Teatro del Bosque Julio Castillo, la Residencia de la CNT con la puesta en escena Misantropías, de Héctor Mendoza, bajo la dirección de Luis de Tavira. Se trata de uno de los textos dramáticos en los que el autor diserta sobre el quehacer teatral. Al igual que en Creator principium, los ensayos de una obra se confunden con la realidad de los actores y su director; sin embargo, en esta ocasión Mendoza dialoga con El misántropo, de Molière, al tiempo que establece una relación con la biografía del comediógrafo francés.

Regresará a escena La niña en el altar, de la dramaturga irlandesa Marina Carr, obra que dialoga con el mito de Ifigenia para poner en crisis problemáticas como el poder patriarcal y la instrumentalización de los cuerpos de las mujeres. Bajo la dirección de Enrique Singer, y con las actuaciones de Marina de Tavira, Alberto Estrella, Emma Dib, Everardo Arzate, Yessica Borroto y Salvador Sánchez, la obra recibió diez nominaciones a los premios ACPT 2025, incluyendo Obra del Año, Actriz y Actor en Rol Principal, y Dirección de Escena.

Se estrenará también Las agujas dementes, de Jorge Volpi, obra que explora la genialidad y la locura de dos parejas de escritores —Sylvia Plath y Ted Hughes, y David y Assia Wevill—, cuya irrupción en la casa de campo de los Hughes-Plath rompe el equilibrio de la pareja. La historia se entrelaza con la trágica experiencia de dos mujeres que, víctimas de violencia de género, terminaron con sus vidas de manera similar. 

Asimismo, en marzo se llevará a cabo el XVIII Gran Maratón Nacional de Teatro para Niñas, Niños, Niñes y Adolescentes, con motivo del Día Mundial del Teatro para la Infancia y la Juventud, jornada anual de visibilización y promoción del teatro para públicos menores, cuyo objetivo es garantizar su derecho de acceso a las artes escénicas. Esta edición incluirá más de 30 actividades, entre puestas en escena, conciertos, instalaciones y otras experiencias escénicas.

“Hay otros ciclos específicos que también estamos preparando”, expone Luis Mario Moncada, coordinador nacional de teatro: “Destacaría, por ejemplo, que en torno al mundial de futbol —que va a generar una gran efervescencia de público en la Ciudad de México y en otras capitales del país— estamos pensando en un ciclo especial vinculado con la relación entre México, Estados Unidos y Canadá, los tres países organizadores del torneo.   

“Este ciclo se llama Vecinos distantes y, desde el teatro, busca poner la mirada en la relación compleja que mantenemos con nuestros vecinos del norte. Forma parte del esquema de celebraciones que proponemos, con la intención de que lo conmemorativo sirva también para agudizar la mirada crítica sobre ciertos aspectos que consideramos relevantes”.

El ciclo forma parte integral del programa que el INBAL ha desarrollado para acompañar las semanas de la justa mundialista, entre ellas la exposición de arte chicano: AztLÁn, Túnel del tiempo, que el Palacio de Bellas Artes inaugurará en las mismas fechas.

Este año, la Compañía Teatro Ciego MX arribará al Centro Cultural del Bosque con Odio que los abrazos no duren más de cuatro horas –Partitura dramática para autómatas en duelo–, de la dramaturga Itzel Lara, bajo la dirección de Juan Carlos Saavedra. Este espectáculo multidisciplinario, producido por Arte Ciego A.C. con apoyo de EFIARTES 2021 e inspirado en La separación de los amantes de Igor Caruso, explora la relación de cuerpos con ceguera en espacios no convencionales, usando el sonido como vehículo dramático.

Complementarán la programación los proyectos seleccionados en las cuatro convocatorias del 28 de enero: Teatro para Personas Adultas; Teatro para Niñas, Niños, Niñes y Adolescentes; Nuestras Latitudes; y, por primera vez,  el programa de Dirección Artística del Teatro Orientación Luisa Josefina Hernández.

“Un objetivo fundamental para nosotros en 2026 es prolongar la acción de la Coordinación a todo el país, entrar en un diálogo permanente con los departamentos de artes escénicas de las 32 entidades federativas, para generar circuitos y otras posibilidades que beneficien a la comunidad teatral a nivel nacional. Es una labor importante”, subraya Luis Mario Moncada.

