Su existencia es también un acontecimiento histórico y fortuito, casi milagroso, ya que surge como un colectivo universitario y evoluciona hasta convertirse en una de las mejores orquestas de México, sin desligarse de sus raíces y su servicio hacia la UNAM.

“Esto le da una identidad muy peculiar: trabaja para los universitarios, pero también, al igual que la Universidad, para la nación. Y, por supuesto, como cada gran orquesta del mundo, está totalmente relacionada con su sede principal, que en este caso es la Sala Nezahualcóyotl”, afirmó José Julio Díaz Infante, director de Música UNAM.

La Nezahualcóyotl, agregó Díaz Infante, cumple también aniversario, el número 50, en el que se confirma como una de las 15 mejores salas de concierto del mundo, merced a su diseño, del que destaca una acústica eficiente que distribuye el sonido de forma equitativa hasta el último rincón del edificio.

Maestros y alumnos de la entonces Escuela Nacional de Música (hoy Facultad de Música) impulsaron en 1929 la creación de la OFUNAM, que se convirtió en agrupación profesional en 1936. Desde 1976, la Sala Nezahualcóyotl es su sede permanente. Escenario en el que la han dirigido diversos titulares: José Rocabruna, José Francisco Vásquez, Icilio Bredo, Eduardo Mata, Héctor Quintanar, Enrique Diemecke, Eduardo Diazmuñoz, Jorge Velazco, Jesús Medina, Ronald Zollman, Zuohuang Chen, Alun Francis, Massimo Quarta, y actualmente Sylvain Gasançon. Por no hablar de un gran número de directoras y directores huéspedes.

Los artistas de renombre que se han presentado con la Orquesta y en la Sala se cuentan por decenas. Podríamos destacar a los pianistas Alexander Malofeev, Daniil Trifonov, Jorge Federico Osorio, Juan José Calatayud, Lukáš Vondráček, Nobuyuki Tsujii; a los violinistas Erika Dobosiewicz, Eugene Fodor, Gil Shaham, Igor Oistrakh, Irvine Arditti, Itzhak Perlman, John Corigliano, Joshua Bell, Leonidas Kavakos, Michael Barenboim, Nikolaj Znaider, Pierre Amoyal, Pinchas Zukerman, Shlomo Mintz y Vladimir Spivakov; y a los cantantes Francisco Araiza, Javier Camarena, Lourdes Ambriz y María Katzarava, entre muchos más.

En el terreno de lo popular y de otros ámbitos musicales, vale la pena mencionar al baterista Antonio Sánchez, Eugenia León, la Orquesta Sonora Santanera, el Mariachi Gallos de México o los proyectos Mambo Sinfónico y Jazz Sinfónico Mexicano.

La celebración comienza los días 17 y 18 de enero con el programa inaugural de la primera temporada de la Orquesta, una gala en la que se presentará Carmina Burana, de Carl Orff, la cantata escénica basada en poemas de los siglos XII y XIII que abordan temas como el amor, el placer y la fortuna. Los boletos están agotados, pero el concierto del día 18 se transmitirá por la señal de TV UNAM.

El Festival Internacional de Piano de la UNAM ocurrirá de manera paralela, y varios de sus solistas habrán de presentarse con la Orquesta: hablamos de Daniela Liebman, Suzana Bartal, Sophia Liu y Stephen Hough.

Este último ha colaborado en la grabación de las sonatas de Brahms con otro invitado de la OFUNAM, que dará un concierto extraordinario: el violonchelista Steven Isserlis, virtuoso cuya versión de las suites completas para violonchelo solo de Bach ha ganado numerosos premios.

A lo largo de su historia, la OFUNAM se ha abierto a todos los tipos de música, desde la popular y la tradicional hasta la experimental. “Son propuestas innovadoras, muy atractivas, pero con alto contenido artístico y cultural”, expuso Díaz Infante.

Así, en el terreno de la música tradicional mexicana, se espera un concierto con el trío huasteco Los Descarados, el ensamble jarocho Caña Dulce y Caña Brava, y la agrupación de Celso Duarte, que pondrá en el escenario una constelación de arpas paraguayas.

Mientras que hacia el cierre de la primera temporada, que sólo constituye una parte de la celebración de este año, podrá apreciarse un espectáculo de danza contemporánea en el que la compañía Aksenti trabajará con la Orquesta para presentar el Concierto para violín, de Stravinski y El mandarín milagroso, de Bartók.

Otra evolución de la Orquesta es su foco en la creación musical de las mujeres, que se integra consuetudinariamente en los programas y en las invitaciones a directoras huéspedes, y que se celebra puntualmente con las Jornadas de Mujeres en la Música. Este año destacarán, por ejemplo, las presencias de la directora Ligia Amado, con mujeres solistas de la OFUNAM, y de la directora Fernanda Lastra, junto a la violinista Nancy Zhou.

Finalmente, se inaugurará una exposición conmemorativa: 90 años de la Orquesta Filarmónica de la UNAM. Historia y vida musical, 1936-2026, en el vestíbulo de la Nezahualcóyotl. Se trata de un recorrido por la vida de la agrupación a partir de fotografías, programas de mano y documentos de archivo, que permite conocer la cronología de sus hitos, así como su relación temprana con la vida académica y cultural de la UNAM.

Pero las sorpresas no acabarán aquí, las celebraciones por el 90 aniversario de la OFUNAM seguirán a lo largo del año con otras presentaciones y eventos que confirmarán su trascendencia y que prometen poner sobre la mesa la oportunidad para pensar su futuro.

CDMX.- 26 de noviembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) La Orquesta de Cámara de Bellas Artes (OCBA), agrupación del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), ha sido un participante fundamental en el desarrollo de las Jornadas INBAL–SACM y del Festival Artístico de Otoño. Por ello, en esta ocasión, dirigida por Luis Manuel Sánchez Rivas, mostrará al público del Centro Cultural Roberto Cantoral (CCRC) el talento de cada uno de sus integrantes en una afortunada conjunción.  

