CDMX.- 24 de noviembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) Durante el sábado 22 de noviembre, la diversidad de propuestas dancísticas tomó los escenarios del X Encuentro Nacional de Danza (END). Este evento, organizado por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Danza, permitió al público disfrutar de una mezcla de estilos que abarcó butoh, contemporáneo, fandango, flamenco y performance.

En los espacios abiertos del Museo de Arte Moderno se realizaron activaciones teórico-performáticas como parte del 4° Coloquio Latinoamericano de Investigación y Prácticas de la Danza: Visiones Contemporáneas desde la Escena (VISCESC). Estas exploraron temas diversos, desde prácticas colaborativas y danzas comunitarias que resisten, hasta cuerpos-archivo, autoetnografía, improvisación queer y rutas de creación situadas.

En el Museo Tamayo se presentó la conferencia performática de Fosfenos de azúcar, Stimming: danza sobre el autismo, creada por una mujer autista. El evento se convirtió en un espacio profundo e inclusivo gracias a la activa participación del público, que pudo compartir experiencias y reflexionar sobre la empatía hacia la neurodivergencia y el autismo.

Stimming es una danza adaptada especialmente para personas dentro del espectro autista. Su objetivo central es utilizar el arte escénico para resonar con esta comunidad y resignificar la palabra autismo.

Con una gran audiencia, el Pabellón Escénico recibió la obra de butoh Máscara Doble, protagonizada por Saga Kobayashi. La pieza retoma la coreografía original “danza de espaldas” que Tatsumi Hijikata, fundador del butoh, creó para la bailarina en 1970.

En esta presentación, Saga Kobayashi viaja en el tiempo para reinventar la danza a partir del método de notación de Hijikata. El resultado es un portal donde el cuerpo vibra entre lo real y lo ilusorio.

Los asistentes al END disfrutaron de la intensidad del flamenco con la presentación de la compañía Iberia, en la Plaza Ángel Salas. La tradición española cobró vida en el escenario, entrelazando su pulso con las entusiastas palmas del público asistente.

Como parte de la programación al aire libre, el Jardín Escénico se llenó de son y zapateado gracias a la agrupación ¡Qué siga el Fandango!. Este colectivo crea espacios vivos de música, danza y convivencia alrededor de la tradición jarocha. Entre versos y el ritmo de la tarima, el público se sumó al baile, creando un ambiente festivo.

El Teatro de la Danza Guillermina Bravo cerró el penúltimo día del Encuentro con la presentación de The New Mexican Mestizx. Esta pieza de danza contemporánea plantea la pregunta sobre qué ocurre cuando un cuerpo cruza una frontera sin pedir permiso.

Inspirada en la obra de Gloria Anzaldúa, la coreografía escenifica violencias que persisten y transforma el espacio en un territorio de resistencia.

Jornadas Circulares

Hacia la recta final del X Encuentro Nacional de Danza 2025, se realizó la tercera y última Jornada de diálogo para tejer las voces de las danzas de México,  bajo el eje: Pedagogías, saberes, perspectivas de género y diversidades.

Los participantes compartieron con el Dr. Alonso Alarcón Múgica, coordinador nacional de Danza del INBAL, diversas problemáticas relacionadas con estos temas y propusieron acciones específicas para atenderlas desde diversas trincheras.

Entre las acciones más destacadas se encuentran:

• Capacitación sobre lenguaje incluyente, perspectiva de género y nuevas pedagogías críticas.
• Abordar territorios, cuerpos y diversidades en corresponsabilidad entre el gobierno, los artistas y la ciudadanía.
• Impulsar círculos de diálogo como agentes transformadores desde la comunidad de la danza en colaboración con la institución.

Los aportes recabados a lo largo de los tres días de Jornadas de Diálogo son fundamentales para el trabajo colaborativo de la Coordinación Nacional de Danza con la comunidad dancística y para impulsar una política cultural incluyente.

El X Encuentro Nacional de Danza concluye este domingo 23 de noviembre con diversas actividades para todo público. La programación completa y horarios detallados pueden consultarse en la página de la Coordinación Ncional de Danza.

CDMX.- 13 de noviembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa/) El Centro Nacional de las Artes (Cenart), institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, presentará la ópera Paso del Norte, que vuelve a escena en un montaje proveniente de Monterrey, realizado por Mexico Opera Estudio y que narra la tragedia de un grupo de migrantes que intentó cruzar la frontera de México hacia Estados Unidos.

A dos años del fallecimiento del compositor Víctor Rasgado, esta nueva producción bajo la dirección musical de Alejandro Miyaki y la dirección escénica de Rennier Piñero, reúne a un talentoso grupo de jóvenes cantantes que, como parte de la culminación de su formación, ofrecen una interpretación intensa y conmovedora de esta obra fundamental en la música contemporánea mexicana.

Paso del Norte está basada en un hecho real que marcó a nuestro país en 1987, cuando 18 migrantes mexicanos murieron asfixiados en un vagón de tren rumbo a Estados Unidos. La tragedia, documentada por la prensa y transformada en la obra teatral “El viaje de los cantores” de Hugo Salcedo (ganadora del Premio Tirso de Molina en 1989), encontró en Rasgado un eco musical profundo.