●   A través de la comedia, el teatro físico, la narración y el uso de títeres, se propone una entrada lúdica para públicos de todas las edades

●   Lagú Danza, con una década de trayectoria, ofrece la pieza, hasta el 1 de marzo de 2026, los sábados y domingos a las 13 h, en el Teatro Helénico de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México

CDMX.- 1º de febrero de 2026.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico, y la compañía Lagú Danza, presentan Moby Dick (Fomento a la lectura), una adaptación libre del texto de Herman Melville que celebra el juego, la imaginación y la emoción de vivir las historias de los libros como el motor más poderoso de la imaginación.

En su estreno, el sábado 31 de enero de 2026, la puesta convirtió por una hora al Teatro Helénico en un espacio de participación en el que la lectura se volvió una aventura compartida y gozosa. En entrevista, la directora Erika Méndez celebró la respuesta del público: “Fue una función muy bonita. Es una obra para fomentar la lectura y es un momento de ver teatro divertido y profundo”.

Durante la función, niñas y niños se mantuvieron entusiasmados, con participación en los llamados desde el escenario y convirtiéndose en parte activa del juego teatral, mientras las  madres y los padres sostuvieron entre carcajadas el ánimo familiar a lo largo de la representación.

El montaje propone una vía alterna de encuentro con los libros: entrar a las historias con el cuerpo, el humor y el juego. “Yo, bailarina, me puse a escribir la adaptación… porque es una obra que no es propiamente para niños, pero la adaptamos de manera lúdica, amable con la intención de acercar al público infantil a uno de los libros más importantes de la literatura universal”, agregó la realizadora.

La propuesta narra la aventura literaria de José Pérez, un hombre común que llega al teatro para ver Moby Dick. En escena, una niña le revela que, a través de los libros, es posible vivir historias extraordinarias. Juntos abren un ejemplar y la magia ocurre: los personajes emergen y José se convierte en mosquetero, rey, príncipe e Ismael, protagonista del relato de Melville.

Desde el lenguaje corporal, la puesta construye una travesía marítima marcada por la intensidad y el vértigo: gestos y desplazamientos que salpican a la tripulación, el oleaje constante y la vulnerabilidad humana frente al impulso de dominio. Recursos visuales y el trabajo físico sumergen al público en el universo marino de Moby Dick.

El actor Diego Martínez Villa, quien interpreta a José Pérez, subrayó que la puesta contagia el gusto por la lectura desde la experiencia escénica: “Para poder apasionarse por la lectura, pero no a través del dogma educativo, sino de la posibilidad de la aventura”. Definió el montaje como “una aventura vertiginosa”.

Martínez Villa añadió que el proyecto surgió con una vocación de circulación amplia: “Nació con esta idea de perfil social, llevarla tanto a escuelas donde no llega el teatro; el año pasado fuimos a albergues migrantes”, señaló, al tiempo que celebró que la pieza se presente ahora en un escenario de gran formato como el Helénico.

Más que contar la historia de la obsesión del capitán Ahab y la persecución de la ballena blanca, el montaje propone habitarla para hacer visible su apuesta principal: convertir la lectura en una experiencia escénica viva, accesible y de resonancia emotiva.

El elenco está integrado por Ángel Lara Martínez, Diego Martínez Villa, Frida Ríos Méndez, Carla Eugenia Rodríguez Torres, Lucio Jiménez Cacho Goded y César René Pérez Maldonado. El equipo creativo y de producción lo conforman Sandra Ureña en el diseño de iluminación; Julio Ordóñez Orellana en la música original; Erika Méndez en el diseño de vestuario y utilería; LCN Escena en la producción; César René Pérez Maldonado en la producción general; Sandra Escamilla en la producción ejecutiva, e Ileana Oregon Umaña en la gerencia administrativa.

Moby Dick (Fomento a la lectura) se presenta hasta el 1 de marzo de 2026, con funciones los sábados y domingos a las 13 h, en el Teatro Helénico. El costo del boleto es de $250 y las localidades pueden adquirirse en taquilla y a través del sitio oficial del recinto.

CDMX.- 26 de enero de 2026.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa En un futuro distópico, una inminente catástrofe provocada por alteraciones en las órbitas planetarias amenaza con suspender la relación entre el Sol y la Tierra. El frío gobierna. Comprar la supervivencia para atravesar la noche eterna se vuelve lo único importante. No cabe todo el mundo.

