CDMX.- 24 de enero de 2026.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), llevará a cabo la primera Noche de Museos de 2026 el miércoles 28 de enero, con una amplia variedad de actividades en sus recintos, entre las que se incluyen visitas guiadas, música y sesiones de patinaje, con el objetivo de invitar al público a vivir los museos desde una perspectiva diferente.

Concebida como un espacio de encuentro, la Noche de Museos se ha consolidado como una tradición que permite al público disfrutar los museos de otra manera, a través de actividades artísticas y educativas que median la experiencia y propician nuevas formas de acercamiento a los recintos culturales.

El Museo del Palacio de Bellas Artes ofrecerá, de 18 a 20 horas, visitas guiadas a la colección permanente Historia y arquitectura del Palacio de Bellas Artes, que permitirán conocer los elementos arquitectónicos y la historia del máximo recinto cultural del país. Asimismo, se realizarán recorridos por la colección de murales y por las exposiciones temporales Lilia Carrillo. Todo es sugerente, dedicada a la trayectoria artística de la pintora y al desarrollo de los elementos técnicos, formales, interpretativos y materiales de su obra, y Geles Cabrera. Partituras corporales, en la que se destacan aspectos de su biografía y las características de su producción escultórica.

Además, se llevará a cabo la actividad mediada Mundos posibles, de 19 a 20:40 horas, en la que el público podrá participar en sesiones de dibujo abstracto que exploran la imaginación no formal a través de trazos, manchas, líneas y síntesis de formas. El cupo está limitado a 15 personas, con rotaciones cada 20 minutos.

El Museo Nacional de la Estampa realizará una visita guiada a la exposición Grabadoras de historias: mujeres en la gráfica de los pueblos de México, a las 18:30 horas, a cargo de Mónica Villegas y Demián Flores, curadores de la muestra, en la que participan más de 140 artistas de diversas raíces culturales, quienes dan cuenta de sus regiones, sentimientos y cosmovisiones a través de más de 200 piezas realizadas con técnicas tradicionales. El cupo está limitado a 25 personas.

El Museo Nacional de San Carlos llevará a cabo, a las 18:30 horas, una visita guiada conjunta con el Museo Panteón de San Fernando, en el contexto de la exposición El beso de la muerte. Representaciones mortuorias en el arte y la cultura visual del siglo XIX, con el objetivo de reflexionar sobre cómo la sensibilidad en torno a la muerte se ha transformado históricamente, así como destacar la riqueza patrimonial y artística que resguardan ambos recintos. La actividad es gratuita, con cupo limitado a 150 personas, sin registro previo.

El Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo ofrecerá, a las 18:30 horas, una visita guiada por la exposición permanente del estudio del pintor Diego Rivera y por la muestra Kati Horna: La mirada puesta en página, a cargo del equipo de Educación del museo. El cupo está limitado a 25 personas y no requiere registro previo.

Ex Teresa Arte Actual ofrecerá una visita guiada a la exposición Invisible, de María Marshall, a las 18 horas, a cargo de la curadora Bárbara Perea. Como acto central, se presentará la intervención sonora Blindfolded performance Becoming color—4th Iteration, con la participación de María Marshall, Bárbara Perea, Rocío Romero y Manuel Rocha Iturbide. En esta acción, la artista utiliza la pintura de acción a partir de indicaciones sonoras, transformando el sonido y el movimiento en pinceladas y capas de color, para concluir la cuarta intervención colaborativa de la obra. Entrada gratuita, con cupo limitado.

La Galería José María Velasco presentará Mosaico sonidero, de 18 a 21 horas, a cargo de DJ Chiakka + Malhabido y Sonido Sabotaje + VJ Mel Flaum, actividad en la que se compartirá la cultura y gráfica sonidera, además de disfrutar de videomapping en vivo. El público también podrá visitar la exposición Los rótulos no deben morir y conocer técnicas del rotulismo tradicional hecho a pincel con los maestros Isaías Salgado y Rodrigo Rayón, rotulistas con 40 años de experiencia, así como las distintas aplicaciones del rotulismo en el diseño y el arte actual con Quetzalcóatl Cárdenas, del Laboratorio Comunitario de Diseño. La entrada es libre, con cupo limitado a 100 personas.

