Ciudad de México, a 16 de enero de 2026.– (https://www.gob.mx/cultura/prensa) En el marco del centenario del natalicio de José Alfredo Jiménez, Canal Veintidós transmitirá una programación especial para homenajear la vida y prolífica carrera de uno de los mayores exponentes de la música mexicana.

Nacido el 19 de enero en Dolores Hidalgo, Guanajuato, José Alfredo Jiménez comenzó su carrera a finales de la década de los años 40. A lo largo de su actividad, misma que duró hasta su muerte en 1973, cosechó un sinfín de éxitos que trascendieron fronteras y llegaron a varias partes del mundo, posicionándolo como un referente de la cultura mexicana.

Amanecí en tus brazos, La media vuelta, Tú y las nubes, No me amenaces, Te solté la rienda, Ojalá que te vaya bonito, El último trago y El rey, canción con la que se ganó su apodo más popular, son algunos de los 300 temas inmortales del también llamado Hijo del pueblo.

El éxito de sus canciones permitió que su figura se extendiera a otros formatos como el teatro, la televisión, la radio y el cine, participando en cintas como Ni pobres ni ricos, Camino de Guanajuato, La feria de San Marcos, Mis padres se divorcian, Juana Gallo, La sonrisa de los pobres, Me cansé de rogarle y La mano de Dios.

Promocional Especial José Alfredo Jiménez

Es alrededor de esta figura que en varios municipios de Guanajuato, incluyendo su natal Dolores Hidalgo, así como en la Ciudad de México, se realizarán diversos homenajes, incluso una moneda conmemorativa por parte del Senado de la República, y por su parte, el Canal de las Culturas de México lo celebrará con una serie de especiales musicales, a partir de las 12:00 horas, con la transmisión de Así fue mi padre, un metraje que recopila anécdotas de José Alfredo Jiménez contadas por gente cercana al cantante, así como artistas , entre los que destacan Juan Gabriel, Armando Manzanero, Marco Antonio Muñiz, César Costa, por mencionar algunos.

A las 13:00 horas se transmitirá ¡Qué lindo es mi México!, un especial que reúne el talento de la artista Mary Sánchez y el mariachi mexicano, acompañado de entrevistas con reconocidos personajes. Posteriormente, a las 16:30 horas, se transmitirá el documental de Guillermo Montemayor, José Alfredo Jiménez, cuántas luces dejaste encendidas, que refleja el mundo interior del guanajuatense a través del testimonio de sus hijos, familiares, compañeros y amigos, así como los motivos que hubo detrás de sus composiciones. La programación la complementan el Homenaje por el 50 aniversario luctuoso de José Alfredo Jiménez desde el Palacio de Bellas Artes y el especial, dedicado al artista, El Cancionero y sus amigos con Rosy Arango, a las 17:30 y 19:00 horas, respectivamente.

La audiencia podrá ser parte de esta conmemoración el lunes 19 de enero a partir de las 12:00 horas, través de la señal 22.1 y vía streaming en el portal de la televisora.

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CDMX.- 13 de enero de 2026.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) La Cineteca Nacional México, recinto de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, rendirá un homenaje a María Félix con el ciclo “Una diosa para una diosa. La Doña”, una retrospectiva cinematográfica con 24 películas que celebran la trayectoria de la icónica actriz; dichos títulos ofrecen un recorrido por la fuerza interpretativa, el magnetismo y la presencia cinematográfica de una de las más importantes actrices de nuestro país, cuyo legado artístico permanece como una referencia fundamental del cine mexicano.

María de los Ángeles Félix Güereña (1914–2002), mejor conocida como La Doña, fue una de las figuras más emblemáticas de la Época de Oro del cine mexicano y un referente de la cultura nacional. Desde sus primeras apariciones en la escena cinematográfica destacó por su imponente personalidad histriónica. María Félix construyó una imagen de mujer fuerte e independiente que rompió con los estereotipos femeninos de su tiempo.

Su filmografía, integrada por casi medio centenar de películas, dio vida a personajes desafiantes que cuestionaron la subordinación femenina y definieron el arquetipo de la femme fatale mexicana, convirtiéndola en un mito cuya vida y legado despiertan fascinación.

La retrospectiva “Una diosa para una diosa. La Doña” es posible gracias a la colaboración de diversas instituciones que han contribuido con la presentación de las copias cinematográficas, entre ellas el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), Fundación Televisa, Diana Internacional Films, Video Universal, América Móvil y colecciones particulares. 

A partir del 16 de enero al 8 de febrero de 2026 se proyectan los siguientes títulos:

• El peñón de las ánimas (Miguel Zacarías, México, 1942) | 16 de enero 
• Doña Bárbara (Fernando de Fuentes, México, 1943) | 17 de enero 
• La mujer sin alma (Fernando de Fuentes, México , 1944) | 18 de enero
• La monja alférez (Emilio Gómez Muriel, México, 1944) | 19 de enero
• Amok (Antonio Momplet, México, 1944) | 20 de enero
• Vértigo (Antonio Momplet, México, 1946) | 21 de enero 
• Enamorada (Emilio Fernández, México, 1946) | 22 de enero
• La mujer de todos (Julio Bracho, México, 1946) | 23 de enero
• La diosa arrodillada (Roberto Gavaldón, México, 1947) | 24 de enero
• Río Escondido (Emilio Fernández, México, 1948) | 25 de enero
• Que Dios me perdone (Tito Davison, México, 1948) | 26 de enero
• Maclovia (Emilio Fernández, México, 1948) | 27 de enero
• Doña Diabla (Tito Davison, México, 1950) | 28 de enero 
• La corona negra (Luis Saslavsky, España, 1951) | 29 de enero
• El rapto (Emilio Fernández, México, 1953) | 30 de enero
• Camelia (Roberto Gavaldón, México, 1954) | 31 de enero
• Los héroes están cansados ( Yves Ciampi, Francia, 1955) | 1 de febrero
• Tizoc (Ismael Rodríguez, México, 1957) | 2 de febrero
• Flor de mayo (Roberto Gavaldón, México, 1959) | 3 de febrero
• La cucaracha (Ismael Rodríguez, México, 1959) | 4 de febrero
• Los ambiciosos (Luis Buñuel, México, 1959) | 5 de febrero
• La bandida (Roberto Rodríguez, México, 1963) | 6 de febrero 
• Amor y sexo (Luis Alcoriza, México, 1963) | 7 de febrero
• La Generala (Juan Ibáñez, México, 1970) | 8 de febrero

Exposición fotográfica

Para complementar, y después de su paso por Cineteca Nacional Chapultepec, la exposición “Una diosa para una diosa. La Doña” llega al recinto de Xoco. La exhibición, que reúne 58 imágenes de gran formato, es un recorrido a la vida, la trayectoria artística y el mito de María Félix.

Después de su paso por la 23ª edición del Festival Internacional de Cine de Morelia, la muestra, con curaduría de Héctor Orozco, revela desde la fuerza indomable de Doña Bárbara (1943) hasta la pasión de Enamorada (1946), así como los vínculos de la actriz con grandes personalidades del arte y la cultura, entre ellas Agustín Lara, Jorge Negrete, Emilio “El Indio” Fernández y el cinefotógrafo Gabriel Figueroa.