De esta manera, del maestro Eduardo Angulo se escuchará la obra Toccata, en la que su autor emplea varios cambios tanto de compás como de tiempo. La versión para flauta y guitarra es considerada hoy un reto de alto nivel en cuanto a capacidades técnicas e interpretativas, así como de ensamble; fue requerida en una edición pasada de un concurso de flauta transversa como obra obligada para la prueba semifinal de la categoría profesional.

Su cualidad de ser abiertamente libre en su estructura exige cierto consenso entre intérpretes, pues la forma caprichosa en que alterna cambios de tiempo requiere un arduo trabajo en equipo y una clara estabilidad de pulso para empalmar y, a la vez, hacer notar la diferencia rítmica de cada instrumento. La obra fue escrita en 1998, y la versión que se escuchará con la OCBA es una transcripción para cuerdas realizada poco después.

Otra de las piezas que integran el programa es Sincronía, de Enrico Chapela. Sobre esta obra, el compositor detalló que “se trata de una adaptación para la Orquesta de Cámara de Bellas Artes de un cuarteto de cuerdas titulado El cuarto camino, compuesto en 1995 y estrenado en 1996, en donde agregué el contrabajo y lo pensé como secciones y ya no como individuos. Por cierto, es la primera obra que registré en la Sociedad de Autores y Compositores de México, que además me otorgó un reconocimiento por mis 25 años de trayectoria”, recordó.

“En 2015 —agregó—, también dentro de las Jornadas INBAL–SACM, se había interpretado todavía con el título de El cuarto camino, a cargo del Cuarteto Latinoamericano. Ahora estoy haciendo una revisión final para una grabación con Urtext y estoy tratando de que quede lo mejor posible”.

Chapela añadió que, aunque el concepto central de la obra es el mismo, “en esta nueva versión he buscado enriquecer la partitura a partir de la experiencia adquirida en los casi 30 años transcurridos desde su creación, y por ello he titulado esta versión Sincronía, cuyos tres movimientos son: Mental, Emocional y Corporal”.

Por último, De murmullos. Homenaje a Juan Rulfo, de Gerardo Tamez, es —como explica el musicólogo Juan Arturo Brennan— “una obra basada en algunos fragmentos de la novela Pedro Páramo, de Juan Rulfo —que cumple 70 años de haber sido publicada—. Según se sabe por fuentes cercanas al autor, el libro debió llamarse Los murmullos, pero por razones editoriales se tituló como lo conocemos; de ahí el nombre de la obra musical De murmullos”.

“La obra consta de siete partes, en las que el narrador (en esta ocasión, Eligio Meléndez) enuncia, a manera de preludio, textos relacionados con cada movimiento. La narrativa musical procura seguir la textura del mundo rulfiano mediante un lenguaje expresivo que transita desde gestos minimales y modales hasta alusiones, como pinceladas, a lenguajes folclóricos”.  

“La versión original de De murmullos. Homenaje a Juan Rulfo tuvo su estreno absoluto el 11 de noviembre de 2018 con la OCBA, bajo la dirección de José Luis Castillo y con la participación de integrantes del grupo Los Folkloristas. Este estreno fue particularmente significativo, toda vez que Gerardo Tamez fue miembro fundador de esa agrupación en 1966, además de que esta primera audición ocurrió en el 70 aniversario natal del compositor y unos meses después de que recibiera, merecidamente, la Medalla Bellas Artes”, concluyó.

En el marco de las Jornadas INBAL–SACM, la OCBA ha estrenado obras de diversos compositores, como Federico Ibarra (Sonata para cuerdas), Leonardo Coral (Fénix, Concierto para guitarra núm. 2), Héctor Infanzón (Con cierta candela, divertimento para piano y cuerdas), Leticia Armijo (Kinkaku-Ji), Antonio Juan-Marcos (Invierno en las manos), Salvador Torré (Homm-ages), Ana Paola Santillán Alcocer (Hadron), Cristina García Islas (Concierto núm. 1 para piano y orquesta de cuerdas), Rodrigo Lomán (Elucubraciones sobre el fandango), Manuel de Elías (Divertimento festivo – Homenaje a Juventino Rosas), Maglog Orozco (Viento cósmico), Adrián Echeverría (Crisálida lunar), Luis Jaime Cortez (Sinfonía de cuerdas), Pablo Teutli (La trampa del sueño) y Luis Ernesto Mesa (Cuatro murales independentistas), por mencionar algunos.

CDMX.- 25 de noviembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) Entre fragmentos de Carmina Burana y de las óperas Madama Butterfly, Carmen, Tannhauser y Aida, además de corridos y música tradicional, integrantes y exintegrantes del Ensamble Escénico Vocal (EEV) celebrarán los 15 años de trayectoria de este grupo artístico, impulsado por el Sistema Nacional de Fomento Musical (SNFM). El sábado 29 y domingo 30 de noviembre a las 13:30 h, en el Auditorio Silvestre Revueltas, del Conservatorio Nacional de Música y el Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes.

Durante esta Gala Coral, las y los cantantes del EEV también interpretarán a cappella obras como Alleluia de Randall Thompson; Tres epitafios, op. 17 de Rodolfo Halfter ―con textos de Miguel de Cervantes Saavedra―, Las Bienaventuranzas de Jorge Córdoba ―con textos bíblicos―; Tres canciones de amor, de Manuel Oltra ―con textos de Federico García Lorca―, en las cuales exhibirán su fortaleza vocal.