La Sala de Arte Público Siqueiros (SAPS) llevará a cabo la actividad Plástica Integral: Museo Vivo del Muralismo, de 18:30 a 19:30 horas. Rodrigo Torres, del área de Servicios Educativos del recinto, realizará una visita al Museo Vivo del Muralismo para abordar el mural Patricios y patricidas, de David Alfaro Siqueiros, y acercar al público al legado artístico del muralista. La entrada es gratuita, con cupo limitado a 25 personas, con inscripción previa al correo educación.saps@gmail.com.

La Tallera desarrollará la actividad Sobre ruedas. Charla y patinaje, de 17 a 20 horas, en su sede ubicada en Venus 52, colonia Jardines de Cuernavaca, en Cuernavaca, Morelos. En la charla Encuentro Entrelazo, realizada a partir de la propuesta de la artista Aurora Pellizzi, participantes de la escena skate y roller de Cuernavaca compartirán experiencias sobre la filosofía del patinaje, su desarrollo en la ciudad y su vínculo con la práctica artística. Al término de la charla, se realizará una activación de patinaje en la mini rampa instalada en la sala principal del museo, con música de DJ en vivo.

CDMX.- 23 de enero de 2026.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) El Auditorio Nacional hará sonar en concierto uno de sus instrumentos más emblemáticos, su Órgano Monumental, el cual, luego de un proceso de mantenimiento mayor y modernización tecnológica, se usará en concierto el domingo 1 de marzo de 2026, a las 12:30 h, con un programa que mostrará su renovada capacidad sonora.

El concierto estará a cargo del organista titular del instrumento, Héctor Guzmán, quien participará como solista, acompañado por la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), bajo la dirección de Ludwig Carrasco.

Durante la conferencia de prensa, Héctor Guzmán explicó que el aparato atraviesa un proceso continuo de actualización, indispensable para instrumentos de magnitud similar, “nunca dejan de actualizarse. Una vez que terminas una sección, hay que regresar a otra. Es un proceso que no para”, señaló.

El Órgano Monumental del Auditorio Nacional es el más grande de Latinoamérica y, de acuerdo con Guzmán, el séptimo más grande del mundo. Cuenta con cerca de 16 mil tubos, cinco teclados y un pedal, y su estructura se distribuye a ambos lados del escenario, lo que genera una experiencia sonora envolvente. “Está dividido así por su tamaño; es un sonido estéreo”.

Entre los trabajos de mantenimiento se encuentra la sustitución de casi cinco kilómetros de cableado, la limpieza minuciosa de los tubos y la afinación individual: “Cada tubo se limpia, se vuelve a colocar y se afina uno por uno. Por eso estos procesos llevan meses y años”, detalló.

Respecto a la modernización, resaltó la incorporación de un sistema digital de control que amplía de manera significativa las posibilidades del instrumento. “Pasamos de tener diez combinaciones generales a mil posibilidades distintas. Eso cambia por completo la experiencia para cualquier organista”, explicó Guzmán.

Para presentar la renovada voz del instrumento, se optó por un programa que combina al órgano como solista y como parte de una gran orquesta: “Pensamos que, para mostrar realmente sus posibilidades, lo mejor era invitar a una orquesta sinfónica”.

El programa incluye Concierto para órgano y cuerdas en sol menor, de Georg Friedrich Händel; Concierto para órgano, cuerdas y timbales, de Francis Poulenc; el Concertino para órgano y orquesta, de Miguel Bernal Jiménez, y, en la segunda parte, la Sinfonía núm. 3, de Camille Saint-Saëns, misma en la que el órgano se integra a la orquesta para crear un sonido de gran amplitud. “Es una obra pensada para una sala grande y un órgano gigantesco”, señaló Guzmán.