El título de la exposición remite a la frase que pronunció en 1989 Guillermo Vázquez Villalobos, presidente de Periodistas Cinematográficos de México (PECIME), al entregar a la actriz la Diosa de Plata por una trayectoria que abarcó 47 películas realizadas en España, Francia, Italia y México.

La exposición, que estará disponible en la explanada principal de Cineteca Nacional México, y que proviene del acervo de Fundación Televisa, invita a redescubrir a La Doña como un símbolo de la mujer que construye su propio mito y que inspira a nuevas generaciones.

Actividades públicas en homenaje a La Doña

Para completar el homenaje, el investigador y especialista Ignacio Durán impartirá dos conferencias en torno a la figura de María Félix y su impacto en la cultura mexicana. Las sesiones se llevarán a cabo los sábados 24 y 31 de enero, a las 13 h, en la Sala 4 del recinto.

Con dichas actividades, la Cineteca Nacional México celebra la trayectoria, presencia e influencia de la actriz, figura icónica cuya personalidad y legado han marcado la historia del cine y la cultura de México.

CDMX.- 14 de noviembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Literatura y la Capilla Alfonsina, presentan la actividad presencial Recordando al dramaturgo Rodolfo Usigli, en el marco de los 120 años de su natalicio. Se trata de una sesión dedicada a revisitar la obra, vida y legado de una de las figuras más relevantes del teatro mexicano.

El encuentro se llevará a cabo el martes 18 de noviembre, a las 18 horas, en la Capilla Alfonsina, con entrada libre y cupo limitado a 50 personas. Está recomendado para todo público.

El programa contempla una escenificación de fragmentos de El gesticulador y El niño y la niebla, dos de las piezas más emblemáticas del autor, así como la lectura de su semblanza biográfica. Participarán la actriz invitada Laura Jaimes, junto con Martín Ledezma, Sergio Márquez, Clarisa Rodríguez Ruiz, Juan Rojas Cañada y Margarita Velasco del Río. La presentación estará a cargo de Beatriz Saavedra Gastélum.

Para Sergio Márquez, el propósito central de este homenaje es “recordarlo como el más grande dramaturgo que hemos tenido en nuestro país, quien sentó las bases de la literatura dramática mexicana contemporánea”. Destaca además el simbolismo de realizar la actividad en la casa de Alfonso Reyes, amigo cercano del autor.

Sobre la selección de los fragmentos, Márquez explica que se eligieron momentos climáticos de ambas obras: El gesticulador, su obra censurada, y El niño y la niebla, su mayor éxito escénico. Se presentarán los finales del segundo acto, donde “la acción ascendente alcanza su punto máximo”, con el objetivo de evidenciar la intensidad del dramatismo que caracteriza al autor.

Por su parte, Martín Ledezma reflexiona sobre los desafíos de interpretar textos de Usigli en la actualidad. Señala que uno de los principales retos es dotarlos de vigencia más allá de su contexto original: “darles lugar en este siglo XXI y, al mismo tiempo, situarnos en aquellas sensaciones y escenarios del siglo pasado”. Para el actor, resulta sorprendente que temas presentes en estas obras —en especial los relacionados con la política— continúen resonando con fuerza en 2025.

Ledezma subraya que, a 120 años de su nacimiento, Usigli sigue siendo una presencia viva en la escena nacional. Invita a nuevas generaciones a acercarse a su obra: “que conozcan, estudien y sigan montando sus textos”, pues considera fundamental que actores y directores jóvenes se relacionen con su producción.

En esta actividad, la actriz invitada Laura Jaimes interpretará un personaje de especial complejidad de El niño y la niebla. Este rol, escrito originalmente para Isabela Corona, es central en la acción dramática. Su fuerza, profundidad psicológica y relevancia dentro de la estructura de la obra lo han convertido en uno de los más emblemáticos del repertorio usigliano. Usigli señaló que parte del éxito del estreno —con más de un año en cartelera— se debió precisamente a la potencia interpretativa de este personaje.

A través de la lectura, el análisis y la escenificación, Recordando al dramaturgo Rodolfo Usigli busca rendir homenaje al llamado “padre del teatro mexicano”, reconocer su vigencia y propiciar el acercamiento a un legado que continúa trazando rutas en la escena contemporánea.

La actividad tendrá lugar en la Capilla Alfonsina, ubicada en Gral. Benjamín Hill 122, Hipódromo Condesa, Cuauhtémoc, CDMX. 

CDMX.- 19 de septiembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través del Museo Nacional de Arte (MUNAL), presentan la muestra “José María Velasco. Los apuntes del pintor. A más de cien años de la muerte del artista” (Temascalcingo, Estado de México, 1840 – Tepeyac, Ciudad de México, 1912). La exposición propone nuevas rutas para mirar al artista más allá de su labor como paisajista o docente, pues revela también a un hombre de ciencia y un inquieto explorador de la naturaleza.

Cada obra de la muestra se sostiene en un andamiaje de estudios, cartones, textos, bocetos y dibujos que evidencian su notable capacidad de asombro que, aunque anclada en latitudes predilectas como el Tenayo, el Cerro de Santa Isabel o el Tepeyac, logra captar cielos, luces y horizontes en constante transformación.

Con motivo de su apertura, el jueves 18 de septiembre de 2025, se llevó a cabo el conversatorio “La ciencia y José María Velasco”, con el doctor en historia del arte del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), Omar Olivares Sandoval, y el curador de la muestra, Ramón Avendaño Esquivel, durante el cual se destacó la forma en que Velasco articuló arte y conocimiento, al integrar en sus lienzos las exploraciones geológicas, anatómicas y botánicas que definieron el espíritu científico de su época.

Omar Olivares señaló que “la novedad de las vistas abarcadoras del Valle de México, rasgo distintivo de Velasco, se enlaza con una tradición vinculada al conocimiento geológico: no se trata solo de estética, sino de una mirada científica que transformó la manera de concebir el paisaje en México”. A partir de dicha perspectiva, Avendaño Esquivel enfatizó que la exposición traslada esa mirada al presente: “Buscamos provocar al público a descubrir a ese otro Velasco, el menos difundido: no únicamente el pintor de grandes lienzos, sino el artista que se revela en bocetos, estudios y apuntes”.

El conversatorio también abordó los aportes de Velasco a la ciencia. Se recordaron sus investigaciones sobre los ajolotes, publicados en 1879 en la revista La Naturaleza, en las que documentó la transformación de la especie en salamandra: “Recolectó ajolotes del lago de Santa Isabel para provocar la transformación y publicó un estudio que lo situó en el centro del debate internacional sobre evolución y adaptación”, explicó Olivares. Avendaño añadió: “Más adelante el ajolote sería reconocido como Ambystoma velasci, nombre que honra directamente a Velasco, lo que confirma que su legado permanece vivo en la nomenclatura científica de la especie”.

El conversatorio concluyó con la participación de la directora del MUNAL, Mireida Velázquez Torres, quien planteó una pregunta sobre el papel de Velasco en la historia nacional: “¿Cuál es el espíritu que guía a que el gran representante de la pintura mexicana en las exposiciones universales sea Velasco?”. A lo que Olivares respondió que la elección obedecía a una voluntad de armonización: “Su obra conjugaba lo prehispánico y lo moderno, la historia y el presente, la diversidad social y el discurso del progreso”.