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Teatro, en colaboración con Editorial Berenjena y Un pino en la Vía Láctea, presentan Oso polar decapitado, de David Gaitán, bajo la dirección de Martín Acosta, con las actuaciones de Verónica Bravo, Pablo Chemor, David Gaitán y Xóchitl Galindres.

La obra propone un viaje hacia un porvenir en el que un oso polar sin cabeza camina por un planeta cubierto de hielo en busca de lo que perdió: un mundo oscuro, helado y al límite, donde la supervivencia redefine los vínculos y obliga a volver a mirar —con humor y con vértigo— aquello que nos hace humanos.

“Es un espectáculo sobre el terror ante el futuro: un conjuro para la supervivencia. Trabajamos con la ingenuidad de la ciencia ficción de los años sesenta para volver a preguntarnos si nuestro paso por el planeta debió ser breve y atravesado por el sufrimiento. Es un montaje que habita la melancolía, el humor improbable y la extraña humanidad de las máquinas. Un sueño en blanco y negro del que solo se despierta para volver a caer”, comparte el director Martín Acosta.

Con diseño de escenografía de Eva Aguiñaga y Martín Acosta; diseño de iluminación de Matías Gorlero; diseño de vestuario de Mario Marín del Río; diseño sonoro de Pablo Chemor; y diseño de maquillaje y peluquería de Maricela Estrada, la obra tendrá temporada del 22 de enero al 15 de marzo en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky, del Centro Cultural del Bosque, con funciones los jueves y viernes a las 20 horas, sábados a las 19 horas y domingos a las 18 horas.

La producción general está a cargo de Verónica Bravo y David Gaitán; la producción ejecutiva, de Mariana Calderón y Ángela Pastor; y la asistencia de dirección, de Antonio Jiménez.

La obra tiene una duración aproximada de 100 minutos, está recomendada para público a partir de 15 años y el precio del boleto es de $150.

Los boletos se pueden adquirir en las taquillas del Centro Cultural del Bosque y en línea a través de este enlace.

CDMX.- 17 de enero de 2026.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico, junto con Humareda, 25 Producción y Bauter and Partners, presentan Mr. Gwyn, una puesta en escena de alta concentración sensorial, en la que mirar se vuelve un acto artístico. Se trata de una pieza adaptada por Juan Cabello y dirigida por Alonso Íñiguez, a partir del texto homónimo del italiano Alessandro Baricco, que se presenta hasta el 15 de febrero de 2026 en el Teatro Helénico.

El montaje se sitúa en un momento decisivo en la vida del escritor Jasper Gwyn. Cansado de vivir entre reuniones y entrevistas, su vida se convierte en un bucle de insatisfacción y desazón, hasta que toma una decisión determinante: dejar de escribir. Tom, su representante, lo confronta, lo empuja y le exige explicaciones. Jasper, obstinado, le cuelga el teléfono.

A partir de lo anterior, la obra entra en un territorio de pausa y silencios prolongados; el escenario se vuelve un espacio reflexivo en el que los personajes intentan reencontrarse con el otro sin prisa, prejuicios ni distracciones.

Bajo dicha premisa se sostiene el nuevo oficio que Gwyn inventa desde la escritura: retratar personas con palabras, desde aquello que solo aparece cuando alguien es mirado con una atención absoluta.  

Lo esencial aparece como una historia que se revela lentamente bajo la mirada: “no somos personajes, somos historias”, confiesa uno de los personajes ante esa vulnerabilidad.

En palabras de Juan Cabello: “En un mundo que pide ocultar las grietas, Mr. Gwyn recuerda que el cuerpo y la existencia son más hermosos cuando se dejan ver. Una invitación a entrar en ese cuarto de luz ámbar donde alguien intenta, con palabras y silencio, captar la vida de otro ser humano. Una invitación a volver a casa”.

“Sales con la sensación de que alguien te bajó el ritmo por dentro; es una obra que te obliga a mirar sin prisa”, comenta Mariana Rosas, asidua al teatro. “Me conmovió cómo la luz y el silencio cuentan lo que el personaje no puede decir; es íntima, pero no se vuelve solemne”, dijo Roberto Juárez al terminar la función.