Más allá del concierto, el organista subrayó que el objetivo principal de la renovación es devolverle al instrumento una presencia constante: “El órgano debe de tocarse. Mientras más se toque, mejor”. La intención es integrarlo a distintos formatos musicales y escénicos, así como abrir el escenario a organistas mexicanos e internacionales.

El Concierto con la renovada voz del Órgano Monumental del Auditorio Nacional se llevará a cabo el domingo 1 de marzo de 2026, a las 12:30 h, en el Auditorio Nacional.

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CDMX.- 9 de enero de 2026.- (https://cultura.cdmx.gob.mx/comunicacion) La Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, a través de la Dirección General de Patrimonio Histórico, Artístico y Cultural, presenta la exposición “Somos Mixquic/Ti Mixquic”, que reúne miradas, voces y contenidos construidos desde la colectividad por las y los habitantes del pueblo originario de San Andrés Mixquic. La muestra estará abierta al público en la Biblioteca y Museo Andrés Quintana Roo, a partir de hoy 9 de enero hasta el 30 de marzo de 2026, en un horario de lunes a viernes de 9 a 18 horas, y sábados y domingos de 9 a 16 horas, entrada libre.

En el marco de la iniciativa “Territorios de paz e igualdad”, impulsado por la jefa de Gobierno de la Ciudad de México, Clara Brugada, se llevaron a cabo diversos talleres y actividades formativas dirigidas a pobladores de la comunidad, enfocados en temas como patrimonio histórico inmueble, memoria histórica, archivo comunitario, narrativas locales y museos comunitarios.

Es importante mencionar que algunos de estos espacios fueron beneficiados por el programa “Apoyo a Instituciones Estatales de Cultura (AIEC)” de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, lo que permitió ampliar su alcance y consolidar metodologías de trabajo participativas.

“Estos productos son parte de un proceso de reflexión, memoria y de recordar de dónde venimos y qué es lo que ha pasado en estas tierras. (…) Nos da mucho gusto que podamos tener estos momentos y ofrecer al público esta reflexión colectiva”, expresó durante la inauguración Mariana Gómez Godoy, directora general de Patrimonio Histórico, Artístico y Cultural.

Por su parte, Aysleth Corona Ochoa, directora de Vinculación Institucional para Prácticas Museales de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México y curadora de la exposición, agradeció a la comunidad la disposición para participar y resaltó la importancia de conocer la cultura a través de espacios colectivos y cercanos a las comunidades.

Cada uno de los encuentros permitieron que la propia comunidad definiera los temas centrales de la exposición, con el objetivo de consolidar una narrativa que respondiera a su identidad y a su memoria local, por lo que eligieron los siguientes ejes: su calendario religioso, su territorio lacustre, la persistencia del náhuatl en su habla cotidiana, la vida agrícola, la educación tradicional y la medicina herbolaria. “El hecho de participar en estos talleres definitivamente fue algo bastante enriquecedor y qué bueno que la Secretaría de Cultura se preocupe por el rescate, porque esto existe, pero no le habían puesto la atención adecuada y el hecho de invitarnos a participar como ciudadanos es algo bastante importante para nosotros”, compartió Rosa María Bernal Roque, participante de los talleres y originaria de Mixquic.

Además de cada una de las piezas que conforman la muestra, se desarrolló un podcast titulado “Acalli, la Radio Lacustre”, donde las y los oyentes podrán disfrutar de cuatro cápsulas históricas, tres obras basadas en textos de Luisa Josefina Hernández y dos piezas sobre patrimonio.

Asimismo, cabe destacar que se lleva a cabo el apuntalamiento de la iglesia de Mixquic, una obra técnica clave para resguardar el patrimonio de la comunidad y dar seguridad a las y los vecinos.

Finalmente, Diego Flores Olmedo, curador de la exposición, ofreció un recorrido guiado y mencionó que este es el primer acercamiento para que la comunidad vuelva a revisar su historia y de esta forma se sigan preservando las tradiciones y costumbres del lugar.