La muestra inicia con “una vista del Valle de México desde el Tepeyac, lugar donde residió Velasco y en el que descansan sus restos. Es una obra de su última etapa que recuerda la vitalidad de una carrera prolífica, desde su ingreso a la Academia de San Carlos en 1858 hasta sus últimos días”, comentó Ramón Avendaño Esquivel.

La muestra se organiza en cuatro núcleos temáticos –Homo natura, Cazador de auroras, Entorno mexicano y Orígenes de la vida– desplegados en un gabinete que se conforma por 50 obras, entre estudios anatómicos de su primera etapa, bocetos de las eras geológicas y obras referenciales, así como dibujos, apuntes, litografías, óleos y otros materiales provenientes del Museo Kaluz y de la Academia de San Carlos de la UNAM.

Entre las piezas se encuentran estudios anatómicos de su primera etapa, en los que, además de su interés por las ciencias naturales, se aprecia el conocimiento del cuerpo humano, que adquirió en lecciones con Manuel Carpio, y la influencia académica de Eugenio Landesio, su maestro en la Academia de San Carlos.

También se incluyen bocetos de las eras geológicas, que elaboró para el entonces Instituto Geológico de México (hoy Museo de Geología de la UNAM), así como obras referenciales como La Catedral de Oaxaca, Luz en el cielo (Lumen in coelo) y Vista de Guelatao, entre otras que Velasco supo observar con atención y traducir en pintura, acompañadas de sus apuntes preliminares.

La muestra se enmarca en la exposición internacional “José María Velasco, A View of Mexico”, que se exhibió en la National Gallery de Londres, que convirtió al mexiquense en el primer latinoamericano al que dicha institución dedica una muestra monográfica.

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el INBAL invitan al público a descubrir en “José María Velasco. Los apuntes del pintor” un artista que se renueva, que trasciende el lienzo para situarse también en el terreno de la ciencia, la historia y la identidad nacional.

La exposición permanece abierta hasta el 12 de abril de 2026 en el Gabinete del siglo XIX, primer piso del MUNAL (Tacuba 8, colonia Centro Histórico, Ciudad de México), en horario de martes a domingo de 10 a 18 h.

Chihuahua, México.- 26 de agosto de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) El seguimiento a los pasos del fotógrafo peruano Bartolomé Velarde Seoane (1827-1903), que derivaron en su trashumancia por varios países hasta llegar a México, donde se integró exitosamente y ocupó un lugar importante en la naciente sociedad porfiriana, fue expuesto en una conferencia del ciclo “Migración e integración”.

La ponencia, El itinerario de Bartolomé Velarde: Lima-Denver-Chihuahua, se enmarcó en la séptima edición del Seminario Estudio del Patrimonio Fotográfico de México, organizado por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), y fue impartida por el encargado de la Fototeca del Centro INAH Chihuahua, Jorge Meléndez Fernández.

Explicó que comenzó a armar el rompecabezas de la trayectoria de Velarde, uno de los primeros fotógrafos itinerantes y pionero de este oficio en su país, a partir de textos escritos de su puño y letra, que van desde cartas personales y documentos burocráticos, hasta una misiva dirigida al público, los cuales develaron aspectos interesantes de su vida.

Acompañado por su esposa, Lucía Allen Arnold, de origen inglés, Velarde llegó a Chihuahua en 1877, donde revolucionó la oferta fotográfica mediante la presentación de su trabajo en materiales distintos a los habituales. El peruano dio un giro más profesional a tal quehacer, implementando tarjetas de imprenta, detalle que le permitió acercarse a la elite local y a personajes allegados al gobierno estatal, como Luis Terrazas Fuentes, Enrique Creel y Miguel Ahumada.

Velarde hizo colecciones de vistas de la ciudad norteña, en las que destacó sus construcciones más atractivas mediante perspectivas y panoramas amplios. Además, su interacción en Chihuahua con fotógrafos como el estadounidense George Benjamin Wittick, le permitió conocer qué se hacía en otros lugares, cómo y con qué tecnologías, lo que le ayudó a dar un toque particular a sus imágenes.

Muchas de esas vistas significaron registros puntuales para el gobierno estatal, al que ofreció sus servicios para documentar la modernidad de Chihuahua, a través de sus edificaciones y espacios. Así, en 1892, participó en la Exposición Histórico-Americana de Madrid, en España, con el retrato de un hombre rarámuri y, un años después, en la publicación México en Chicago, con motivo de la Exposición Mundial Colombina que se montó en dicha ciudad estadounidense.

“Las posturas, la manera en la que disponía a sus retratados, las luces, sombras y nitidez de su trabajo empezaron a llamar la atención de su clientela, principalmente las elites chihuahuenses. El óvalo siempre estuvo en su retratística y hay gran cantidad de ejemplos”, dijo Meléndez Fernández.

Chihuahua no fue la única experiencia fuera de su país, previamente recaló en Denver, Estados Unidos (1869-1876), donde la actividad minera y comercial daba cuenta de una sociedad en crecimiento, con elementos como el ferrocarril, el servicio postal, el telégrafo y los periódicos.

En su galería, bautizada como Velarde’s Photographic Gallery, registró sucesos, como la caza de bisontes que “bloqueaban” el progreso, con retratos de cazadores como el general Allen Curtis Fuller y el director del diario local Rocky Mountain News, William N. Byers; también, capturó los acuerdos entre indígenas de la nación Ute y agentes federales en busca de su integración y refugio mediante el Tratado de Brunot (1874).

El ponente estimó que el peruano pudo ser de los primeros en llevar la fotografía al papel y ofrecer formatos como el carte-de-viste.

Finalmente, la profesora titular en la Dirección de Estudios Históricos del INAH, Rosa Casanova, concluyó que el oficio de Valverde, además de proporcionarle medios económicos de vida, le dio prestigio en la sociedad chihuahuense, mientras que su condición de migrante le permitió explorar los avances tecnológicos de la época.

CDMX.- 20 de agosto de 2025.-(https://www.gob.mx/cultura/prensa) A 120 años del nacimiento de Juan O’Gorman (1905-1982), su legado en la arquitectura y el arte continúa generando asombro y es objeto de múltiples investigaciones; para conmemorarlo, el Museo Nacional de Historia (MNH), Castillo de Chapultepec y la Fundación Espacio Nancarrow O’Gorman ofrecerán una visita guiada y tres conferencias sobre su vida y obra.

El Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) invita a estas actividades, el 21 de agosto de 2025, en el Patio del Alcázar del Castillo de Chapultepec. La entrada será con boleto de acceso al recinto, con cupo limitado a 200 personas.

Se comenzará con un recorrido por la Sala 6, a cargo del historiador y titular del MNH, Salvador Rueda Smithers, a las 10:00 horas, donde se podrá admirar el Retablo de la Independencia (1960-1961), de 4.40 metros de alto por 15.69 de ancho, en el que el muralista mexicano plasmó su visión sobre este acontecimiento, mediante cuatro escenas que condensan la lucha por la autonomía nacional.