A decir de su director artístico, Emilio Aranda Mora, la importancia de esta celebración radica en destacar que este grupo artístico es multifacético en estilos y formatos; que ha difundido la música coral universal y mexicana en escenarios nacionales como internacionales, y que también ha impulsado la carrera de una pléyade de 80 jóvenes cantantes que, hoy, destacan en la Academia de Música Antigua de la UNAM, el Coro del Teatro de Bellas Artes, el Estudio de Ópera de Bellas Artes, Coro de Madrigalistas de Bellas Artes , Solistas Ensamble de Bellas Artes y estudios de ópera del extranjero.

“El jueves 12 de agosto de 2010, bajo la batuta del Mtro. Gerardo Rábago Palafox (director fundador), el Coro de Cámara Juvenil de México, hoy Ensamble Escénico Vocal, ofreció su primera presentación. Desde entonces, este ensamble ha impulsado la formación profesional de decenas de jóvenes cantantes que también se encuentran forjando su carrera en escenarios operísticos nacionales”, subrayó.

Por otra parte, la historia del EEV no podría contarse sin la presencia de notables directores musicales como Digna Guerra, Gerardo Rábago, Jorge Córdoba, Eduardo García Barrios, Alejandro León, Horacio Franco, Leszek Zawadka, Sergio Vázquez y Emilio Aranda Mora, quienes han transitado por el repertorio coral de diversas épocas, estilos, tradiciones y formatos.

La directora del Coro Nacional de Cuba, Digna Guerra, declaró en 2023 durante su participación con el EEV “Son jóvenes talentosos, el repertorio no es fácil, pero lo están logrando con constancia. Lo resolverán muy bien. Tienen buenas voces”.

De los formatos de cámara a los montajes escénico-vocales

Bajo este ángulo, la Gala Coral además de exaltar el talento que ha formado del EEV, también será una retrospectiva musical un tanto ecléctica, que mostrará al público diversos momentos de este grupo artístico, desde sus inicios donde la búsqueda artística se enfocaba en perfeccionar los fraseos, colores y matices vocales de sus integrantes, hasta la exploración que los llevó a transitar hacia programas y/o repertorios que conjugan la voz con el movimiento.

Fue en 2015, cuando el EEV bajo la dirección escénica de Hernán del Riego y la batuta de Horacio Franco presentó La pasión según San Juan, primer montaje escénico-vocal, posteriormente en 2016, montaron Yo, Mozart, quién mató a quién, dirigidos por Leszek Zawadka y el director musical, Eduardo García Barrios, y en 2018: Negritud, una puesta escénico-vocal que ponderaba las raíces afroamericanas de América latina, bajo la dirección escénica de Luis Sandoval y el acompañamiento del Ensamble de percusiones de la Orquesta Escuela Carlos Chávez.

Para exhibir está faceta de voz y movimiento, el EEV interpretará temas de tradición popular en México como La llorona, y el villancico novohispano Xicochi conetzintle de Gaspar Fernández, y en el que el aparecerá el trazo escénico de Maricela Medina, directora de movimiento de este grupo artístico.

En julio de 2018 asumió la dirección artística del EEV, Emilio Aranda Mora, quien además de perfeccionar la técnica e interpretación de los noveles cantantes, en años recientes, enfocó la actividad de este grupo artístico en producciones escénico-vocales como la temporada del programa Música coral del exilio español; los conciertos con selecciones de los musicales West Side Story, Candide y Wonderful Town en el marco del centenario del natalicio de Leonard Bernstein, las cuales se presentaron en el Auditorio Nacional, en el marco del magno evento de Cultura Comunitaria: Tengo un sueño.

Asimismo, bajo la visión artística de Aranda Mora, el EEV llevó las nuevas voces del canto de México a festivales de la especialidad realizados en Europa. En octubre de 2022 viajó a Tolosa, España para participar en la 53ª edición del prestigioso Certamen Coral de Tolosa, y en junio de este 2025, llevó a Alemania, música de México y América Latina al Concurso Internacional de Coros de Cámara Marktoberdorf, realizado en Münich, Polling y Bad Hindelang, ciudades del estado alemán de Baviera.

La cita para disfrutar de esta Gala Coral es el sábado 29 de noviembre, a las 13:00 h, en el Auditorio Silvestre Revueltas del Conservatorio Nacional, y el domingo 30, a las 13:30 h, en el Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes. Para mayores informes consulte la cartelera en mexicoescultura.com y en fomentomusical.cultura.gob.mx.

● El Gobierno de la Ciudad de México otorgó un reconocimiento María Guadalupe Cruz Gómez y Carlos Eduardo Vargas Medina, portadores de la declaratoria; así como a Maria Rojo, Miguel Nieto y Simón Jara, figuras fundamentales para el desarrollo del danzón en la capital

CDMX.- 17 de noviembre de 2025.- (https://cultura.cdmx.gob.mx/comunicacion) La Ciudad de México celebró este domingo una jornada histórica con la Declaratoria del Danzón como Patrimonio Cultural Inmaterial, un reconocimiento que honra a las miles de personas, músicos, bailarines, salones tradicionales y comunidades que han mantenido viva esta expresión por más de un siglo. El anuncio se realizó en el marco del “Gran Baile de Danzón”, organizado por el Gobierno capitalino, a través de la Secretaría de Cultura local, que reunió a miles de asistentes en la plancha del Zócalo.

En el acto protocolario estuvieron presentes Clara Brugada Molina, Jefa de Gobierno de la Ciudad de México; Ana Francis Mor, Secretaria de Cultura capitalina; Marcos Rodríguez Costa, Embajador de la República de Cuba en México; Argel Gómez Concheiro, subsecretario de Grandes Festivales Comunitarios de la Secretaría de Cultura local; María Xóchitl Molina González, Secretaria de Cultura de Veracruz; Omara Portuondo, leyenda viva de la música cubana; Miguel Nieto, administrador del Salón Los Ángeles; Simón Jara, fundador del Salón Colonia; la actriz María Rojo; así como 200 músicos de 25 danzoneras que marcaron un momento sin precedentes para esta tradición binacional.