La población y las y los visitantes podrán disfrutar de la muestra hasta el lunes 30 de marzo de 2026 en la Biblioteca y Museo Andrés Quintana Roo, con ubicación Av. Independencia s/n, San Andrés Mixquic, C.P. 13630, en un horario de lunes a viernes de 9 a 18 horas y sábados y domingos de 9 a 16 horas, la entrada es libre.

Sin duda, “Somos Mixquic/Ti Mixquic” contiene núcleos temáticos que permiten comprender la complejidad cultural de este pueblo originario, su organización, los sistemas chinamperos y las tradiciones en un contexto urbano en constante transformación. Asimismo, reafirma la importancia de los proyectos culturales con enfoque comunitario como estrategias para el ejercicio de los derechos culturales, la preservación del patrimonio vivo y el fortalecimiento del tejido social en los pueblos originarios de la ciudad.

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CDMX.- 1º de diciembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), bajo la dirección artística de Ludwig Carrasco y con la participación especial de Solistas Ensamble de Bellas Artes, dirigidos por Christian Gohmer, presentan su Concierto Navideño, un programa que propone un recorrido musical que une solemnidad, devoción, color y alegría.

La OSN presentará un mosaico sonoro que enlaza tradiciones de Inglaterra, Alemania, México y Rusia en una selección de obras de Handel, Bach, Miguel Bernal Jiménez, Vaughan Williams y Chaikovski, creadores que, desde su tiempo y sensibilidad, han ofrecido visiones distintas, pero igualmente intensas, del misterio y la celebración navideña.

La velada se abre con Sadoc el Sacerdote, HWV 258, el primer Himno de Coronación de George Frideric Handel, escrito en 1727 para la entronización del rey Jorge II de Inglaterra en la Abadía de Westminster. La ceremonia, fastuosa y multitudinaria, contó con más de ciento cincuenta músicos y un coro de casi cincuenta voces, bajo la dirección del propio Handel. El texto, tomado del Libro de los Reyes, describe la unción de Salomón como rey y se convirtió en un emblema sonoro de la monarquía británica.  

El programa continúa con la Cantata I del Oratorio de Navidad, BWV 248, de Johann Sebastian Bach, compuesta para la temporada de 1734–1735. En Leipzig, Bach dirigía entonces la música de la iglesia de Santo Tomás, y concibió este oratorio como una serie de seis cantatas, una para cada día importante del ciclo navideño.

Tras el intermedio, el programa propone un momento de intimidad mexicana con Por el valle de rosas, de Miguel Bernal Jiménez, en arreglo de Ludwig Carrasco. Compuesta en 1941 sobre un poema de Julio Alarcón y Meléndez, esta breve obra es uno de los villancicos más queridos del compositor michoacano y se conoce también como Duérmete, Jesús mío.

Bernal Jiménez, figura esencial del nacionalismo musical mexicano y fundador del Conservatorio de Las Rosas, cultivó una profunda vocación religiosa que permea gran parte de su obra. En esta pieza el compositor logra un equilibrio entre ternura y pureza espiritual, entre la simplicidad melódica y el refinamiento armónico aprendido en Roma. El resultado es una plegaria convertida en canto popular, una muestra del fervor y la elegancia que caracterizan su legado.

La Fantasía sobre villancicos navideños de Ralph Vaughan Williams retoma el espíritu coral y comunitario de los cantos tradicionales ingleses. Escrita en 1912 y estrenada en la Catedral de Hereford, la obra reúne tres villancicos recopilados por el propio compositor y su amigo Cecil Sharp, pioneros en la preservación del folklore británico.

El cierre del concierto estará dedicado a la Suite núm. 1 de El cascanueces, Op. 71a, de Piotr Ilich Chaikovski, sin duda una de las músicas más asociadas con la temporada decembrina. Basada en el cuento de E. T. A. Hoffmann El cascanueces y el rey de los ratones, el ballet fue estrenado en San Petersburgo en 1892, inicialmente con tibia recepción, pero el tiempo lo convirtió en un clásico universal.