“Don Juan O’Gorman escribió historia en los murales”, su importancia radica en que sus representaciones de diferentes momentos sociales y los rostros de los próceres han quedado grabadas en el imaginario colectivo, tanto de mexicanos como de extranjeros, sostuvo el historiador.

Acotó que el pintor se documentaba antes de iniciar un proyecto, por ello, en los tres murales que resguarda el MNH se pueden apreciar elementos del acervo del repositorio, como las armas o las banderas, por mencionar algunos.

Posteriormente, se visitará la Sala Madero, donde se ubica el Retablo de la Revolución (Sufragio efectivo no reelección) (1968), un fresco de 4.50 metros de alto por 6.50 de ancho, en el que O’Gorman relata el final de la primera etapa de dicha batalla, con la llamada Marcha de la lealtad.

En este mismo espacio se encuentra el mural El feudalismo porfirista (1970-1973), de 6.50 metros de alto por 4.50 de ancho, que muestra diversas escenas de los primeros indicios de la Revolución Mexicana.

A las 11:40 horas, comenzará el ciclo de conferencias Diálogos sobre muralismo, en el que, de acuerdo a la directora de la Fundación Espacio Nancarrow O’Gorman, Adriana Sandoval, se conjugarán distintas perspectivas del arquitecto y pintor, tanto a nivel anecdótico como profesional.

Destacó la importancia de realizar dicha jornada en el MNH, debido a que fue el lugar en el que el muralista realizó la última parte de su obra pictográfica y, en su opinión, la más refinada en cuanto a técnica. “Deseamos recordar a O’Gorman desde una perspectiva informada y crítica”, refirió.

Dada la influencia de Diego Rivera, añadió, “Juan O’Gorman entiende que la pintura mural permite conversar con la ciudadanía, con la naciente clase obrera, buscaba que tuviéramos conciencia de nuestra historia, de nuestros héroes. Para él, el muralismo era un mecanismo para combatir la amnesia cultural. Fue uno de los mejores exponentes de pintura al temple de México, pero también un creador que vio en el muralismo la posibilidad de servir al país”, finalizó.

Las conferencias se transmitirán por las redes sociales del MNH. Se recomienda consultar el programa completo de actividades.

El Museo Nacional de Historia se ubica en la Primera Sección del Bosque de Chapultepec s/n, alcaldía Miguel Hidalgo, Ciudad de México. Horario: martes a domingo, de 9:00 a 17:00 horas.

CDMX.- 7 de agosto de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) La Casa Marie José y Octavio Paz evoca la destacada labor de Gustavo Sainz (1940-2015), uno de los más sobresalientes representantes de la Literatura de La Onda, galardonado en 1974 con el Premio Xavier Villaurrutia, y autor de obras como Gazapo o La princesa del Palacio de Hierro, así como colaborador de la revista Plural, que Octavio Paz fundó en 1971.

En el marco del 85 aniversario del natalicio del escritor, profesor y editor (13 de julio, 1940) y del décimo de su fallecimiento (26 de junio, 2015), la casa-museo abre sus puertas el próximo sábado 9 de agosto de 2025, a las 12 h, para que amigos y colegas se reúnan a charlar alrededor de la persona y el trabajo de “Sainz Fiction”, como le llamaba en forma amistosa su círculo cercano.

Los participantes son: la escritora Hortensia Moreno, la artista de audio Guadalupe Cortés, y los creadores Rafael Vargas, Emiliano Pérez Cruz, Arnulfo Domínguez Cordero, Javier Córdova y Armando Buendía, siete de los muchos amigos que Sainz hizo en su calidad de profesor de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

A las 13 h, se inaugurará la muestra gráfica de Armando Buendía “La amistad es la sombra que nos cobija”, compuesta por 18 retratos al óleo, de pequeño formato, que muestran a un puñado de esos antiguos alumnos que Gustavo Sainz formó en su faceta como docente.

Gustavo Sainz: un impulsor intergeneracional de la literatura y las artes

Para el escritor, investigador y alumno de Gustavo Sainz, Rafael Vargas, el autor y editor –quien encabezó la Dirección de Literatura del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y formó parte de una renovación en la literatura mexicana junto a autores como José Agustín y Parménides García Saldaña– compartió entre las nuevas generaciones su pasión por consumir arte y literatura, pero también por crearlas.

“Cuando él dio clases en la Facultad de Ciencias Políticas, llevó al salón de clases a escritores como Jorge Ibargüengoitia, José Agustín, Jorge Aguilar Mora. Sainz fue un gran maestro porque hizo que sus alumnos, todos, descubriéramos a muchos autores importantes; pero no se quedaba en eso: Gustavo, como gran impulsor literario, leía fragmentos y hacía publicaciones que orientaban a la gente, como la creación del La Semana de Bellas Artes, con un tiraje de 150 y 200 mil ejemplares que se encartaban en diversos periódicos como El Universal o Excélsior”, comenta en entrevista.

Asimismo, Vargas resalta el ímpetu que Sainz mantuvo a lo largo de su vida en la divulgación y la formación de nuevos talentos literarios. “Quería que la gente joven se diera cuenta que había que ingresar a ese mundo para vivirlo. De todos los alumnos que él tenía, si no salían escritores, por lo menos salía gente que tenía ya un universo literario”, agrega.

Rafael Vargas, quien además es especialista en la vida y obra de Octavio Paz, recuerda la buena relación que hubo siempre, a pesar de la diferencia de edades, entre Gustavo Sainz y el autor de El arco y la lira: “Paz tenía a Gustavo Sainz en muy buen concepto. Como ejemplo de esta relación, basta recordar que Paz invitó a colaborar a Sainz desde el primer número de la memorable revista Plural”.

El homenaje a Gustavo Sainz se llevará a cabo el sábado 9 de agosto de 2025, a partir de las 12 h, en la Casa Marie José y Octavio Paz (Felipe Carillo Puerto 445, colonia Tacuba, alcaldía Miguel Hidalgo, Ciudad de México).

La entrada es gratuita.

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CDMX.- 8 de mayo de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa/) En el marco del 150 aniversario del nacimiento de Julián Carrillo (1875-1965), los 100 años del primer concierto del Sonido 13 y los 60 años del deceso del compositor, que se cumplen en 2025, la Secretaría de Cultura del Gobierno de México realiza un proyecto de rescate de su obra musical y una serie de actividades, que incluyen conciertos, conversatorios, programas radiofónicos y otras iniciativas.

Los organismos de la Secretaría de Cultura de México que conservan el legado de Julián Carrillo son el Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical “Carlos Chávez” (CENIDIM), del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) –donde se resguardan partituras, fotografías y documentos– y la Fonoteca Nacional, la cual protege y difunde los soportes en audio y grabaciones.

Mientras que, bajo el cuidado del Centro de Formación, Investigación y Documentación Julián Carrillo, de la Secretaría de Cultura de San Luis Potosí, su estado natal, permanecen los muebles, instrumentos modificados, partituras, premios y otros tesoros personales del compositor.

Faltaban unos días para que cumpliera 20 años cuando el músico Julián Carrillo, nacido en Ahualulco, San Luis Potosí, el 28 de enero de 1875, decidió trasladarse a la Ciudad de México con la idea de inscribirse en el Conservatorio Nacional de Música, al que ingresó en 1895. En junio de ese año, con la experimentación de sonoridades, inició lo que él llamaría la “revolución del Sonido 13 en México”.