El proyecto reúne el talento de Mauricio García Lozano, Angélica Bauter, Arturo Reyes, Alejandro Morales, Lucero Trejo, Assira Abbate, Ana Sofía Gatica, Jacobo Lieberman, Abraham Jurado y Luis Ra Acosta. Participan también: Silvia Herida, Alejandro Arreola, La Nars, Marina Ortiz y Enrique Cervantes.

La producción teatral cuenta con el estímulo Efiartes / Art. 190 LISR y reúne un equipo creativo entre quienes que se encuentran David Castillo en la producción ejecutiva; Mauricio Ascencio en el diseño de escenografía, iluminación y vestuario; Jacobo Lieberman en el diseño sonoro; José Manuel Majul en la asistencia de dirección; Carlos Alexis en la asistencia de producción, y Alfonso Olguín en la asistencia del diseño sonoro.

Mr. Gwyn se presenta hasta el 15 de febrero de 2026, con funciones los jueves y viernes a las 20 h, sábados 19 h y domingos a las 18 h en el Teatro Helénico. El costo del boleto es de $410. Las localidades se pueden adquirir en la taquilla del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en helenico.gob.mx.

El amor también se extravía en el centro de la ciudad

CDMX.- 15 enero de 2026.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) Un hombre recorre sin descanso el Centro de la Ciudad de México mientras arrastra una herida que aún no cicatriza. En ese tránsito urbano, la palabra se vuelve confesión y señala el instante preciso en que comenzó su derrumbe. Memoria en el asfalto es un monólogo de Aldo Martínez Sandoval, dirigido por Daniela Parra e interpretado por Carlos Ordóñez. La obra se presentará los fines de semana, del 31 de enero al 15 de marzo de 2026, en el Foro Alternativo.

La Secretaría de Cultura, a través del Centro Cultural Helénico, y la compañía Agreste Teatro llevan a escena esta propuesta que invita a mirar de otro modo los vínculos y la memoria. A lo largo de su trayecto por el Centro Histórico, el personaje se enfrenta a señales que activan la búsqueda de lo que ya no está. El paisaje urbano —marcado por calles que evocan territorios lejanos y por una raíz prehispánica latente— se convierte en un mapa emocional donde conviven la nostalgia, la transformación personal y la ausencia.

El dramaturgo Aldo Martínez Sandoval comparte: “viví en ese lugar muchos años de mi infancia, me protegió y curiosamente hasta el día de hoy es un sitio al que siempre vuelvo. Es un lugar que me ha dado cobijo. Esta obra es un homenaje a esas sensaciones, a cómo podemos amar profundamente los lugares, a sus personas, a sus recuerdos… y cómo esos recuerdos, a pesar de ser hermosos pueden ser dolorosos.”

La puesta en escena, nominada a los Premios Metropolitanos de Teatro 2024, como Mejor espectáculo unipersonal, surge de un ejercicio colectivo impulsado por Carlos Ordóñez, quien convocó a la compañía para materializar el texto de Aldo Martínez Sandoval, su colega docente en Casa del Teatro. A este encuentro creativo se integra la directora de escena, con quien Ordóñez ha compartido procesos en la Compañía Nacional de Teatro y la Fundación Teatral DAVAR, así como Juan Pablo Aguayo dentro del equipo artístico. El proyecto se construye desde una lógica colaborativa que atraviesa distintas áreas, desde la dramaturgia y la dirección hasta la imagen visual, con el diseño de cartel a cargo de Valeria Paulino y la fotografía de Arturo Torres.

Memoria en el asfalto se presentará del 31 de enero al 15 de marzo de 2026 con funciones los sábados y domingos a las 20:00 horas en el Foro Alternativo. El costo del boleto es de $250. Actualmente hay una preventa del 30 por ciento de descuento válida hasta el 31 de enero. Las localidades pueden adquirirse en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o en la página: helenico.gob.mx.