La suite reúne los números más célebres de la partitura: la Marcha, la Danza del hada de azúcar, el Trepak ruso, las Danzas árabe, china y de los mirlitones, y el majestuoso Vals de las flores.

CDMX.- 28 de noviembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) Las piñatas, las pastorelas y el ponche destacan, cada fin de año, como parte de las tradiciones y los sabores que en nuestro país existen para celebrar las fiestas decembrinas. Para complementar, el Programa de Paseos Culturales del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), organismo de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, invita a degustar quesadillas, gorditas y otros antojitos en el Centro Histórico de la Ciudad de México, o bien, a recorrer la urbe desde sus escenarios cinematográficos de antaño.

Así, la agenda del último mes de 2025 iniciará en Coyoacán, barrio que, en la época de oro del cine mexicano, fue residencia o escenografía para cineastas como Emilio ‘El Indio’ Fernández y Gabriel Figueroa, y hogar de artistas como Frida Kahlo y Diego Rivera. El nexo, entre calles empedradas y la gran pantalla, se abordará el 5 de diciembre.

Al día siguiente, sábado 6, se explorará otro de los más icónicos barrios del sur de la capital: la colonia Country Club, espacio ecléctico que surgió en la primera mitad del siglo XX y también se asocia al cine, por alojar los Estudios Churubusco y el fotogénico Parque Masayoshi Ohira.

La cita del domingo 7 es para los amantes de la buena comida. En “’Garnacheando ando’. Cocina en el Centro Histórico de la Ciudad de México” se combinará una caminata por el primer cuadro de la capital, con degustaciones en taquerías y otros puestos de comida famosos, ya sea por sus antojitos o por sus salsas.

Ese mismo día, tendrá lugar un viaje nostálgico hacia dos medios ancestrales de comunicación, aún vigentes: “Correos y telegramas”, que llevará a las y los paseantes a conocer el Palacio Postal, inmueble emblema del porfiriato, diseñado por el arquitecto italiano Adamo Boari, y el Museo del Telégrafo, instaurado en nuestro país en 1851.

El viernes 12, tocará el turno de la literatura, pues mediante el recorrido “Niña oscura” se brindará un asomo a una de las librerías de viejo más destacadas de la ciudad, ubicada en la colonia Santa María la Ribera.

“Anticuarios y gabinetes: las casas antiguas y protomuseos del Centro Histórico” es el título del paseo reservado para el 13 de diciembre. Se visitarán múltiples espacios de dicha colonia en los que el INAH, a través del Programa de Arqueología Urbana, indaga y pone en valor segmentos de la gran Tenochtitlan, como el Calmécac o el Juego de Pelota, por citar algunos.

Polanco –colonia que recibe su nombre por un río que solía correr en la demarcación, y que hoy en día, con su arquitectura residencial y población cosmopolita– es una de las geografías más exclusivas de la Ciudad de México, y es el destino del domingo 14.

Para cerrar, el 21 de diciembre, las y los paseantes se alistan para celebrar “Una Navidad en el Museo Nacional del Virreinato”, ubicado en Tepotzotlán, Estado de México, el cual resguarda una de las colecciones históricas más notables en el continente. Se presenciarán pastorelas tradicionales y conciertos de villancicos en emblemáticos espacios, como el Ex Templo de San Francisco Javier.

Paseos Culturales INAH (PCI) es una iniciativa de más de 60 años de experiencia; cuenta con más de 100 destinos programados anualmente y personal especializado y capacitado para la atención de públicos diversos.

Mayores informes sobre costos, agendas, reservaciones y recomendaciones, en los teléfonos: (55) 5212 2371, (55) 5553 2365 y (55) 5553 3822, de lunes a viernes, de las 9 a las 18 h; y en el correo electrónico: reservaciones@inah.gob.mx.