La Jefa de Gobierno destacó que el danzón es más que un baile, es una práctica de convivencia y civismo que ha tejido una red de memoria, afecto y comunidad en los barrios, plazas y salones de la capital. Subrayó que la declaratoria es un acto de justicia para quienes han sostenido esta tradición durante décadas y que permitirá garantizar que esta práctica siga viva en el Zócalo, en los salones tradicionales, en las escuelas públicas y en las plazas de toda la ciudad.

“El danzón forma parte de la identidad capitalina. Es un lenguaje de respeto, comunidad y alegría que ha acompañado a esta ciudad por generaciones. Hoy lo reconocemos oficialmente como patrimonio vivo de nuestro pueblo. (…) Con esta declaratoria asumimos el compromiso de proteger, promover y transmitir esta tradición que convierte al espacio público en un lugar de encuentro y dignidad”, afirmó.

La leyenda cubana Omara Portuondo fue nombrada Madrina de Honor de la Declaratoria, en reconocimiento a su trayectoria y a su vínculo histórico con el danzón y la cultura musical compartida entre México y Cuba. En un momento especialmente emotivo, la Jefa de Gobierno de la Ciudad de México destacó su aportación invaluable al patrimonio musical latinoamericano y subrayó que la cantante es un puente vivo entre las tradiciones que dieron origen a este género. Su presencia refrendó la profundidad afectiva y cultural que une a ambos países a través del danzón.

En su turno, la secretaria de Cultura capitalina subrayó que la declaratoria fue posible gracias a un expediente técnico sólido construido junto a la comunidad, el cual documenta los valores culturales, sociales e identitarios del danzón y su papel fundamental en la vida pública de la ciudad.

“Esta declaratoria existe gracias a la comunidad danzonera, que ha mantenido viva esta tradición. Su constancia y amor por el danzón son los verdaderos pilares de este reconocimiento. (…) El danzón no es solo música y baile, es una forma de habitar la ciudad, una escuela de convivencia y un patrimonio que seguirá creciendo con el cuidado de sus maestras, maestros, orquestas y bailadores”, celebró.

También señaló que este reconocimiento formal implica una responsabilidad compartida entre instituciones y comunidades para documentar, promover y salvaguardar una tradición que ha marcado la memoria y la convivencia en la Ciudad de México por más de un siglo.

Durante la ceremonia se recordó que el danzón es una expresión viva gracias al compromiso de las comunidades que lo practican, lo enseñan y lo celebran. La Ciudad de México, uno de sus hogares más fértiles, ha sido testigo de su evolución y de su integración al paisaje cultural urbano, donde se baila semana a semana en salones, parques y espacios públicos. Con esta declaratoria, se refuerza la responsabilidad de conservar, documentar, transmitir y promover este legado compartido por generaciones.

La declaratoria como Patrimonio Cultural Inmaterial reconoce al danzón no solo como un género musical y dancístico, sino como una práctica social cargada de ritualidad, memoria, elegancia y afecto, sostenida por generaciones de bailadores, maestras y maestros, danzoneras, salones y espacios comunitarios. Su presencia en plazas públicas, barrios tradicionales y salones emblemáticos ha tejido vínculos intergeneracionales y ha convertido al danzón en un símbolo de identidad tanto para México como para Cuba.

El Gobierno de la Ciudad de México otorgó un reconocimiento María Guadalupe Cruz Gómez y Carlos Eduardo Vargas Medina, portadores de la declaratoria; así como a Maria Rojo, Miguel Nieto y Simón Jara, figuras fundamentales para el desarrollo del danzón en la capital.

El Zócalo se convirtió en una gran pista de baile con la presentación de la Orquesta Failde, proveniente de Cuba y heredera directa del legado del danzón; Acerina y su Danzonera, ícono de la Ciudad de México; y la Danzonera La Playa de Gonzalo Varela, orgullo del estado de Veracruz. Entre sones, pasos cadenciosos y el inconfundible cinquillo, miles de parejas celebraron este reconocimiento que reafirma la vigencia, el orgullo y la fuerza comunitaria del género.

Entre las danzoneras participantes en la Declaratoria estuvieron: Danzonera Isora Club, Danzonera Aragón, Danzonera México, Felipe Urban y su Danzonera, Nuevos Aires del Danzón, Danzonera Continental, Danzonera Cuitláhuac, Danzonera Paz Cisneros, Danzonera Alfil Negro, Orquesta de la Tercera Edad, Orquesta Carlos Campos, Orquesta Antillana de Arturo Núñez, Danzonera Criolla de Adolfo Vega, Danzonera Yucatán y El Internacional Pepe González.

El Gran Baile de Danzón culminó como una fiesta que reafirmó el vínculo histórico entre México y Cuba, naciones unidas por un ritmo que ha trascendido geografías y generaciones. Entre música en vivo y un Zócalo repleto, el danzón fue celebrado como lo que es: un patrimonio vivo que sigue latiendo en cada compás y en cada comunidad que lo abraza.

Como parte de esta declaratoria, el Gobierno de la Ciudad asumió una serie de compromisos de salvaguarda, entre ellos fortalecer a las comunidades bailadoras y a las danzoneras con apoyos, archivo sonoro y programas permanentes; garantizar espacios seguros y accesibles para la práctica del danzón; impulsar talleres en los PILARES, las UTOPÍAS y Casas de Cultura; y acercar esta expresión a niñas, niños y jóvenes, incluso en escuelas públicas, como una manera de promover la convivencia pacífica y la cultura del respeto. Esta declaratoria también fue subrayada como un acto de justicia para las y los portadores de la tradición que han preservado su memoria por décadas.

Para conocer todas las actividades de la Secretaría de Cultura capitalina consulta la Cartelera de la Ciudad de México (https://cartelera.cdmx.gob.mx/) y las redes sociales de la Secretaría de Cultura: Facebook, X, Instagram y YouTube.