El 23 de marzo de 1899, Julián Carrillo interpretó al violín la Mazurca de Concert, del compositor belga, Ovide Musin, en la Cámara de Diputados. Su actuación sorprendió al público y el presidente Porfirio Díaz le ofreció su apoyo para que estudiara en el Conservatorio de París. Sin embargo, debido a su edad, no pudo ingresar y decidió viajar a Alemania, y se incorporó al Real Conservatorio de Leipzig, para continuar su formación musical.

De esa época en Europa datan algunas de las reproducciones de obras que se extienden en una mesa del séptimo piso de la torre de Dirección e Investigación del Centro Nacional de las Artes (Cenart). Ahí, el director del CENIDIM, Víctor Barrera García, junto con su equipo, como el coordinador de Documentación, Michel Hernández Lugo, trabaja en varios proyectos, uno de los cuales recupera la obra de Carrillo, en un esfuerzo interinstitucional.

Señala las partituras sobre la mesa, Barrera explica: “Esta es la Primera sinfonía de Carrillo, es la versión preliminar que interpretará la Orquesta Sinfónica Nacional en el Palacio de Bellas Artes. Estamos trabajando en las últimas revisiones antes de enviarlas a la orquesta, que, una vez que la ejecuta, nos envía sus observaciones. Esto nos ayuda a realizar los ajustes finales, esenciales para llegar a la versión definitiva”.

El INBAL presentará la edición revisada de la Sinfonía núm. 1 en Re mayor, para gran orquesta, a cargo de la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), el 9 y el 11 de mayo de 2025, acompañada de una primera sesión académica y de divulgación, introductoria a la obra del genio del Sonido 13.

Creado en 1974, el CENIDIM es el archivo musical más importante de México. Alberga un vasto acervo que incluye documentos desde 1925 hasta 1983, con 1,400 metros lineales de material (49 toneladas), entre los que destacan partituras, manuscritos y fotografías, testimonios de la historia sonora de México.

Una caricatura luce al lado de las partituras, se trata de Julián Carrillo dirigiendo a la orquesta, realizada por el tenor Enrico Caruso y dedicada a Gerónimo Baqueiro Fóster, en 1923; el documento, en perfecto estado de conservación, es parte de los tesoros que resguarda el Cenidim. Para Barrera, “es un testimonio fantástico que nos muestra la dimensión de Julián Carrillo”.

Al rescate de la música de Julián Carrillo

“Muchas partituras de Carrillo, sobre todo las microtonales, están escritas en notaciones que no son comunes. Nuestra labor es habilitar estas obras para que los músicos contemporáneos puedan interpretarlas. Es otra manera de preservar el sonido”, menciona el coordinador de Investigación del Cenidim, Christian Eugenio López-Negrete Miranda.

El programa musical en honor a Julián Carrillo inició el 1 de febrero de 2025, con el ensamble del Centro de Experimentación y Producción de Música Contemporánea (Cepromusic), que interpretó, en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes (PBA), el Preludio a Colón, en el concierto inaugural de su primera temporada del año.

Preludio a Colón fue la pieza que, el 15 de febrero de 1925, marcó un hito en la historia de la música en el primer concierto de microtonalismo en el Teatro Principal de la Ciudad de México. La invitación de hace 100 años anunciaba: “Por primera vez, se escucharían composiciones musicales con dieciseisavos, octavos y cuartos de tono, elementos conquistados por México en 1895”.

El pasado 22 de marzo, el Cepromusic presentó el Capricho para viola en 4°, 8° y 16° de tono, en la Sala Manuel M. Ponce, y el 6 de junio, convoca a una mesa de reflexión en sus instalaciones de la colonia Guerrero titulada “Julián Carrillo, el artesanado furioso”.

Carrillo fundó y dirigió diversas agrupaciones, entre ellas la Orquesta Beethoven, la Orquesta Sinfónica Sonido 13 y la Orquesta Sinfónica América, con sede en Nueva York. Ocupó en dos ocasiones la dirección del Conservatorio Nacional de Música y también estuvo al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), que en octubre próximo rendirá homenaje a su legado con la interpretación de las seis sonatas para violín solo, la cual incluirá dos recitales especiales con grabaciones históricas del propio maestro, en colaboración con la Coordinación Nacional de Música y Ópera (CNMO).

Otra de las partituras que se rescatan es el Sexteto para cuerdas, que la OSN interpretará en noviembre, junto a concertistas del INBAL, en la Sala Manuel M. Ponce del PBA. “Este año vamos a presentar, con el apoyo del gobierno de San Luis Potosí, las ediciones de tres obras sustanciales en el catálogo de esta primera etapa de Julián Carrillo”, dice Barrera.

El legado de Julián Carrillo para el pueblo de México

En 2016, los herederos de Julián Carrillo donaron al pueblo de México –a través del gobierno del estado de San Luis Potosí– su archivo personal, que se encontraba en la que fuera su última residencia, en el Callejón del Santísimo 25, colonia San Ángel, en la Ciudad de México.

El Centro de Formación, Investigación y Documentación Julián Carrillo, dependiente de la Secretaría de Cultura de San Luis Potosí, resguarda parte de la donación, pues los soportes sonoros que contenía se entregaron a la Fonoteca Nacional para su digitalización y conservación.

Algunos de los objetos que resguarda el Centro se encuentran los 19 pianos microtonales, de los cuales 17 son verticales y dos de media cola, diseñados para hacer honor a su teoría del Sonido 13. Además, se conservan 170 partituras originales, que incluyen óperas, sinfonías, cuartetos y misas, compuestas entre 1899 y 1964.

La responsable del Acervo Julián Carrillo, Rocío Moya Paláu, explica que para el centro, dos fechas son especialmente importantes: el 28 de enero, su nacimiento, y el 9 de septiembre, su deceso. La biblioteca es extensa y contiene tesoros, como “documentos personales, boletas de calificaciones del Conservatorio, correspondencia con personalidades como Porfirio Díaz, Leopold Stokowski y Ángel Reyes, así como reconocimientos, revistas y recortes de periódico. También se conserva una colección de medallas y una invitación a las fiestas del centenario de la Independencia de México”.

Un artista multifacético

En 1910, como parte de las celebraciones por el centenario de la Independencia de México, Carrillo estrenó Canto a la Bandera, escrita a iniciativa del entonces secretario de Educación Pública, Justo Sierra, con letra del poeta Rafael López; se estrenó bajo la dirección de Carrillo en presencia de Porfirio Díaz y los secretarios de Estado, en la Plaza de la Constitución.

También incursionó en el cine, en Nueva York, compuso parte de la banda sonora de la película Intolerancia (1916), de D.W. Griffith. Años más tarde, en 1942, introdujo el microtonalismo en el cine, al crear la música coral para la cinta mexicana La Virgen Morena, de Miguel Soria.