Más información en: helenico.gob.mx y mexicoescultura.com

Daniela Parra

Licenciada en Ciencias de la Comunicación por la Universidad Anáhuac y egresada de la Carrera de Actuación de CasAzul, Artes Escénicas ARGOS, donde tomó clases con Héctor Mendoza, José Caballero, Martín Acosta, Enrique Singer, entre otros. En teatro ha dirigido con el apoyo de EFITEATRO: Báthory contra la 613 de Romero Gárriz, 12:00 p.m. de Labute, Alucinada de Rascón Banda, y recientemente Memoria en el asfalto (nominada a Mejor espectáculo unipersonal en Los Premios Metropolitanos de Teatro 2024 de Martínez Sandoval, entre otras). Es productora ejecutiva de Incidente Teatro, donde ha realizado: El río de Butterworth, Tragaluz de Hare, Consentimiento de Raine y La niña en el altar de Carr; también beneficiadas por Efiartes. En ópera ha dirigido escena en Romeo et Juliette de Gounod para la Sociedad Artística Sinaloense, Venus y Adonis de Blow para la Academia de Música Antigua, y Stiffelio de Verdi, en el Palacio de Bellas Artes en 2018. Fue directora residente de la Compañía Nacional de Teatro de 2019 a 2022, donde llevó la dirección de Horas de gracia de Juan Tovar, entre otros proyectos. Ha trabajado también para La Máquina de Teatro, Fundación Teatral Davar, entre otras. Imparte desde hace 25 años talleres de teatro en varios niveles. Tuvo a su cargo la clase de Actuación para el Estudio de Ópera de Bellas Artes de 2019 a 2024 con quienes realizó óperas de bolsillo, microzarzuelas y recitales. Es secretaria académica de la Escuela Libre de Artes Escénicas desde 2021, en donde además también ha impartido clases de actuación y producción.

Carlos Ordóñez

Actor egresado con mención honorífica de La Casa del Teatro, A. C. Ha trabajado con directoras y directores como Luis de Tavira, Stefanie Weiss, Zaide Silvia Gutiérrez, Antonio Rojas, Andrés Weiss, Ingrid Cebada, Daniela Parra y Mauricio Pimentel con quien realizó una gira por el interior de la República mexicana en el Teatro Itinerante Rocinante del Centro Dramático de Michoacán. Desde 2017 es docente de la asignatura de actuación, e imparte talleres de iniciación actoral para adultas, adultos y jóvenes en varias universidades del país. En 2018 participó en los workshops El canto vivo en el trabajo del actor y El actor creador impartido por Thomas Richards del Workcenter Jerzy Grotowski. Formó parte del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro de México del 2018 a 2022.

Aldo Martínez Sandoval 

Egresado del Colegio de Literatura Dramática y Teatro de la UNAM. Fue becario del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales de la Secretaría de Cultura para el periodo 2023-2024 en el área de dramaturgia, así como de la Fundación para las Letras Mexicanas en el área de dramaturgia en los periodos 2018-2020. Representante mexicano en la Residencia Dínamo 7 de Interdram (Chile; 2020). Ganador del Premio de dramaturgia Conexión Inestable (Teatro UNAM, 2020) y el III Premio Carlos Monsiváis de Crónica (2021). Sus obras y adaptaciones se han montado en diferentes recintos y encuentros de México, Chile y Argentina con directores como: Angélica Rogel, Ricardo Rodríguez, Alfonso Cárcamo, Bruce Gibbons, Antón Araiza, Daniela Parra, entre otros, y han sido publicados por Los textos de la Capilla, Teatro UNAM y la UBA. También ha publicado en revistas como Revista de la Universidad, Este país, Temporales (NYU), Tierra Adentro, Punto de partida y Punto en línea. Fue investigador en el programa Descorche. Conversaciones con los que hacen nuestro teatro para el Cenart. Ha sido docente en diversas instituciones públicas y privadas. También ha sido guionista para Canal Once.

CDMX.- 28 de noviembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Teatro y con el apoyo de la Colección Agustín e Isabel Coppel, presentan Balada de un hablador, de Miguel Calderón y Andrea Paasch, dirigida por Miguel Calderón, con las actuaciones de Enrique Singer, Fernanda Echeverría, Julián Segura, Ulises Martínez y Ariane Pellicer.

Esta comedia en cuatro actos explora las relaciones humanas desde el psicoanálisis, los vínculos familiares, las dinámicas sociales y los momentos de autorrevelación. A través de un triángulo conformado por un psicólogo, su paciente y la hija del psicólogo, la obra muestra cómo los instintos, las emociones y las represiones pueden conducirnos hacia aquello que socialmente se considera prohibido.