Como historiador y amante de la poesía, el compositor oaxaqueño investigó testimonios, recurrió a textos poéticos —algunos de su propia autoría— y creó un libreto que da voz al dolor, la esperanza y la crudeza de la migración.

La primera versión data de 2005: era una ópera breve de cinco escenas, escrita para tres cantantes y tres instrumentos, que fue comisionada por el Netherlands Vocaal Laboratorium y estrenada en los teatros Schouwburg Odeon (Zwolle) y De Balie (Ámsterdam), dentro de un festival internacional dedicado a la migración.

En 2011, Rasgado amplió la obra a una versión para banda de pueblo de once escenas y realizó un proyecto pedagógico en el Bachillerato Musical Comunitario de Zoogocho, Oaxaca, junto a Fernando Domínguez, Iván Manzanilla y Arturo Quezadas. Niños y maestros fueron los encargados de estrenar esta versión en Oaxaca, la cual posteriormente se presentó en Matamoros, Reynosa y en el XLII Festival Internacional Cervantino (2014), con una tercera versión de trece escenas.

Este nuevo montaje, realizado con el Estímulo Fiscal del Artículo 190 de la Ley del Impuesto sobre la Renta, EFIARTES, reactiva el poder de una obra que sigue vigente ante el contexto migratorio y político actual, con la participación de la orquesta de Mexico Opera Studio (MOS), la soprano Belén Martín, el tenor Jaquez Reyes y el bajo Juan Carlos Villalobos, además de un coro de actores y actrices.

El MOS es un centro dedicado a fomentar la tradición operística en México y ofrece un espacio donde los talentos emergentes pueden desarrollar sus habilidades artísticas. Brinda formación integral en técnicas vocales, escénicas y en la comprensión de grandes obras operísticas y además de preservar la ópera clásica, promueve nuevas interpretaciones que fusionan la herencia mexicana con narrativas universales.

La ópera Paso del Norte ofrecerá cuatro funciones: del 21 al 23 de noviembre, viernes, a las 20:00 h; sábado, a las 19:00 h; y domingo a las 16:00 y 18:00 h, en el Teatro de las Artes. Los boletos tienen un costo de 180 pesos, con promoción de 2×1 comprando los miércoles en la página cenart.comprarboletos.com y los viernes en taquillas. Para más información consulta la página cenart.gob.mx.

CDMX.- 10 de noviembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) Las Áreas verdes del Centro Nacional de las Artes (CENART), institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, reciben nuevamente al Eurojazz 2025. La tarde del domingo 9 de noviembre de 2025, bajo un cielo despejado, casi 20 mil personas ocuparon el pasto con mantas, petates y bancos plegables para escuchar el concierto inaugural a cargo de la agrupación irlandesa Córas Trio.

En la inauguración, se contó con la presencia del titular del Cenart, Vicente Jurado López; el embajador de Irlanda en México, Ruairí de Búrca, y el embajador de la Unión Europea en México, Francisco André, además de integrantes del cuerpo diplomático europeo.

Jurado dio la bienvenida y recordó que el festival es un espacio para el encuentro entre asistentes y creadores. “Para la familia del Cenart, el público es fundamental; los espacios existen para ustedes y se vuelven vitales cuando los habitan. Eurojazz llega a su edición 28 y seguimos celebrando en estos jardines con una curaduría pensada para todas y todos”.

Subrayó la colaboración con la Unión Europea y apuntó que “hoy más que nunca la solidaridad entre pueblos y países resulta esencial; la cultura y el arte funcionan como un motor para la paz, para construir respeto y tolerancia”.

Por su parte, el embajador de Irlanda, Ruairí de Búrca, destacó el papel de la música como lenguaje común entre países, y la unidad que genera el jazz recuerda la fuerza que se alcanza al trabajar en conjunto dentro de la Unión Europea y con México. “La música construye puentes entre Irlanda, Europa y México; es la música la que nos une, y hoy tenemos la alegría de iniciar el festival con un grupo irlandés que combina tradición y sonido contemporáneo”, señaló al presentar a Córas Trio.

En su intervención, el embajador de la Unión Europea, Francisco André, adelantó que el festival se prepara para una nueva etapa. “Esta es la vigésimo octava edición, pero con el éxito que ya se ve esta tarde vamos hacia la vigésimo novena, que llegará en marzo de 2026, en un ambiente más veraniego. En un mundo con insultos, tensiones y agresiones, esta fiesta de música entre México y la Unión Europea manda un mensaje claro: si más personas se sentaran a escuchar juntas, a dialogar y a conocerse, el mundo sería un poco más fácil”.

Tras la inauguración, el escenario principal recibió a Córas Trio, integrado por violín, guitarra y percusiones con soporte electrónico. El conjunto pertenece a una nueva generación de creadores radicados en Belfast que exploran el cruce entre tradición irlandesa, improvisación y lenguajes sonoros contemporáneos.

En entrevista, el violinista y responsable de la electrónica, Kevin McCullagh, explicó la esencia del proyecto: “Nos inspiran los sistemas de la naturaleza: el clima, el agua, los procesos caóticos. Tomamos melodías y canciones tradicionales de Irlanda, las desarmamos en sus partes y las usamos como materia para improvisar. Eso nos permite tener una conversación en escena y abrir nuevos lenguajes desde la tradición”.