En 1922, como integrante del Consejo Cultural de la Ciudad de México, impulsó una iniciativa sobre el Himno Nacional Mexicano, que había perdido su versión original debido a alteraciones en las ediciones impresas. La propuesta fue recuperar el ejemplar auténtico de la primera edición, premiada en 1854. Para lograrlo, se lanzó una convocatoria pública que ofreció una medalla de oro y un diploma a quien presentara la original. La búsqueda culminó con el hallazgo del ejemplar impreso por la Casa Murguía en 1854, que entregó Delfina Bermúdez Vda. de González, originaria de Coahuila. El descubrimiento permitió instituir una versión auténtica del Himno Nacional de México.

La obra de Carrillo es reconocida a nivel mundial. En 2015, seis de sus partituras manuscritas fueron incluidas en el programa Memoria del Mundo de la UNESCO, destacadas por su rareza y valor histórico. Producidas entre 1905 y 1910, incluyen obras para instrumentos de cuerda, una marcha nupcial, una pieza para banda y un andantino.

Su nominación al Premio Nobel de Física, en 1950, refleja la trascendencia de sus contribuciones científicas. “Aquí tenemos todo el expediente de cuando fue candidato al Premio Nobel de Física –explica Paláu–. A raíz de una presentación que él hizo del Sonido 13 en la Sorbona de París, surgió la iniciativa de que podría ser candidato al Premio Nobel. Él hizo algunas modificaciones a la Ley del nodo, pero no existía en el Premio Nobel la categoría de física musical.

“Le pedían que hubiera otros premios Nobel que le dieran su apoyo. Se lo solicitó a Gabriela Mistral, quien lo respaldó, pero le dijeron que tenían que ser de la categoría en la que estaba participando. Hay una correspondencia con Albert Einstein y no sabemos si tiene que ver con esa solicitud que le haya hecho el maestro Carrillo”.

Ahualulco del Sonido 13

Para celebrar la contribución de Julián Carrillo a la música y su impacto en la identidad cultural de México, su pueblo natal, Ahualulco, en San Luis Potosí, fue renombrado como Ahualulco del Sonido 13 en 1932, y el 25 de mayo de 1944, por decreto, se le volvió a llamar solo Ahualulco.

En 2019, el Ayuntamiento impulsó una iniciativa para recuperar el nombre, y en mayo de 2021, el Congreso aprobó que el municipio volviera a ser oficialmente Ahualulco del Sonido 13. “El cambio fue significativo para la comunidad, ya que las calles del pueblo llevan nombres relacionados con Carrillo o el sonido 13, como Leopold Stokowski y Flavio F. Carlos (su maestro)”, puntualiza Moya Paláu.

Soportes sonoros bajo resguardo

Cada soporte sonoro, al igual que cada uno de los más de 600 mil documentos que ha ingresado a la Fonoteca desde el 10 de diciembre de 2008 cuando abrió sus puertas, se somete a un riguroso proceso de limpieza, estabilización y restauración física. Posteriormente, se realiza una digitalización; finalmente, se ingresan a los servidores de almacenamiento masivo y se suben a un sistema de audioteca, lo que permite que cualquier persona pueda acceder a ellos.

Sobre Julián Carrillo, el investigador del Catálogo de Música de Concierto de la Fonoteca Nacional, Theo Hernández, dice que se trata de “uno de los compositores más importantes que ha dado México. Él sabía que estaba logrando una revolución que modificaría la historia de la música y daría gloria a México”.

Del Archivo Julián Carrillo, que se encuentra en la Fonoteca, Hernández destaca como sus favoritas “las grabaciones realizadas en Francia con la empresa Philips, utilizando tecnología de vanguardia. Algunas de estas obras se grabaron bajo la supervisión del propio compositor, como La misa a su santidad Juan XXIII, una pieza monumental escrita en lenguaje microtonal en 1962. De esta obra, la Fonoteca también conserva el disco máster en aluminio, un verdadero tesoro sonoro, además de algunas entrevistas con el maestro, grabadas en cintas de carrete abierto”.

La Casa de los Sonidos de México se suma a los festejos de Carrillo con dos programas de radio especiales que se transmitirán el 23 y 30 de junio, a las 17:30 h, en el programa Fonocaptura de la estación Opus 94, del Instituto Mexicano de la Radio.

Alicia Torres Garza, a sus 91 años, es docente de canto del Conservatorio Nacional de Música. Ella conoció personalmente al maestro del microtonalismo e incluso cantó –en su presencia– algunas de sus obras: “Me encantaba siempre cantar a Carrillo, este tipo de autores no deben desaparecer del mapa elemental de este país. Pienso que todas sus obras deberían ser parte del repertorio de las orquestas del mundo, especialmente para mí, la Sinfonía uno, que recuerdo que cuando recién la escuché, pensaba que era de Arnold Schönberg”.

Theo Hernández y Alicia Torres Garza dictarán una conferencia en la Sala Adamo Boari del PBA el 6 de junio a las 18:00 h. Las actividades artísticas y de reflexión en torno a las etapas compositivas del autor continuarán hasta diciembre.

CDMX.- 8 de mayo de 2025.- Guadalupe Teresa Amor Suberville y Schmidtlein García Teruel nació en un viejo caserón de la calle de Abraham González, en la Ciudad de México, donde nunca pasó inadvertida, fue una mujer que dejó una huella sensible en el panorama cultural mexicano.

Se dice que era una de las mujeres más bellas de entonces y así debió ser para que el muralista mexicano Diego Rivera la pintara desnuda tres o cuatro veces.

Trabajó en cine y teatro antes de llegar a la literatura, donde cultivó principalmente la décima, con clara influencia de Sor Juana Inés de la Cruz y Francisco de Quevedo.

Fue elogiada por Alfonso Reyes, Albert Camus y Sartre. Compañera de Pablo Neruda durante la época mexicana del poeta, quien llegó a escribirle: “como el canto del agua cristalina que corre, te nombro franca e inmemorial, dulcísima.”.

Dentro de su obra, que lo mismo habla de la angustia de vivir, que de Dios o de la nada, incluye dos textos en prosa: “Yo soy mi casa” (1957) y “Galería de títeres” (1959), además de sus famosas décimas.

“Dentro de mis temas poéticos lo que cuenta menos es el mundo exterior y no se diga ya el físico, mucho menos el histórico”, decía Amor, cuyos poemas se escribieron siempre en primera persona, tratando de la vida y su experiencia femenina.

Otras obras de Amor son “Puerta obstinada” (1947), “Círculo de angustia” (1948), “Polvo” (1949), “Décimas a Dios” (1953), “Sirviéndole a Dios de hoguera” (1958), “Todos los siglos del mundo” (1959) y “Soy dueña del universo” (1984).

También escribió “Las amargas lágrimas de Beatriz Sheridan”, Sonetos y “La manzana de Martha Chapa”, que edita justamente 60 años más tarde del que fuera su libro inicial.

El día de su muerte, el 8 de mayo de 2000, los diarios dieron cuenta de su grandeza y reseñaron cómo, en su juventud, se convirtió en el ánima de toda su generación en la escuela de Mascarones, donde entonces la UNAM impartía la carrera de Filosofía y Letras.

“Los que la retrataron a mano o con cámara fotográfica, dejaron constancia de una mujer con mirada y sonrisa cómplices, el rostro diseñado a partir de sus enormes ojos y el cuerpo de modelo, modelado a mano, en un tiempo en que hablar de “aerobics” era tan hilarante”, señala un artículo periodístico.