La historia sigue a Juan, un joven abogado que, al enfrentar en terapia la muerte de su madre, destapa un entramado de culpas, secretos y emociones reprimidas. Entre humor corrosivo y tensión psicológica, la puesta en escena revela cómo lo inconsciente irrumpe en la vida cotidiana y arrastra a los personajes hacia lo inevitable.

“Balada de un hablador aborda temas contemporáneos con los que el público puede identificarse, e invita a reflexionar sobre los problemas cotidianos y sus raíces sociales. Plantea que muchos de nuestros conflictos personales no surgen de decisiones libres, sino de imposiciones del mercado, clichés culturales o la presión por pertenecer a un grupo o cumplir conducta idealizada. Inspirada en una anécdota real, la pieza expone comportamientos universales de la condición humana y abre preguntas que rara vez nos atrevemos a responder.”, comparte el director.

El montaje cuenta con escenografía de Ivonne Fuentes; iluminación de Tania Rodríguez; vestuario de Gabriela Fernández; maquillaje de María del Pilar Senderos; producción ejecutiva de Magnolia de la Garza; asistencia de dirección y producción de Olga Rodríguez; asistencia de producción ejecutiva de Paloma Gómez; y asistencia en el diseño de escenografía de Óscar Orci.  

La obra estará en temporada hasta el 6 de diciembre en el Pabellón Escénico del Jardín Escénico, ubicado en el Centro Cultural del Bosque, a un costado del Auditorio Nacional, con funciones los jueves y viernes a las 19 horas; sábados a las 12 y 18 horas; y domingos a las 12 y 17 horas.

La puesta en escena tiene una duración aproximada de 120 minutos y está recomendada para público a partir de 13 años. La entrada es libre.

CDMX.- 27 de noviembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) otorgaron la Medalla Bellas Artes 2025, en la categoría de Teatro, al creador Alejandro Jodorowsky Prullansky (Chile, 1929), en virtud de la profunda huella que ha dejado en el arte nacional mediante la osadía, la libertad creativa y la experimentación que caracterizan sus numerosas creaciones, que cautivan a públicos de diversas generaciones.

Figura imprescindible de la escena internacional, Jodorowsky tiene una prolífica carrera como dramaturgo, director, actor, guionista y escritor. Su obra impacta en el panorama cultural de México y a nivel global.

Su aportación al teatro se manifiesta en montajes innovadores que desafían paradigmas estéticos y conceptuales desde la segunda mitad del siglo XX y cuya influencia permanece vigente en las nuevas generaciones de artistas. Radicado en México entre 1960 y 1977, impulsó propuestas experimentales que renovaron los lenguajes escénicos y ampliaron los horizontes creativos de la dramaturgia contemporánea.

Al recibir la Medalla en su residencia en París, expresó: “Para mí es una gran sorpresa que me den un premio. Es un gran honor que exista esto, que me agradezcan. Generalmente a los artistas les falta recibir agradecimiento, pero un agradecimiento real, no comercial”. 

También evocó su infancia y primeros acercamientos al conocimiento: “Cuando yo nací, mi padre y mi madre eran negociantes en Tocopilla, un pueblo pequeño de Chile. Fui a un colegio público y lo primero que me enseñaron fue un libro para aprender a leer, con dibujos. El primer dibujo era un ojo. Al verlo, expresé: ‘es un oJodorowsky’. En menos de un año me asignaron al cuarto curso. Finalmente, al reconocer mi inquietud por el conocimiento, el rector me dijo: ‘le irás a pedir a tu papá que te encuentre una escuela especial donde te enseñen algo que muy poca gente puede hacer: aceptar aprender’”.

También, reflexionó sobre el valor de la belleza humana y el acto de compartir el conocimiento: “Estamos en un momento muy importante: tenemos que aprender a aceptar la belleza del ser humano. Vivir con amor por la raza humana, algo muy difícil. Por eso, recibir este premio me da placer. Toda mi biblioteca está formada por libros que me llegan como regalo, en respuesta a lo que hago, que es dar lo que aprendo. Es necesario dar lo que aprendes para que un milagro se realice, para vivir con alegría”. 

Jodorowsky llegó a México en 1959 como parte de la compañía del célebre mimo francés Marcel Marceau. Su estancia se extendió por casi dos décadas, período en el que desarrolló una multifacética carrera artística marcada por la singularidad de sus propuestas y un espíritu transgresor que, con el tiempo, lo consolidaron como un ícono de la contracultura mexicana. 