Sobre la fusión entre música irlandesa y electrónica, añadió que no buscan un efecto de moda, sino extender la voz de sus instrumentos. “Para mí, la electrónica es una prolongación del violín. Antes hacía música en computadora y pinchaba discos; ahora uso pedales para ampliar el rango del instrumento y explorar otros mundos sonoros. Las texturas electrónicas nos liberan como intérpretes y permiten romper la línea melódica continua de la música tradicional”.

El público respondió con atención y aplausos a cada pasaje: desde los temas más cercanos al seisiún irlandés hasta los momentos de improvisación, en los que capas de sonido electrónico acompañaban figuras del violín y la guitarra. Karina, quien asistió por primera vez al festival, comentó: “No sabía qué esperar y salí sorprendida. Suena muy bien, muy diferente y lo que más me gusta es que podamos escuchar esto gratis y al aire libre”.

Para Rita, vecina de Coyoacán que acudió con amigos, la mezcla de tradición y experimentación fue uno de los mayores atractivos: “Es música que invita a viajar. De pronto parece folk o electrónica ambiental, pero siempre tiene emoción”.

Para Córas Trio, presentarse en México representa un diálogo artístico que trasciende fronteras. McCullagh lo resumió así: “Queremos explorar la condición humana: las emociones que sentimos y el mundo que vemos. Eso es universal, desde Irlanda hasta México. Invitamos al público a escuchar la música y a permitirse sentir lo que surja. Después de tocar aquí, me llevo algo muy claro: la gente en México es vibrante y muy expresiva. Ojalá mi forma de tocar se vuelva un poco más vibrante, expresiva y más mexicana”.

Yvonne Moriel sube al escenario

Más tarde, a las 17 h, las y los asistentes escucharon el segundo concierto del día, a cargo del cuarteto austríaco Yvonne Moriel :: Sweetlife. La saxofonista, galardonada con el Austrian Jazz Prize, ofreció un potente recorrido por el jazz-dub electrónico que caracteriza a su proyecto, que se acompaña de sintetizadores, percusiones digitales y un bajo que marcó un pulso hipnótico al caer la tarde.

Con un sonido envolvente y una presencia escénica magnética, Moriel condujo una sesión que transitó entre la improvisación y el groove. José Luis, uno de los asistentes, comentó: “Fue impresionante escuchar cómo se mezclan el saxofón con las bases electrónicas; se siente como si el jazz viajara al futuro. El atardecer, la música y el ambiente hicieron que valiera la pena quedarse todo el día”.

Entre ambos conciertos, el Escenario Alterno del Pabellón Circense mantuvo el flujo de público con presentaciones continuas de proyectos nacionales que mostraron la diversidad del jazz hecho en México. Alberto García Quintero presentó un recital de jazz contemporáneo con acentos de latin jazz, mientras que, para el cierre de la jornada, el escenario se transformó en una fusión de ritmos electrónicos y experimentales con Sagitta Dlux, Red de Redesy Da Sof, quienes presentaron piezas de improvisación colectiva y música de fusión urbana.

Eurojazz 2025 continúa en las Áreas verdes del Cenart hasta el 23 de noviembre, con conciertos gratuitos los fines de semana que reúnen proyectos de Austria, España, Estados Unidos, Finlandia, Irlanda, Italia, Países Bajos, Polonia, Suiza y México, además de una programación alterna con agrupaciones nacionales en el Pabellón Circense y un ciclo de cine dedicado al jazz en la Cineteca Nacional de las Artes.

Para la presente edición, el festival amplía su alcance con presentaciones en el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez de Zacatecas los días 12 y 13 de noviembre, y en el Forum Cultural Guanajuato de León los días 20 y 21 de noviembre, con lo que fortalece su vocación de descentralizar la oferta cultural y llevar el jazz a nuevos públicos en distintas regiones del país.

La entrada a todas las actividades es gratuita, sujeta al cupo del espacio,todos los conciertos se transmiten en vivo a través de la plataforma interfaz.cenart.gob.mx

Para conocer la programación completa de Eurojazz 2025, se puede consultar el sitio cenart.gob.mx y las redes sociales del Centro Nacional de las Artes.

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Acompañada al piano por el destacado músico cubano Ángel Rodríguez, la noche del lunes 3 de noviembre de 2025, Sierra interpretó un programa con el que mostró distintas etapas y estilos del repertorio vocal, desde el bel canto italiano hasta la canción latinoamericana y estadounidense.

La primera parte se concentró en un panorama idóneo para que el público apreciara sus enormes posibilidades vocales con arias emblemáticas como Romeo y Julieta, de Charles Gounod; La rondine, de Puccini; Don Pasquale, de Donizetti; Norma, de Bellini; Las bodas de Fígaro, de Mozart, y La traviata, de Verdi.