El texto relata como a mitad del patio de Mascarones varios de sus contemporáneos la recuerdan con su grito de guerra, que al paso de pocos años llegaría a ser santo y seña de los cines de tres por una: “Ya llegué, cabrones!”.

Reina solitaria de un medido castillo de palabras, sonetista, rigurosa decimera, musa de pintores cuando en el mundo las había, se había limitado a decir, desde el trono que conformaba una silla de madera al centro de la sala de su casa: “La poesía soy yo”.

AMIGA DE GRANDES PINTORES

En su juventud, Pita mantuvo estrecha amistad con grandes pintores contemporáneos como David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Rufino Tamayo, Diego Rivera y Juan Soriano.

Después de la grandeza, refiere, hubo un tiempo en que Amor paseaba por las calles de la Zona Rosa, ya una señora de edad, el pelo recogido en una pañoleta, una bolsa de mano al mejor estilo de los años 50, con un atuendo multicolor, “espantando demonios a paraguazo limpio”.

Luego, ella que tantos y tantos amigos tuvo, bajó la cortina de su cotidianidad y se amuralló en su departamento de la colonia Juárez. Hasta ese sitio de regular iluminación trasladó el reino que una vez fue de carne y hueso para convertirlo en un palacio imaginario.

Allí escribiría, como una suerte de presagio, sobre un hecho conocido e inevitable: “No creo en ti, pero te adoro./ Qué torpeza estoy diciendo!/ Tal vez te voy presintiendo/ y por soberbia te ignoro./ Cuando débil soy, te imploro;/ pero si me siento fuerte,/ yo soy quien hace la suerte/ y quien construye la vida./ Pobre de mi, estoy perdida,/ también inventé mi muerte!”.

Ese presagio la acompañó hasta el lecho donde sus pulmones, afectados por la neumonía, le provocaran la muerte el 8 de mayo de 2000, sus restos descansan en el Panteón Francés, de la Ciudad de México.

Controvertida, temperamental, musa de varios intelectuales de su época, Guadalupe Amor, la poetisa rebelde y audaz, quien nació el 30 de mayo de 1918, fue una bella mujer que conmocionó a la gente de su época con su lenguaje altivo e irreverente.

Sólo contemplar la nada; mi rostro joven y viejo.”
“Que todo morirá cuando yo muera…
¡Imposible pensar de otra manera!”

I
INTRODUCCION

La mujer mexicana se ha caracterizado por ser callada, sumisa, honesta y humilde, sencilla e inteligente, pero hay sus excepciones. Mujeres que se han atrevido a romper todos los esquemas sociales. Guadalupe Amor es esa mujer, que se atrevió a todo. Se dice que sin duda, la trilogía, formada por Quevedo, Góngora y Sor Juana Inés de la Cruz influyeron para plasmar su poesía. Pita Amor fue la mujer controversial de la década de los cuarenta y los cincuenta.

II
VIDA

Hija de doña Carolina Schmidtlein García Teruel y de don Emmanuel Amor Subervielle, ambos miembros de la más señera aristocracia mexicana. “Nací en este siglo, en todo y por todo. Soy de raza criolla, con ascendencia española, alemana y francesa. La menor de siete hermanos. De las mujeres la más vanidosa y la más bonita. Me bautizaron con los nombres de Guadalupe y Teresa. El uno mexicanísimo, el otro no puede ser más español. Como ninguno de los nombres me sentaba, siempre me llamaron Pita”.

La sonetista contaba que en su infancia sobrevivió la pérdida de la riqueza familiar en Morelos, por lo que constantemente recurrían al Monte de Piedad para empeñar y vender los tesoros que habían logrado rescatar del desastre económico que trajo consigo la Revolución.

Mujer con sensibilidad a flor de piel, a Pita le gustaba cantar en voz alta, pero su voz era tan estridente que aunque su mamá la elogiaba, solía callarla, por lo que finalmente decidió buscar como escenario la cocina y como su público a las domésticas que difícilmente aguantaban sus pláticas.

En la infancia también fue una niña a la que la paralizaba la oscuridad y petrificada por el miedo, buscaba esconderse en las faldas de Viviana, una de las tantas sirvientes de la casa. Pero Lupe Amor comenzó a gustar de la soledad desde muy pequeña, y siempre vivió rodeada de lujos. Sin embargo, la pérdida de la riqueza familiar, la convirtió ya en su adolescencia, en una mujer estrafalaria, porque conservaba la costumbre de cubrirse con vestidos escotados, mantones y capas; y no usaba ropa interior ni medias.
Fue una mujer sumamente bella, por lo cual fue pintada por Juan Soriano y Diego Rivera, Martha Chapa, Alfonso Michel, Raúl Anguiano, Roberto Montegro, por citar algunos artistas.

III
POETISA Y ESCRITORA

Singular poeta y escritora mexicana, “Pita Amor” La undécima musa, plasmó en su poesía los temas metafísicos; le cantó a Dios, a la muerte, a la soledad, a la angustia, a la nada. Sus poemas se caracterizan a partir de expresiones directas y desencadenadas, siempre en primera persona, todo gira alrededor de la vida. Se hizo gran amiga de importantes personalidades de la vida literaria, como Gabriela Mistral, la cual le sirvió de inspiración para escribir uno de sus más conocidos libros Yo soy mi casa (1946).

Entre sus poemas publicados tenemos: (1947) Puerta obstinada; (1948) Círculo de angustia; (1949) Polvo; (1953) Décimas a Dios; (1958) Sirviéndole a Dios, de hoguera; (1959) Todos los siglos del mundo; (1984) Soy dueña del universo. De sus prosas están: (1957) Yo soy mi casa y Galería de títeres (1959).

IV
PERSONALIDAD

La última de siete hermanos, la niña privilegiada, la que sus padres no lograron controlar. A treinta metros a la redonda siempre era el centro de atención. A Pita Amor le costó adaptarse al mundo que la rodeaba, nunca pudo salirse de sí misma para realmente amar a otro. Era demasiada enamorada de su persona. Ella misma se llamaba “la reina de la noche”, porque tenía por costumbre recorrer el Paseo de la Reforma de la Ciudad de México.

Vivió intensamente, aceptó todos los placeres y todas la amarguras. Su primer escándalo público fue a los 18 años, nadie puede asegurar si Pita se enamoró realmente en alguna ocasión, pero esto fue lo más cercano; se convirtió en amante de José Madrazo, un rico ganadero de 60 años con quien mantuvo una larga relación que abrió una época de provocación al mundo.

Guadalupe Amor pasaba de escándalo en escándalo sin la menor compasión por sí misma. A los 38 años, decide tener un hijo, del cual se siente incapaz de criarlo y decide darlo en custodia a su hermana mayor, Carito. Pero ocurre lo inesperado, Manuelito que así le llamaba su hijo, muere ahogado en una pileta con agua, a la edad de un año y meses. Es en ese momento, cuando Pita Amor comenzó su camino descendiente, nadie pudo consolarla, no deseaba ver a nadie. Su vida personal se volvió silenciosa de un día para otro, Pita se retiró. Escogió el aislamiento. Descuidó su aspecto físico.