CDMX.- 13 de noviembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa/) El Centro Nacional de las Artes (Cenart), institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, presentará la ópera Paso del Norte, que vuelve a escena en un montaje proveniente de Monterrey, realizado por Mexico Opera Estudio y que narra la tragedia de un grupo de migrantes que intentó cruzar la frontera de México hacia Estados Unidos.

A dos años del fallecimiento del compositor Víctor Rasgado, esta nueva producción bajo la dirección musical de Alejandro Miyaki y la dirección escénica de Rennier Piñero, reúne a un talentoso grupo de jóvenes cantantes que, como parte de la culminación de su formación, ofrecen una interpretación intensa y conmovedora de esta obra fundamental en la música contemporánea mexicana.

Paso del Norte está basada en un hecho real que marcó a nuestro país en 1987, cuando 18 migrantes mexicanos murieron asfixiados en un vagón de tren rumbo a Estados Unidos. La tragedia, documentada por la prensa y transformada en la obra teatral “El viaje de los cantores” de Hugo Salcedo (ganadora del Premio Tirso de Molina en 1989), encontró en Rasgado un eco musical profundo.

Como historiador y amante de la poesía, el compositor oaxaqueño investigó testimonios, recurrió a textos poéticos —algunos de su propia autoría— y creó un libreto que da voz al dolor, la esperanza y la crudeza de la migración.

La primera versión data de 2005: era una ópera breve de cinco escenas, escrita para tres cantantes y tres instrumentos, que fue comisionada por el Netherlands Vocaal Laboratorium y estrenada en los teatros Schouwburg Odeon (Zwolle) y De Balie (Ámsterdam), dentro de un festival internacional dedicado a la migración.

En 2011, Rasgado amplió la obra a una versión para banda de pueblo de once escenas y realizó un proyecto pedagógico en el Bachillerato Musical Comunitario de Zoogocho, Oaxaca, junto a Fernando Domínguez, Iván Manzanilla y Arturo Quezadas. Niños y maestros fueron los encargados de estrenar esta versión en Oaxaca, la cual posteriormente se presentó en Matamoros, Reynosa y en el XLII Festival Internacional Cervantino (2014), con una tercera versión de trece escenas.

Este nuevo montaje, realizado con el Estímulo Fiscal del Artículo 190 de la Ley del Impuesto sobre la Renta, EFIARTES, reactiva el poder de una obra que sigue vigente ante el contexto migratorio y político actual, con la participación de la orquesta de Mexico Opera Studio (MOS), la soprano Belén Martín, el tenor Jaquez Reyes y el bajo Juan Carlos Villalobos, además de un coro de actores y actrices.

El MOS es un centro dedicado a fomentar la tradición operística en México y ofrece un espacio donde los talentos emergentes pueden desarrollar sus habilidades artísticas. Brinda formación integral en técnicas vocales, escénicas y en la comprensión de grandes obras operísticas y además de preservar la ópera clásica, promueve nuevas interpretaciones que fusionan la herencia mexicana con narrativas universales.

La ópera Paso del Norte ofrecerá cuatro funciones: del 21 al 23 de noviembre, viernes, a las 20:00 h; sábado, a las 19:00 h; y domingo a las 16:00 y 18:00 h, en el Teatro de las Artes. Los boletos tienen un costo de 180 pesos, con promoción de 2×1 comprando los miércoles en la página cenart.comprarboletos.com y los viernes en taquillas. Para más información consulta la página cenart.gob.mx.

CDMX.- 12 de noviembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) Del 20 al 28 de noviembre de 2025, Cínica Festival de Cine de Música de México celebra su octava edición, con una selección de doce películas nacionales e internacionales, además de charlas, homenajes, conciertos y presentaciones editoriales.

En conferencia de prensa, su director, Mario Ortega, comentó que Cínica representa un espacio en el que las imágenes y los sonidos encuentran una libertad que pocas veces se ve en la industria: “Cada edición del festival es un acto de resistencia creativa. Buscamos que el cine independiente dialogue con la música y con las historias que definen nuestra identidad cultural. En esta edición, cada película vibra con la energía de lo que somos y escuchamos”.

La octava edición del festival tendrá diversas sedes: la Cineteca Nacional México, recinto de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, el Centro Cultural Universitario de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), el B-Wing y el Blackflag Crew.

Con el objetivo de difundir, promover y apoyar al cine mexicano e internacional, Cínica ofrece una programación especializada en películas de ficción, documentales, musicales, videos y propuestas audiovisuales en torno a la música, con énfasis en producciones nacionales; incluye géneros como el rock, jazz, música de concierto, regional, tradicional o urbana.

Un puente entre el cine, la música y la memoria

Con el estreno mundial de Charrock and Roll, dirigida por Leo Méndez y producida por Tess Rabinisha, se inaugura el encuentro; es un documental que retrata la vida y obra del artista Sergio Arau, creador de Botellita de Jerez y pionero del “guacarrock”, género que mezcló humor, crítica y música popular mexicana.

El filme se adentra en la historia del rock mexicano a través de las voces de personajes clave arriba y abajo del escenario como Jaime López, Cecilia Toussaint, Javier Bátiz, Alfonso André, Lino Nava, Armando Palomas, José Manuel Aguilera, Roco Pachukote y Alex Lora, entre otros artistas, quienes comparten su mirada sobre el movimiento musical que marcó a distintas generaciones.

“La intención de este documental es rendir homenaje a quienes, con su voz y su energía, abrieron caminos para la libertad creativa en México. Queríamos capturar la esencia de una época que aún vibra en las calles, los escenarios y en la memoria de quienes siguen creyendo en la música como una forma de resistencia”, expresó Leo Méndez, director del proyecto.