Después del intermedio, la soprano abordó piezas de carácter más lírico y cercano al público; sorprendió con una brillante interpretación de Me llaman la primorosa, de Gerónimo Giménez, y un repertorio de música latinoamericana que transitó de Melodía sentimental, de Heitor Villa-Lobos, a Estrellita, de Manuel M. Ponce, además de clásicos de la canción estadounidense como Summertime, de George Gershwin, o I Could Have Danced All Night, de Frederick Loewe.

Nacida en Fort Lauderdale, Florida, Sierra descubrió su voz a los diez años y debutó de manera profesional a los catorce en la Ópera de Palm Beach. Desde entonces, su carrera se desarrolla en los escenarios de más prestigio del mundo: el Metropolitan Opera House de Nueva York, la Ópera de París, el Teatro alla Scala de Milán y el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, entre otros.

Por su parte, Ángel Rodríguez, pianista de origen cubano y que radica en México, destacó por la precisión y sensibilidad de su interpretación, fruto de más de 25 años de trayectoria internacional. A lo largo de su carrera ha compartido escenario con Ramón Vargas, Rolando Villazón, Javier Camarena, Nathalie Manfrino y Joseph Calleja, por mencionar algunos artistas, en escenarios de Asia, Europa y América.

Los aplausos de pie, que se prolongaron varios minutos, impulsaron el regreso al escenario de la cantante y su acompañante, para entonar tres piezas que desataron una ovación general: Bésame mucho, de Consuelo Velázquez; un emotivo Cielito lindo, tema en el que invitó al público a cantar con ella, y O mio babbino caro, de Puccini, con el que concluyó la velada.

“Una voz extraordinaria, llena de color y naturalidad; pocas veces se escucha algo así en vivo”, comentó María del Carmen Esquivel, asistente al concierto. Por su parte, Jorge Luis Rosas expresó: “No solo canta, interpreta con el alma. Nos hizo recordar por qué la ópera sigue conmoviendo tanto”.

La cantante y el pianista se presentarán el 12 de noviembre en el Teatro Isauro Martínez, en Torreón, Coahuila, como parte de su gira por América Latina, que continúa en Argentina, Brasil, Chile y Perú.

En línea con los objetivos de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, el INBAL mantiene viva su misión de difundir el arte vocal en México y de propiciar el encuentro de los intérpretes más destacados del panorama internacional con el público mexicano.

CDMX.- 2 de noviembre de 2025.- (https://cultura.cdmx.gob.mx/comunicacion) Basada en el ensayo lírico Episodio Guatimótzin de Aniceto Ortega, la ópera está compuesta de un solo acto que es contado en lengua náhuatl y maya, así como en castellano del siglo XVI. Cabe mencionar que esta obra fue recuperada y reelaborada por Samuel Máynez Champion para lograr presentarla como ópera fílmica. Al ser un espectáculo multidisciplinario, también participan danzantes, bailarines, el grupo prehispánico Tribu y el Coro Sociedad Coral Cantus Hominum, además de una orquesta en vivo.

En punto de las 19 horas se anunció la tercera llamada y dio inicio la función. Los músicos de la Orquesta Camerata Metropolitana tomaron su lugar en el escenario, mientras un silencio envolvía la Plaza de la Constitución. Bastaron unos minutos del inicio de la historia para que la audiencia respondiera con aplausos llenos de emoción.

El Zócalo capitalino lució lleno de vida entre la Ofrenda Monumental, las luces que iluminaban los edificios históricos y personas disfrazadas con motivo de la fecha, se creó una atmósfera festiva y emotiva. Familias completas, parejas y grupos de amigos y amigas llegaron para disfrutar de la proyección e incluso algunas personas que estaban caminando por la zona se detuvieron a verla.

“Me parece importante que traigan aquí la ópera y me parece muy bonita la manera en cómo la hicieron y que también juntaran a la orquesta. Es muy importante que se hagan este tipo de eventos donde se presenta la historia y que se siga divulgando”, expresó Jessica, asistente proveniente de la alcaldía Tlalpan.

Esta obra gira en torno a Ysabel, quien se encuentra a punto de morir y los recuerdos de su relación con Cuauhtemóctzin en 1521 llegan a su mente, llenos de nostalgia y felicidad.

También aborda el ultraje por parte del conquistador Hernán Cortes, la fiesta de la victoria organizada por indígenas de Tlaxcala, Huejotzingo y Texcoco, y algunos acontecimientos relevantes de la época.

“Es una manera para que la gente conecte con la cultura y es algo que no es muy común, la ópera no es para todas las personas, entonces tenerla aquí es una gran oportunidad y una manera de aprender. (…) Muy buenos artistas y muy buena actuación”, dijo Jassiel Guevara, quien viajó de Ecatepec, Estado de México, para disfrutar de las actividades de Día de Muertos en la ciudad. La función concluyó en un ambiente de euforia y entusiasmo colectivo.

Entre aplausos prolongados, gritos y expresiones de admiración, el público celebró la narrativa de esta ópera y además, reconocieron el valor de llevar este tipo de eventos artísticos al corazón de la ciudad. Para cerrar Samuel Máynez subió al escenario y con los brazos abiertos y con una inclinación hacia el público, agradeció a todas y todos los presentes.