Al concluir, afirmó: “México es un país sagrado. Ahí está verdaderamente el ser, el ser humano. Y vale la pena no perderse eso. Es una maravilla ser reconocido, y yo le agradezco al Instituto que representa este don”. 

Hoy, jueves 27 de noviembre de 2025, la editorial TASCHEN presenta en Francia Alejandro Jodorowsky. Art Sin Fin, una monografía de edición limitada que ofrece una perspectiva del proceso artístico de Jodorowsky, editada por Donatien Grau, quien considera la vida y el trabajo de Alejandro como una inspiración, misma que se puede apreciar en cada página de la publicación.

Zacatecas. México.- 26 de noviembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) Como parte del programa nacional Escenarios IMSS–Cultura 2025–2026, organizado por el Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS) y la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), la agrupación LABAT, compañía de teatro originaria de Durango, presentará Vuela, Pupa, una obra de teatro de acceso gratuito dirigida a niñas, niños y jóvenes.

Vuela, Pupa, escrita y dirigida por Jorge Luis Madrid Ochoa, sigue la historia de Abril, una niña que necesita llegar a clase y entregar su tarea: un cuaderno que revela los profundos anhelos de una chica inmensamente feliz y enamorada, a punto de cumplir quince años. Sin embargo, su cuaderno tiene un reverso, un lado oculto. La obra cuenta con la actuación de Noemí Mendiola Egura y la violonchelista Alitza Gabriela Iñiguez Velázquez.

El programa nacional Escenarios IMSS-Cultura 2025-2026 celebra la colaboración institucional y el compromiso del IMSS, la Secretaría de Cultura y el INBAL como promotores culturales, al integrar salud, arte y comunidad en un mismo escenario.

Todas las obras presentadas en el marco del programa son de acceso gratuito y están dirigidas a público infantil, juvenil y familiar. La cartelera completa puede consultarse en la página de la Convocatoria Nacional Escenarios IMSS–CULTURA 2025–2026. 

CDMX.- 12 de noviembre de 2025.- (https://inba.gob.mx/prensa) La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Teatro, junto con DramaFest, presentan estas dos producciones: Entre Nosotros Todo Va Bien, proyecto apoyado por el Programa de Apoyo a Festivales Culturales y Artísticos (PROFEST 2025), y Arde Todo Mientras Canta, producción nacional realizada con el Estímulo Fiscal del Artículo 190 de la LISR (EFIARTES).

Fundado por Aurora Cano y Nicolás Alvarado, DramaFest 2025 está dedicado a la colaboración e intercambio con Polonia, fortaleciendo el diálogo intercultural entre la nueva dramaturgia mexicana y extranjera, así como entre las concepciones de autores y artistas escénicos de México y otros países.

Entre nosotros todo va bien, escrita por Dorota Masłowska, una de las voces más provocadoras de la literatura polaca contemporánea, es reinterpretada por el director mexicano Diego del Río. Ganadora del Premio Nike de Literatura, Masłowska explora con ironía las tensiones de la sociedad poscomunista, el choque generacional y la fragilidad humana. Su lenguaje fragmentado y mirada irreverente revelan lo grotesco y lo poético de la vida cotidiana.

La obra se presenta del 11 de noviembre al 4 de diciembre, los martes, miércoles y jueves a las 20 horas, con edad recomendada a partir de 15 años, duración aproximada de 100 minutos y precio del boleto de $150. Los boletos pueden adquirirse en las taquillas del CCB o en línea a través de este enlace.

El elenco incluye a Paloma Woolrich, Pilar Flores del Valle, Anahí Allue, Mónica Jiménez, Nacho Tahhan, Astrid Mariel Romo, Aída del Río, Gerónimo Espeche y María Ibarra Paleta. La producción cuenta con escenografía de Sergio López Vigueras, iluminación de Sara Alcantar, vestuario de Edyta Rzewuska, maquillaje de Marilyn Herce, con Dorota Ziółkowska como asistente de vestuario y Mariana Castañeda como asistente de dirección.  

Por otra parte, Arde todo mientras canta es una obra contemporánea con alto contenido social que aborda los orígenes del odio y la violencia en el núcleo familiar, en un contexto atravesado por el crimen organizado. Escrito por la dramaturga mexicana emergente Verónica Villicaña, el texto fue seleccionado entre más de 90 postulaciones como parte del proceso curatorial de DramaFest 2025. La puesta en escena está a cargo del director polaco Norbert Rakowski, actual director artístico del Jan Kochanowski Theatre en Opole, Polonia.