Cartelera: diversidad sonora en la gran pantalla

La programación también incluye Revbles, de Valeria Guerrero, un acercamiento a la cultura hip hop en la frontera norte del país y su poder como herramienta de identidad y resistencia; Era oculta, de Carlos Vargas, que sigue la vida del músico rastafari Phambi en Mozambique, y En camino a Leo, de Ana Bárcenas Torres, que plasma una mirada íntima sobre el proceso de transición de género y la maternidad desde el lenguaje poético del cine documental.

“Nace el deseo de filmar esta historia por la urgencia de entender la transformación como una forma de libertad. No solo de los cuerpos, sino también de las emociones”, compartió Ana Bárcenas Torres. “Participar en Cínica es compartir un espacio donde las narrativas diversas encuentran su lugar. Este festival demuestra que el cine también puede ser un acto de cuidado y de escucha”, agregó.

El festival rinde homenaje a Todo el poder, de Fernando Sariñana, a 25 años de su estreno, con la presencia del elenco y equipo creativo. Asimismo, se conmemoran los 30 años de KIDS, de Larry Clark, filme clave en la estética visual y sonora del cine juvenil de los noventa.

También se proyectará: Un tal Tacho, el hombre detrás del beat de Luis Gutiérrez; La máquina del ritmo de Fernanda González; Rock en el desierto de Edgar Corona; Al compás del barrio de Mariana Segura; La voz que baila de Daniel Hinojosa, y Noise Underground de Keila Figueroa.

Además de las proyecciones, hay charlas, por ejemplo, una sobre Autos, mota y rocanrol, que explora la influencia del rock en el audiovisual nacional; además de mesas de análisis y presentaciones editoriales, entre ellas Revista Belcebú presenta: Alucarda regresa de la tumba, proyecto que celebra el cine de terror mexicano.

Cínica Festival de Cine de Música de México 2025 es una producción independiente con el apoyo de la comunidad cultural, académica y artística del país. Su objetivo es dar voz a quienes crean desde la periferia, la rebeldía y la emoción.

La programación completa, horarios y sedes se pueden consultar en www.cinicafestival.com y en las redes sociales oficiales del festival: @cinicafestival en Facebook, Instagram, X y TikTok.

CDMX.- 10 de noviembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) Las Áreas verdes del Centro Nacional de las Artes (CENART), institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, reciben nuevamente al Eurojazz 2025. La tarde del domingo 9 de noviembre de 2025, bajo un cielo despejado, casi 20 mil personas ocuparon el pasto con mantas, petates y bancos plegables para escuchar el concierto inaugural a cargo de la agrupación irlandesa Córas Trio.

En la inauguración, se contó con la presencia del titular del Cenart, Vicente Jurado López; el embajador de Irlanda en México, Ruairí de Búrca, y el embajador de la Unión Europea en México, Francisco André, además de integrantes del cuerpo diplomático europeo.

Jurado dio la bienvenida y recordó que el festival es un espacio para el encuentro entre asistentes y creadores. “Para la familia del Cenart, el público es fundamental; los espacios existen para ustedes y se vuelven vitales cuando los habitan. Eurojazz llega a su edición 28 y seguimos celebrando en estos jardines con una curaduría pensada para todas y todos”.

Subrayó la colaboración con la Unión Europea y apuntó que “hoy más que nunca la solidaridad entre pueblos y países resulta esencial; la cultura y el arte funcionan como un motor para la paz, para construir respeto y tolerancia”.

Por su parte, el embajador de Irlanda, Ruairí de Búrca, destacó el papel de la música como lenguaje común entre países, y la unidad que genera el jazz recuerda la fuerza que se alcanza al trabajar en conjunto dentro de la Unión Europea y con México. “La música construye puentes entre Irlanda, Europa y México; es la música la que nos une, y hoy tenemos la alegría de iniciar el festival con un grupo irlandés que combina tradición y sonido contemporáneo”, señaló al presentar a Córas Trio.

En su intervención, el embajador de la Unión Europea, Francisco André, adelantó que el festival se prepara para una nueva etapa. “Esta es la vigésimo octava edición, pero con el éxito que ya se ve esta tarde vamos hacia la vigésimo novena, que llegará en marzo de 2026, en un ambiente más veraniego. En un mundo con insultos, tensiones y agresiones, esta fiesta de música entre México y la Unión Europea manda un mensaje claro: si más personas se sentaran a escuchar juntas, a dialogar y a conocerse, el mundo sería un poco más fácil”.

Tras la inauguración, el escenario principal recibió a Córas Trio, integrado por violín, guitarra y percusiones con soporte electrónico. El conjunto pertenece a una nueva generación de creadores radicados en Belfast que exploran el cruce entre tradición irlandesa, improvisación y lenguajes sonoros contemporáneos.

En entrevista, el violinista y responsable de la electrónica, Kevin McCullagh, explicó la esencia del proyecto: “Nos inspiran los sistemas de la naturaleza: el clima, el agua, los procesos caóticos. Tomamos melodías y canciones tradicionales de Irlanda, las desarmamos en sus partes y las usamos como materia para improvisar. Eso nos permite tener una conversación en escena y abrir nuevos lenguajes desde la tradición”.

Sobre la fusión entre música irlandesa y electrónica, añadió que no buscan un efecto de moda, sino extender la voz de sus instrumentos. “Para mí, la electrónica es una prolongación del violín. Antes hacía música en computadora y pinchaba discos; ahora uso pedales para ampliar el rango del instrumento y explorar otros mundos sonoros. Las texturas electrónicas nos liberan como intérpretes y permiten romper la línea melódica continua de la música tradicional”.

El público respondió con atención y aplausos a cada pasaje: desde los temas más cercanos al seisiún irlandés hasta los momentos de improvisación, en los que capas de sonido electrónico acompañaban figuras del violín y la guitarra. Karina, quien asistió por primera vez al festival, comentó: “No sabía qué esperar y salí sorprendida. Suena muy bien, muy diferente y lo que más me gusta es que podamos escuchar esto gratis y al aire libre”.