“Es increíble de ver, me gustaría que se hicieran más eventos de esta clase, hay mucha gente viéndola. (…) Sigan haciendo más eventos de esta clase, fortalecen el turismo en la ciudad, hay muchos extranjeros fascinados y más con estas fechas”, compartió Jorge, habitante de la capital que asistió acompañado de su pareja.

Con estas funciones masivas de la ópera fílmica “Cuauhtemóctzin” en el Zócalo capitalino, la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México refrenda su compromiso con garantizar el acceso y goce de los derechos culturales de sus habitantes, así como también descentralizar el arte y la cultura.

Para conocer todas las actividades de la Secretaría de Cultura capitalina consulta la Cartelera de la Ciudad de México (https://cartelera.cdmx.gob.mx/) y las redes sociales de la Secretaría de Cultura: Facebook, X, Instagram y YouTube.

CDMX.- 1º de noviembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa/) La Fonoteca Nacional, institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, convirtió la noche del viernes 31 de octubre de 2025 en un ritual musical para honrar a los difuntos y celebrar las tradiciones sonoras de la zona mixe baja de Oaxaca, a través de una sesión de escucha y concierto del colectivo Tyos Kuju’y.

Con un profundo espíritu ritual, a propósito de los festejos del Día de Muertos que se realizan a lo largo de todo el país, el recital introdujo al público en la tradición fúnebre de la jarana mixe baja de San Juan Guichicovi, así como en su testimonio sonoro del duelo, el respeto y la memoria ayuuk.

No fue solo una muestra musical, también de una cátedra para reconocer la riqueza de una práctica que se encuentra en riesgo de desaparecer. Con respeto a una tradición fúnebre de Oaxaca, Cruz y el resto del colectivo conformado por Heriván Mejía Hernández y Anna Irene Guevara Meneses, se ha dedicado a difundir saberes sobre la música, enseñarla y hasta transformarla.

Cuenta su fundador, Joan Cruz Sánchez, el colectivo nació en el Centro Histórico de la Ciudad de México por la necesidad de crear comunidad.

Previo al concierto, se presentó el documental Cuerdas de Esperanza –dirigido por el propio Cruz Sánchez como trabajo de titulación de la Facultad de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM)– que hace una radiografía sobre la música de jarana en la zona mixe y el riesgo de extinguirse como tradición fúnebre.

Durante el concierto, se alternaron sones tradicionales como El Huachito, El mareño y Virginia que sí, Virginia que no, con intervenciones habladas que contextualizaron la función de la música en los rituales funerarios ayuuk.

Cruz explicó, por ejemplo, los momentos específicos del velorio en los que la jarana entra en escena, el papel de los músicos comunitarios, y la creencia de que la música abre caminos para el alma, así como los rituales necesarios para aprender el Son del Angelito. Pues a través de las cuerdas y sus conversaciones, los jaraneros evocan los sones lentos, pausados y profundamente melancólicos que se interpretan en los velorios y entierros de la región.

Cada pieza, seleccionada con cuidado, refleja las emociones colectivas del duelo: desde la resignación serena hasta el llanto contenido. Pero más allá de la tristeza, hay también belleza y dignidad en las melodías: son pespunteos para guiar el alma, para acompañar su camino hacia el otro mundo.

El concierto fue una representación escénica, un acto de respeto y documentación viva, además de un espacio de reflexión sobre la muerte, desde una perspectiva originaria, enraizada en la tierra, los ciclos naturales y la continuidad de la vida.

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CDMX.- 24 de octubre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) La Orquesta de Cámara de Bellas Artes (OCBA), agrupación del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), y la cantante de música regional Rosy Arango ofrecerán el concierto Encuentros con la vida y la muerte, una ofrenda musical con la que rendirán homenaje a grandes compositores de la música mexicana que ya partieron, en el marco de la celebración del Día de Muertos. La presentación se llevará a cabo el jueves 30 de octubre, a las 20 horas, en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes.

El programa será un recorrido por diversas obras emblemáticas de nuestro país. “Son piezas que canto con mariachi, pero ahora se visten de gala con estos arreglos para orquesta. Será un agasajo y harán sonar la música mexicana en nuestro máximo recinto cultural”, adelantó la cantante Rosy Arango.

Detalló que, junto con el maestro Luis Manuel Sánchez, director de la OCBA, seleccionaron temas que reflejan la manera en que los compositores, los músicos y, en general, los mexicanos, concebimos la muerte. “Hay temas alegres, otros solemnes y algunos con letras muy profundas”, señaló la intérprete, conocida como Rosa Mexicana.

El concierto iniciará con dos obras de especial significado para la cantante: La Martiniana, de Andrés Henestrosa, con arreglo de Rodrigo Lomán, “guarda un sentimiento muy especial, porque mi abuela y mi madre también son de Oaxaca, como el compositor; esta obra es al mismo tiempo un arrullo y una despedida”.

Por otro lado, Dios nunca muere, de Macedonio Alcalá, con arreglo de Omar Arellano, “es una canción que se ha convertido en un himno para los oaxaqueños, pero que podría serlo para la humanidad. Hoy, que los tiempos son tan cambiantes y necesitamos asirnos a la fe, el maestro Alcalá nos habla de esperanza, pero también nos recuerda la importancia de valorar a nuestros artistas y a nuestros seres queridos en vida”, expresó.