Guadalupe Amor sale a un mundo diferente en los ochentas, insolente y arrebatada todavía pero diferente, nada quedaba de aquel cuerpo que desnudo pintara Diego Rivera o Raúl Anguiano. Después de diez años, decidió dar un recital de poesías mexicanas desde Sor Juana hasta Pita, en el cual tuvo un gran éxito, también volvió a dar entrevista para la televisión.

Año tras año celebraba la Navidad con su hermana Carito Amor, donde Pita llegaba con enormes bolsas con regalos para todos, por cierto ¡muy comunes!: una pasta para dientes, un jabón, una crema de afeitar, etc. Su forma altanera de ser y su soberbia la volvían temible; se alejaron de ella, enamorados y amigos. Con una rosa en la cabeza y su bastón en la mano quedaron las huellas en la Zona Rosa, un personaje único al que todos quedaron acostumbrados ver y escuchar, con esa imagen se quedaron quienes tuvieron la fortuna de conocerla.

En su humanidad conviven y batallan los más extremos climas sentimentales. Quien la trata, aunque sea momentáneamente, ya no la olvida, porque es un ser con una personalidad avasalladora. Para bien y para mal, reclama, exige, grita, llora, golpea; no se deja dominar por nadie. Preceden a su persona, en cualquier actividad, el elogio y la censura. Nunca pasa inadvertida.

Su personalidad la llevó a decir que su poesía sólo podría ser equiparada a la de Sor Juana Inés de la Cruz y Octavio Paz. Y en alguna ocasión también dijera: “Ojalá que alguno de estos renglones pueda dar a quien lo lea, un reflejo modesto de su angustia, de su esperanza”.

V
APORTACIONES A LA CULTURA

La poesía de Guadalupe Amor es única en su estilo, en ella refleja la forma de cómo percibía al mundo que la rodeaba. Sus poemas son un poco complicados de entender, tal vez se deba a las expresiones directas y desencadenadas empleadas en sus poemas y narrativas. Podemos afirmar que sus versos y prosa son el juego de palabras que a cualquiera hace reír, al leer cualquier fragmento. Le quita la tristeza y preocupación a todo aquél que se atreve a leer a Guadalupe Amor, “La Diosa” como ella misma se auto nombraba.

De acuerdo a la escritora Josefina Estrada, Guadalupe Amor “tuvo una época espléndida en su juventud, escribió lindos sonetos”, pero en sus últimos años se convirtió en una figura desquiciada, sumamente interesante y fuera de sí. Su obra posee un gran público compacto y fiel.

“Sola yo estoy y llena de inquietudes;
cada día me interno más adentro;
mis defectos atraen a las virtudes;
de un misterioso círculo soy centro.
El cansancio que tengo es infinito;
todo el dolor del mundo lo he probado;
un laberinto de ansiedad habito
y a tientas me revuelvo en lo intrincado”.
(Círculo de angustia, 1948)

Shakespeare me llamó genial
Lópe de Vega infinita
Calderón, bruja maldita
Y Fray Luis la episcopal;
Quevedo, grande inmortal
Y Góngora la contrita.
Sor Juana, monja inaudita
y Bécquer la mayoral.
Rubén Darío, la hemorragia;
La hechicera de la magia.
Machado, la alucinante.
Villaurrutia, enajenante
García Lorca, la grandiosa.
¡Y yo me llamé la Diosa!

CDMX.- 6 de mayo de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Literatura (CNL) y la Capilla Alfonsina (CA), rendirán homenaje a la poeta mexicana Pita Amor con motivo del 25 aniversario de su fallecimiento, ocurrido el 8 de mayo del año 2000 en la Ciudad de México, a los 82 años.

Con este propósito, se llevarán a cabo dos actividades virtuales. El miércoles 7 de mayo a las 10 horas, en el marco del ciclo Voces del Acervo, se transmitirá una video-semblanza de la escritora con materiales audiovisuales resguardados por la Coordinación Nacional de Literatura. La transmisión podrá seguirse a través de las redes sociales de la CNL y de la Capilla Alfonsina.

El jueves 8 de mayo a las 17 horas se transmitirá una charla a cargo del especialista Michael Schuessler —con presentación a cargo de Javier Garciadiego, titular de la Capilla Alfonsina— acerca de la relación entre Pita Amor y Alfonso Reyes, vínculo fundamental en la formación y trayectoria de la autora.

Guadalupe Amor, conocida como Pita Amor, nació el 30 de mayo de 1918 en la Ciudad de México. Fue poeta, narradora y pintora. Creció en una familia profundamente católica y de arraigadas tradiciones, siendo la menor de siete hermanos. Es autora de títulos como Yo soy mi casa, Puerta obstinada y Círculo de angustia.

Con el fin de promover el acervo que resguarda la CNL en su sede, la Casa Leona Vicario, el INBAL produce materiales audiovisuales dedicados a destacadas figuras de la literatura nacional. En este contexto se inscribe el ciclo Voces del Acervo, que presentará una semblanza en video de Pita Amor, a quien se reconoce como una de las voces más singulares de la poesía mexicana y una destacada maestra del soneto. Se estima que llegó a publicar más de 125 libros de poesía. Su obra, su carácter indomable y su extraordinaria memoria para recitar versos la convirtieron en una figura única en la vida cultural del país.

Durante la transmisión, se podrá escuchar su voz recitando poemas escritos en primera persona, con notables influencias de Sor Juana Inés de la Cruz, Francisco de Quevedo y Luis de Góngora, así como fragmentos en los que relata aspectos de su biografía.

El segundo día del homenaje, el jueves 8 de mayo —fecha exacta del aniversario luctuoso— se transmitirá la charla Pita Amor. 25 años de su deceso. El escritor Javier Garciadiego ha señalado que esta actividad permitirá acercarse a una figura fascinante de la vida cultural mexicana:“Fue Pita una gran escritora mexicana, una poeta de enorme personalidad, una protagonista de la vida cultural del país y, en el caso de la Capilla Alfonsina, una amiga muy cercana de Alfonso Reyes”.

Michael Schuessler, actual miembro del Sistema Nacional de Investigadores, expresó que es un honor participar en esta charla dedicada a quien falleciera el 8 de mayo del 2000, a causa de una pulmonía. “Ella misma decía: ‘Tengo todos los siglos del mundo, más la edad de Grecia y de Egipto’”.

El especialista en lenguas y literaturas hispánicas adelantó que su participación se dividirá en dos partes: la primera abordará su experiencia personal con Pita Amor, a quien conoció en 1990, cuando él tenía 23 años.  “Pita es la poeta mexicana más celebrada desde Sor Juana Inés de la Cruz. Conocerla y tratarla fue toda una revelación tanto artística como espiritual”, consideró el escritor.

En la segunda parte, Schuessler explorará diversas facetas de la amistad —“querencia”, en sus palabras— entre la joven poeta de la alta sociedad mexicana y el decano de las letras nacionales, Alfonso Reyes.

Michael Schuessler es doctor en Lenguas y Literaturas Hispánicas por la Universidad de California en Los Ángeles y actualmente profesor titular del Departamento de Humanidades de la Universidad Autónoma Metropolitana, Cuajimalpa.

Ambas actividades se transmitirán por las redes sociales de la Coordinación Nacional de Literatura del INBAL y de la Capilla Alfonsina.