Se presentará del 14 de noviembre al 7 de diciembre, viernes a las 20 horas, sábados a las 19 horas y domingos a las 18 horas, con edad recomendada a partir de 16 años, duración aproximada de 70 minutos y precio del boleto de $150. Los boletos pueden adquirirse en las taquillas del CCB o en línea a través de este enlace.

El elenco contará con Claudia Lobo, Hamlet Ramírez, Luz Olvera y Pablo Villegas. La producción incluye escenografía de Sergio López Vigueras, iluminación de Sara Alcantar, vestuario de Edyta Rzewuska, musicalización de Iñaki Vázquez, diseño multimedia y asistencia de dirección de Dafne Macías, con Dorota Ziółkowska como asistente de vestuario.

La producción general del DramaFest está a cargo de Nicolás Alvarado, con dirección artística de Raquel Araujo, producción ejecutiva de Jennifer Soler y Samuel Sosa, coordinación de producción de Fryda Vázquez, coordinación técnica de Isaías Martínez y administración de Alberto Robinson.  

“Un festival que, desde su fundación, ha sostenido una vocación clara: visibilizar la dramaturgia contemporánea en español y generar puentes de colaboración internacional. Está dirigido a jóvenes y adultos interesados en el teatro de autor, estudiantes y docentes de artes escénicas, así como a audiencias sensibles a temáticas de justicia social, derechos humanos y violencia estructural”, comparten sus fundadores.  

CDMX.- 11 de noviembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) El inspector llama a la puerta, dirección de Otto Minera, ofrece una temporada en el Teatro Helénico, institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México. La adaptación de la obra, escrita por J. B. Priestley, sumerge al público en una historia de intriga, culpa y crítica social ambientada en la Inglaterra de inicios del siglo XX.

Desde los primeros minutos, la tensión se instala en el escenario con la elegante familia Birling que celebraba una cena, misma que interrumpe un inspector decidido a esclarecer el suicidio de una joven trabajadora. Cada interrogatorio desnuda secretos y contradicciones, lo que mantiene al público al borde del asiento.

“La intriga estuvo excelente, no podías despegarte del asiento; cada diálogo te hacía pensar de qué era culpable cada personaje”, expresó Amanda, quien asistió a la función inaugural. Por su parte, Ulises comentó: “te hace reflexionar sobre cómo los actos soberbios o la indiferencia pueden afectar a los demás, más de lo que imaginamos; a veces no hacemos daño directo, pero dejamos cicatrices profundas”.

Las interpretaciones del elenco –Carlos Aragón, Pedro Mira, Lourdes Gazza, José Ramón Berganza, David Villegas, Leilani Ramírez y Helena Aparicio– atraparon la atención del público durante las dos horas de la función. La escenografía, diseñada por Edyta Rzewuska, y la iluminación de Patricia Gutiérrez, acentuaron la atmósfera de misterio y tensión moral.

Para José Luis, espectador habitual del Helénico, la puesta “te obliga a pensar en la responsabilidad social, en cómo nuestras decisiones, por pequeñas que parezcan, tienen consecuencias”. Mientras que Ana Luisa destacó el mensaje

ético del montaje: “Es una historia sobre la empatía, sobre reconocer nuestros errores antes de que sea demasiado tarde”.

Al concluir la función, el público ofreció un aplauso continuo y de pie. “El final fue impactante. Salí con la sensación de que todos podríamos ser ese personaje que prefiere mirar hacia otro lado. Es un espejo incómodo, pero necesario”, señaló Roberto, otro espectador.

Con El inspector llama a la puerta, Otto Minera reafirma la vigencia de la dramaturgia de Priestley y su mirada crítica hacia la desigualdad, la hipocresía social y la falta de responsabilidad colectiva. Entre el suspenso y la reflexión, la obra logra que el público se cuestione sobre la moralidad, la culpa y la indiferencia.

La puesta en escena se presenta hasta el 14 de diciembre de 2025 en el Teatro Helénico, con funciones los viernes a las 20 h, sábados a las 19 h y domingos a las 18 h. Los boletos están disponibles en la taquilla y en helenico.gob.mx.

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