El repertorio incluirá además Canción mixteca, de José López Alavez, con arreglo de Nubia Jaime; La Llorona, con arreglo de Rodrigo Lomán; y Tata Dios, de Valeriano Trejo. “Todas son obras que nos invitan a valorar lo que está hecho en México, a apreciar el hermoso país que tenemos.”

De Rogaciano el Huapanguero interpretarán Nicandro Castillo; de José Alfredo Jiménez, El jinete; y de Eduardo Bustos, La bruja de la Huasteca, “una canción muy mística, que nos remite a esas historias de las abuelas sobre las brujas que aparecen como bolas de fuego sobre los cerros”.

El concierto culminará con un ramillete de sones de dominio público —La bruja, El cascabel y María Chuchena—, así como Cucurrucucú paloma, de Tomás Méndez.

Rosy Arango agregó que será una noche mágica, acompañada por una gran orquesta como la OCBA, y convocó al público a asistir con guayaberas, huipiles, rebozos, flores en el cabello y pañuelos “para rendir culto a la memoria, al origen y a nuestras tradiciones. Será una noche con olor a cempasúchil, de leyendas, de sincretismo y de nostalgia, para bailar y cantar”.

CDMX.- 21 de octubre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y la Compañía Nacional de Danza (CND), anunció el regreso del ballet Giselle a la Sala Principal de Bellas Artes (PBA).

Considerada una obra maestra del ballet clásico y del Romanticismo, que se estrenó en 1841 en París, llega al máximo recinto cultural de México en una nueva versión, a cargo de la destacada bailarina y educadora cubano-rusa Svetlana Ballester, con la participación de la Orquesta del Teatro de Bellas Artes, bajo la batuta de Yhovani Duarte, director titular de la Orquesta Sinfónica del Gran Teatro de La Habana. La propuesta estará en temporada del 4 al 23 de noviembre de 2025, con funciones los martes, jueves y domingos.

Giselle, compuesta por Adolphe Adam en solo tres semanas, se basa en la leyenda de las Wilis, espíritus de novias traicionadas que mueren antes de casarse y obligan a los hombres a bailar hasta la muerte. Se divide en dos actos: el primero transcurre en el mundo real, durante una alegre vendimia; el segundo, en un bosque encantado con elementos sobrenaturales. Es la obra más representativa del ballet romántico del siglo XIX –que prioriza la emoción, la narrativa y lo etéreo sobre la formalidad clásica–, se caracteriza por el “ballet blanco”, el tutú largo y las zapatillas de punta, utilizadas por primera vez para crear un efecto flotante.

Durante la conferencia de prensa, el director artístico de la CND, Erick Rodríguez, comentó: “Decidimos rescatar Giselle porque es una obra fundamental del ballet romántico. Esta nueva versión no solo honra su legado, sino que lo proyecta hacia el futuro”.

La reinterpretación, dijo, busca “revisar la dramaturgia de la historia para que se entienda bien, pero también las pantomimas, hacerlas un poco más del siglo XXI, no tan acartonadas”. Dicha visión mantiene viva la esencia del ballet clásico, al tiempo que lo hace accesible y resonante para el público contemporáneo.

Por su parte, Svetlana Ballester compartió su entusiasmo por liderar esta nueva versión: “Siempre me motivó darle mi visión al ballet, respetando la época, el estilo y la historia, pero reconociendo que los tiempos cambian”.

Asimismo, subrayó la importancia de revitalizar aspectos como la pantomima y de exigir el máximo nivel técnico y expresivo de todos los bailarines, desde los solistas hasta el cuerpo de baile, al que considera esencial para el éxito artístico de la obra.

Yhovani Duarte, a su vez, compartió en entrevista: “He trabajado durante más de 20 años con el Ballet Nacional de Cuba, junto a figuras como Alicia Alonso y Josefina Méndez, quienes me enseñaron los detalles más finos de la música y su interacción con los personajes en Giselle. Esta invitación representa el punto culminante de una amistad artística entre Cuba y México que se ha cultivado por años”.

Sobre la propuesta escénica, Duarte destacó: “No se trata de una ruptura con el clasicismo, sino de una renovación respetuosa. La maestra Svetlana ha puesto énfasis en actualizar las pantomimas y gestos para que el público actual pueda entender mejor la historia sin perder la esencia romántica y espiritual del ballet”.

Comentó que es una gran oportunidad para que el público se acerque al ballet: “Muchas veces se piensa que hay que ser un entendido para disfrutar del ballet, pero no es así. El arte despierta una sensibilidad natural en todos. Cuando se abre el telón y se ve la escena, la música, los vestuarios, las luces, todo llega al corazón. El arte es una medicina para el alma, para ser mejores seres humanos. Por eso les digo: ‘vayan al teatro, vayan a ver Giselle en el Palacio de Bellas Artes’”.

A su vez, la primera bailarina Mayuko Nihei dijo: “He bailado muchas versiones de Giselle, pero esta es mucho más pura e inocente… estoy aprendiendo a crear un personaje nuevo desde otro sentido”. En tanto que Valeria Mariaud, también, primera bailarina, dijo: “Esta nueva versión nos hace trabajar más a profundidad… la historia se entiende más y buscamos que el público viva con nosotros cada momento”.