Para Rita, vecina de Coyoacán que acudió con amigos, la mezcla de tradición y experimentación fue uno de los mayores atractivos: “Es música que invita a viajar. De pronto parece folk o electrónica ambiental, pero siempre tiene emoción”.

Para Córas Trio, presentarse en México representa un diálogo artístico que trasciende fronteras. McCullagh lo resumió así: “Queremos explorar la condición humana: las emociones que sentimos y el mundo que vemos. Eso es universal, desde Irlanda hasta México. Invitamos al público a escuchar la música y a permitirse sentir lo que surja. Después de tocar aquí, me llevo algo muy claro: la gente en México es vibrante y muy expresiva. Ojalá mi forma de tocar se vuelva un poco más vibrante, expresiva y más mexicana”.

Yvonne Moriel sube al escenario

Más tarde, a las 17 h, las y los asistentes escucharon el segundo concierto del día, a cargo del cuarteto austríaco Yvonne Moriel :: Sweetlife. La saxofonista, galardonada con el Austrian Jazz Prize, ofreció un potente recorrido por el jazz-dub electrónico que caracteriza a su proyecto, que se acompaña de sintetizadores, percusiones digitales y un bajo que marcó un pulso hipnótico al caer la tarde.

Con un sonido envolvente y una presencia escénica magnética, Moriel condujo una sesión que transitó entre la improvisación y el groove. José Luis, uno de los asistentes, comentó: “Fue impresionante escuchar cómo se mezclan el saxofón con las bases electrónicas; se siente como si el jazz viajara al futuro. El atardecer, la música y el ambiente hicieron que valiera la pena quedarse todo el día”.

Entre ambos conciertos, el Escenario Alterno del Pabellón Circense mantuvo el flujo de público con presentaciones continuas de proyectos nacionales que mostraron la diversidad del jazz hecho en México. Alberto García Quintero presentó un recital de jazz contemporáneo con acentos de latin jazz, mientras que, para el cierre de la jornada, el escenario se transformó en una fusión de ritmos electrónicos y experimentales con Sagitta Dlux, Red de Redesy Da Sof, quienes presentaron piezas de improvisación colectiva y música de fusión urbana.

Eurojazz 2025 continúa en las Áreas verdes del Cenart hasta el 23 de noviembre, con conciertos gratuitos los fines de semana que reúnen proyectos de Austria, España, Estados Unidos, Finlandia, Irlanda, Italia, Países Bajos, Polonia, Suiza y México, además de una programación alterna con agrupaciones nacionales en el Pabellón Circense y un ciclo de cine dedicado al jazz en la Cineteca Nacional de las Artes.

Para la presente edición, el festival amplía su alcance con presentaciones en el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez de Zacatecas los días 12 y 13 de noviembre, y en el Forum Cultural Guanajuato de León los días 20 y 21 de noviembre, con lo que fortalece su vocación de descentralizar la oferta cultural y llevar el jazz a nuevos públicos en distintas regiones del país.

La entrada a todas las actividades es gratuita, sujeta al cupo del espacio,todos los conciertos se transmiten en vivo a través de la plataforma interfaz.cenart.gob.mx

Para conocer la programación completa de Eurojazz 2025, se puede consultar el sitio cenart.gob.mx y las redes sociales del Centro Nacional de las Artes.

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CDMX.-5 de noviembre de 2025.- Con una trayectoria de once años, Amanda Tovalin es considerada una de las voces innovadoras de la escena musical independiente en México y el extranjero. Cantautora, violinista, compositora, arreglista y productora, su obra se distingue por una constante búsqueda de nuevas formas de creación, ya sea a través de la poesía, la improvisación libre o el uso de la tecnología aplicada a la música en vivo.

Su proyecto actual, “El origen”, se nutre de la fusión entre jazz contemporáneo, folk latinoamericano y música experimental. Aborda temas de identidad en un contexto urbano y multicultural, mientras que su sencillo Agua –lanzado en marzo de 2025 para conmemorar el Día Mundial del Agua– reflexiona sobre los recursos naturales con una sonoridad de vanguardia. Hace unas semanas, la cantautora presentó su segundo sencillo titulado CDLV.

“Mis piezas se hacen de maneras distintas; a veces empiezo desde lo académico y otras desde la poesía, o la improvisación libre. Lo que quiero mostrar es que no hay una sola forma de hacer música”, explica Tovalin en entrevista.

Una de las características que distingue su propuesta es el uso del live looping, técnica que le permite grabar en tiempo real diversas capas de violín, voz y efectos para construir arreglos orquestales en solitario.

“Es una experiencia compartida porque todo puede suceder: lo que se escucha está pasando frente a nosotros y el público se vuelve parte del riesgo y de la magia del momento”, señala.

A Tovalin se le reconoce por su capacidad de unir exploración sonora y compromiso social. Tiene colaboraciones con artistas como Vivir Quintana y Silvana Estrada y, en 2025, realizó una gira en España con respaldo de la Embajada de México, en la que presentó “El origen” y temas de discos anteriores.

Cabe mencionar que con El origen, Tovalín fue beneficiaria del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, en la vertiente Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales 2024

A finales de septiembre, Tovalin ofreció un concierto en el Centro Nacional de las Artes (CENART) dentro de la clausura del 1er Festival Internacional del Libro de Aventuras (FILA). Con un formato solista, combinó violín, voz y live looping en una presentación que llevó a niños y adultos a un viaje sonoro de improvisaciones y canciones que celebran la imaginación y la lectura.