Para la temporada, el reparto principal incluye, en el rol de Giselle, la joven campesina, a Valeria Mariaud (20 y 23 de noviembre), Ana Elisa Mena (4 y 9 de noviembre), Mayuko Nihei (6, 11 y 18 de noviembre) y Yoali Souza (13 y 16 de noviembre). En el papel de Albrecht, el conde de Silesia, participan Alejandro Hidalgo (4 y 9 de noviembre), Alejandro Mendoza (13 y 16 de noviembre), Argenis Montalvo (6, 11 y 18 de noviembre) y Roberto Rodríguez (20 y 23 de noviembre). Y Myrtha, la reina de las Wilis, será interpretada por Greta Elizondo (6 y 18 de noviembre), Corinne Jarvis (13 y 16 de noviembre), Ana Paula Montero (20 y 23 de noviembre) y Elisa Ramos (4 y 9 de noviembre).

Localidades y horarios

Giselle se llevarán a cabo del 4 al 23 de noviembre de 2025, con presentaciones los martes 4, 11 y 18; los jueves 6, 13 y 20 a las 20 h; y los domingos 9, 16 y 23 a las 17 h.

Los boletos tienen los siguientes precios: Luneta 1, $400; Luneta 2, $250; Anfiteatro bajo, $280; Anfiteatro alto, $210, y Galería, $120. Están disponibles en las taquillas del Palacio de Bellas Artes, con descuentos para estudiantes, docentes y personas adultas mayores (INAPAM) con credencial vigente, así como a través de Ticketmaster, los jueves aplica la promoción 2×1.

CDMX.- 1º de octubre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) El Centro Nacional de las Artes (Cenart), institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, se vestirá de flamenco del 9 de octubre al 16 de noviembre con seis espectáculos que forman parte del ya tradicional ciclo Quejío flamenco que se realiza, en esta ocasión, en diversos foros del pulmón cultural de México.

Desde el 2010 el flamenco forma parte de la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. En el Cenart, el ciclo Quejío flamenco tiene sus antecedentes en el año 2004, en lo que en su momento se llamó “Duende flamenco”, que se creó como una plataforma en la que los ejecutantes de este arte se pudieran expresar.

La edición 2025 del Quejío flamenco inicia con funciones del 9 al 11 de octubre, en el Teatro Raúl Flores Canelo, a cargo de la Compañía Flamenca con la obra 4 vestidos, dirigida por Lina Ravines, la cual explora la complejidad del duelo como proceso transformador del ser a través del lenguaje profundo y visceral del flamenco: “duelo a mi cuerpo, la pérdida de quienes nos dejan, la pérdida de personas que siguen vivas y todos los duelos que se viven y se transforman”.

La pieza relata el viaje íntimo de una persona que, enfrentada a pérdidas significativas, ve cómo estas experiencias marcan su identidad dejando cicatrices que son tanto heridas como fuentes de fuerza. Los duelos son representados simbólicamente por cuatro vestidos. Cada vestido encarna un duelo distinto, una pérdida, que la confrontan, la desarman y finalmente la definen.

Posteriormente, del 17 al 19 de octubre, también en el Teatro Raúl Flores Canelo, se podrá disfrutar de Caminos de Iberia, bajo la dirección de Ángel Vázquez, un viaje escénico que entrelaza la identidad de la compañía Iberia, la danza estilizada y el flamenco para narrar su historia: desde sus primeros pasos hasta la madurez de su presente.

A través de escenas que evocan memoria, búsqueda y celebración, la compañía recorre las sendas que la han formado, para compartir con las personas asistentes no sólo la fuerza de sus raíces, sino también la proyección de su horizonte artístico.

Versos del destierro ofrecerá funciones del 24 al 26 de octubre, en el Teatro Raúl Flores Canelo. Bajo la dirección de Elisa Mendoza Gilabert, se trata de una obra de baile flamenco que utiliza como base lírica poemas del periodo de la Guerra Civil Española y del Exilio Español en México, adaptados a la métrica correspondiente con los palos flamencos seleccionados para este espectáculo.

El 8 y 9 de noviembre, en la Plaza de la Danza, se presentará Soniquetes del corazón de la compañía Flamencalli, un espectáculo que pone en el centro la fuerza del compás como expresión de lo humano. A través del baile, el cante y la música, se construye un recorrido que refleja emociones universales: la energía vital, la alegría compartida, la nostalgia que nos atraviesa y la resistencia que sostiene el andar cotidiano. 

Cada pieza se convierte en un diálogo entre el cuerpo, la voz y la guitarra, donde los soniquetes marcan un pulso que conecta al espectador con sus propias experiencias. No se trata sólo de mostrar la tradición flamenca, sino de revelar cómo ese lenguaje sigue vivo, capaz de hablar de lo que sentimos hoy y de latir al ritmo de nuestro presente. 

Danzaora llegará al Quejío flamenco del 13 al 15 de noviembre en el Foro de las Artes. Dirigida por Marién Luévano, esta obra une a las dos tradiciones de interiorizar y transformar: dejar de ser en un punto la “bailaora” para pasar a ser un instrumento, como la “danzante”, y conformar a la Danzaora, alterar el Yo para dar paso a la manifestación y ser la ofrenda misma. 

Finalmente, Quejío flamenco tendrá el espectáculo Conexión con tus pies de Mariana Olaechea, Katarzyna Lidia y Agata Zakrzewska, que ofrecerá una única función con entrada libre, el domingo 16 de noviembre, en la Plaza de la Danza.

Se trata de un proyecto que busca unificar diversos estilos de danza y fusionarlos, como el flamenco, el hip-hop, las danzas orientales y las contemporáneas para mantener no sólo nuestras raíces en cada tipo de baile, sino además fomentar la seguridad y confianza en cada participante.

Adicionalmente, este año el Quejío flamenco incluye una Clase magistral a cargo de Niño de Elche, uno de los mayores exponentes actuales del género flamenco en España, la cual se llevará a cabo el martes 28 de octubre, dirigida a estudiantes de artes escénicas, músicos, investigadores, curiosos de la voz e improvisadores.

Francisco Contreras Molina, conocido por su nombre artístico como Niño de Elche, es un cantante que mezcla el sonido contemporáneo de la música tradicional española, el flamenco, con ritmos latinos, para generar un resultado distinto y original. Su Clase magistral será de entrada libre, previo registro en cenart.gob.mx.

Las funciones en el Teatro Raúl Flores Canelo y el Foro de las Artes tienen un costo de 150 pesos con promoción de 2×1 los miércoles en línea en la página cenart.comprarboletos.com y los viernes en taquillas; mientras que las obras en la Plaza de la Danza son de entrada libre. Para más información consulta cenart.gob.mx.

CDMX.- 20 de septiembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) El Centro Cultural del Bosque (CCB) vibró de risas, música y aplausos con el estreno de De Mozart, tubas y bemoles, propuesta familiar creada y protagonizada por Mario Iván Martínez, uno de los artistas más completos de la escena mexicana. Con su carisma, talento actoral, voces y dominio escénico, llevó a niñas, niños y adultos por un viaje que mezcló historia, imaginación y diversión.

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Teatro, llevaron al escenario del Teatro Julio Castillo dicho montaje que se divide en dos cuentos sinfónicos.

El primero, ¿Conoces a Wolfi?, transporta al público a la Europa del siglo XVIII para acompañar al pequeño Wolfgang Amadeus Mozart, genio precoz que a los cinco años ya tocaba magistralmente el piano y recorría junto a su padre Leopold y su hermana Maria Anna los salones de la nobleza europea. Entre títeres, narración y música, las y los asistentes vieron desfilar episodios de su vida, desde las primeras presentaciones en Múnich hasta su consagración como uno de los grandes compositores de todos los tiempos.

“Me gustó mucho cuando Mozart tocaba para los príncipes, porque parecía como si yo también estuviera ahí en el castillo escuchando la música”, comentó Valeria, de 8 años, al término de la función. Por su parte, Diego, de 10 años, señaló: “Yo quiero aprender a tocar el piano como Wolfi, porque se veía feliz cuando hacía música y hasta hacía reír a su hermana”.

El segundo relato, Tubby, la tuba, llenó el escenario de ternura y risas. Ahí, una simpática tuba llamada Tubi busca su lugar en la orquesta, pese al rechazo de algunos instrumentos. En su travesía, conoce al Señor Sapo, quien le enseña que también puede cantar y le anima a mostrar su voz. Aunque el estricto Señor Stradivarius duda de ella, el director Pizzicato le da la oportunidad de tocar y, poco a poco, todos los instrumentos se suman a su melodía. Un mensaje sobre la confianza en uno mismo, la amistad y la importancia de creer en el propio talento.

El público infantil respondió con entusiasmo, niñas y niños aplaudieron, cantaron y celebraron cada aparición del pequeño Wolfi y del divertido sapo cantor. “Me dio mucha risa cuando la tuba quería bailar y no la dejaban, porque yo también a veces quiero hacer cosas diferentes”, contó Luciana, de 7 años, con una sonrisa.

A su lado, Mateo, de 9 años, agregó: “Lo mejor fue cuando el sapo le enseñó a cantar. Sentí que todos podían ayudar a Tubi, y que si uno se esfuerza también puede brillar”.

Al final de la función, entre risas y asombro, Mario Iván reforzó esa cercanía al salir del escenario para convivir con las familias, regalar globos y pequeños títeres a las y los asistentes más pequeños.

La escenografía sencilla, con piano, marionetas y una pantalla con ilustraciones, se transformó gracias a la expresividad de Mario Iván, quien con cambios de voz, gestos y humor supo captar la atención del público de todas las edades. 

Actor, narrador y cantante, con una trayectoria que abarca teatro, cine, doblaje y música, el artista es un referente en propuestas familiares que conjugan entretenimiento y sensibilidad artística.

“De Mozart, tubas y bemoles” se presenta hasta el 19 de octubre de 2025, con funciones los sábados y domingos a las 12:30 h, en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque (Reforma y Campo Marte s/n). Los boletos están disponibles en taquilla y en teatro.inba.gob.mx.