En lo que resta de 2025, la artista continúa con la difusión de su proyecto en foros culturales y, en 2026, planea giras en Argentina y Chile. “Hay música para todos los gustos, y mi invitación siempre es a descubrirla en vivo, porque ahí es donde cobra vida”, concluye. Más de su obra puede explorarse en amandatovalin.com y en sus redes sociales en Facebook: facebook.com/amandatovalin e Instagram instagram.com/amandatovalin/

Acompañada al piano por el destacado músico cubano Ángel Rodríguez, la noche del lunes 3 de noviembre de 2025, Sierra interpretó un programa con el que mostró distintas etapas y estilos del repertorio vocal, desde el bel canto italiano hasta la canción latinoamericana y estadounidense.

La primera parte se concentró en un panorama idóneo para que el público apreciara sus enormes posibilidades vocales con arias emblemáticas como Romeo y Julieta, de Charles Gounod; La rondine, de Puccini; Don Pasquale, de Donizetti; Norma, de Bellini; Las bodas de Fígaro, de Mozart, y La traviata, de Verdi.

Después del intermedio, la soprano abordó piezas de carácter más lírico y cercano al público; sorprendió con una brillante interpretación de Me llaman la primorosa, de Gerónimo Giménez, y un repertorio de música latinoamericana que transitó de Melodía sentimental, de Heitor Villa-Lobos, a Estrellita, de Manuel M. Ponce, además de clásicos de la canción estadounidense como Summertime, de George Gershwin, o I Could Have Danced All Night, de Frederick Loewe.

Nacida en Fort Lauderdale, Florida, Sierra descubrió su voz a los diez años y debutó de manera profesional a los catorce en la Ópera de Palm Beach. Desde entonces, su carrera se desarrolla en los escenarios de más prestigio del mundo: el Metropolitan Opera House de Nueva York, la Ópera de París, el Teatro alla Scala de Milán y el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, entre otros.

Por su parte, Ángel Rodríguez, pianista de origen cubano y que radica en México, destacó por la precisión y sensibilidad de su interpretación, fruto de más de 25 años de trayectoria internacional. A lo largo de su carrera ha compartido escenario con Ramón Vargas, Rolando Villazón, Javier Camarena, Nathalie Manfrino y Joseph Calleja, por mencionar algunos artistas, en escenarios de Asia, Europa y América.

Los aplausos de pie, que se prolongaron varios minutos, impulsaron el regreso al escenario de la cantante y su acompañante, para entonar tres piezas que desataron una ovación general: Bésame mucho, de Consuelo Velázquez; un emotivo Cielito lindo, tema en el que invitó al público a cantar con ella, y O mio babbino caro, de Puccini, con el que concluyó la velada.

“Una voz extraordinaria, llena de color y naturalidad; pocas veces se escucha algo así en vivo”, comentó María del Carmen Esquivel, asistente al concierto. Por su parte, Jorge Luis Rosas expresó: “No solo canta, interpreta con el alma. Nos hizo recordar por qué la ópera sigue conmoviendo tanto”.

La cantante y el pianista se presentarán el 12 de noviembre en el Teatro Isauro Martínez, en Torreón, Coahuila, como parte de su gira por América Latina, que continúa en Argentina, Brasil, Chile y Perú.

En línea con los objetivos de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, el INBAL mantiene viva su misión de difundir el arte vocal en México y de propiciar el encuentro de los intérpretes más destacados del panorama internacional con el público mexicano.

CDMX.- 1º de noviembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa/) La Fonoteca Nacional, institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, convirtió la noche del viernes 31 de octubre de 2025 en un ritual musical para honrar a los difuntos y celebrar las tradiciones sonoras de la zona mixe baja de Oaxaca, a través de una sesión de escucha y concierto del colectivo Tyos Kuju’y.

Con un profundo espíritu ritual, a propósito de los festejos del Día de Muertos que se realizan a lo largo de todo el país, el recital introdujo al público en la tradición fúnebre de la jarana mixe baja de San Juan Guichicovi, así como en su testimonio sonoro del duelo, el respeto y la memoria ayuuk.

No fue solo una muestra musical, también de una cátedra para reconocer la riqueza de una práctica que se encuentra en riesgo de desaparecer. Con respeto a una tradición fúnebre de Oaxaca, Cruz y el resto del colectivo conformado por Heriván Mejía Hernández y Anna Irene Guevara Meneses, se ha dedicado a difundir saberes sobre la música, enseñarla y hasta transformarla.

Cuenta su fundador, Joan Cruz Sánchez, el colectivo nació en el Centro Histórico de la Ciudad de México por la necesidad de crear comunidad.

Previo al concierto, se presentó el documental Cuerdas de Esperanza –dirigido por el propio Cruz Sánchez como trabajo de titulación de la Facultad de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM)– que hace una radiografía sobre la música de jarana en la zona mixe y el riesgo de extinguirse como tradición fúnebre.

Durante el concierto, se alternaron sones tradicionales como El Huachito, El mareño y Virginia que sí, Virginia que no, con intervenciones habladas que contextualizaron la función de la música en los rituales funerarios ayuuk.

Cruz explicó, por ejemplo, los momentos específicos del velorio en los que la jarana entra en escena, el papel de los músicos comunitarios, y la creencia de que la música abre caminos para el alma, así como los rituales necesarios para aprender el Son del Angelito. Pues a través de las cuerdas y sus conversaciones, los jaraneros evocan los sones lentos, pausados y profundamente melancólicos que se interpretan en los velorios y entierros de la región.

Cada pieza, seleccionada con cuidado, refleja las emociones colectivas del duelo: desde la resignación serena hasta el llanto contenido. Pero más allá de la tristeza, hay también belleza y dignidad en las melodías: son pespunteos para guiar el alma, para acompañar su camino hacia el otro mundo.

El concierto fue una representación escénica, un acto de respeto y documentación viva, además de un espacio de reflexión sobre la muerte, desde una perspectiva originaria, enraizada en la tierra, los ciclos naturales y la continuidad de la vida.

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