● El Gobierno de la Ciudad de México otorgó un reconocimiento María Guadalupe Cruz Gómez y Carlos Eduardo Vargas Medina, portadores de la declaratoria; así como a Maria Rojo, Miguel Nieto y Simón Jara, figuras fundamentales para el desarrollo del danzón en la capital

CDMX.- 17 de noviembre de 2025.- (https://cultura.cdmx.gob.mx/comunicacion) La Ciudad de México celebró este domingo una jornada histórica con la Declaratoria del Danzón como Patrimonio Cultural Inmaterial, un reconocimiento que honra a las miles de personas, músicos, bailarines, salones tradicionales y comunidades que han mantenido viva esta expresión por más de un siglo. El anuncio se realizó en el marco del “Gran Baile de Danzón”, organizado por el Gobierno capitalino, a través de la Secretaría de Cultura local, que reunió a miles de asistentes en la plancha del Zócalo.

En el acto protocolario estuvieron presentes Clara Brugada Molina, Jefa de Gobierno de la Ciudad de México; Ana Francis Mor, Secretaria de Cultura capitalina; Marcos Rodríguez Costa, Embajador de la República de Cuba en México; Argel Gómez Concheiro, subsecretario de Grandes Festivales Comunitarios de la Secretaría de Cultura local; María Xóchitl Molina González, Secretaria de Cultura de Veracruz; Omara Portuondo, leyenda viva de la música cubana; Miguel Nieto, administrador del Salón Los Ángeles; Simón Jara, fundador del Salón Colonia; la actriz María Rojo; así como 200 músicos de 25 danzoneras que marcaron un momento sin precedentes para esta tradición binacional.

La Jefa de Gobierno destacó que el danzón es más que un baile, es una práctica de convivencia y civismo que ha tejido una red de memoria, afecto y comunidad en los barrios, plazas y salones de la capital. Subrayó que la declaratoria es un acto de justicia para quienes han sostenido esta tradición durante décadas y que permitirá garantizar que esta práctica siga viva en el Zócalo, en los salones tradicionales, en las escuelas públicas y en las plazas de toda la ciudad.

“El danzón forma parte de la identidad capitalina. Es un lenguaje de respeto, comunidad y alegría que ha acompañado a esta ciudad por generaciones. Hoy lo reconocemos oficialmente como patrimonio vivo de nuestro pueblo. (…) Con esta declaratoria asumimos el compromiso de proteger, promover y transmitir esta tradición que convierte al espacio público en un lugar de encuentro y dignidad”, afirmó.

La leyenda cubana Omara Portuondo fue nombrada Madrina de Honor de la Declaratoria, en reconocimiento a su trayectoria y a su vínculo histórico con el danzón y la cultura musical compartida entre México y Cuba. En un momento especialmente emotivo, la Jefa de Gobierno de la Ciudad de México destacó su aportación invaluable al patrimonio musical latinoamericano y subrayó que la cantante es un puente vivo entre las tradiciones que dieron origen a este género. Su presencia refrendó la profundidad afectiva y cultural que une a ambos países a través del danzón.

En su turno, la secretaria de Cultura capitalina subrayó que la declaratoria fue posible gracias a un expediente técnico sólido construido junto a la comunidad, el cual documenta los valores culturales, sociales e identitarios del danzón y su papel fundamental en la vida pública de la ciudad.

“Esta declaratoria existe gracias a la comunidad danzonera, que ha mantenido viva esta tradición. Su constancia y amor por el danzón son los verdaderos pilares de este reconocimiento. (…) El danzón no es solo música y baile, es una forma de habitar la ciudad, una escuela de convivencia y un patrimonio que seguirá creciendo con el cuidado de sus maestras, maestros, orquestas y bailadores”, celebró.

También señaló que este reconocimiento formal implica una responsabilidad compartida entre instituciones y comunidades para documentar, promover y salvaguardar una tradición que ha marcado la memoria y la convivencia en la Ciudad de México por más de un siglo.

Durante la ceremonia se recordó que el danzón es una expresión viva gracias al compromiso de las comunidades que lo practican, lo enseñan y lo celebran. La Ciudad de México, uno de sus hogares más fértiles, ha sido testigo de su evolución y de su integración al paisaje cultural urbano, donde se baila semana a semana en salones, parques y espacios públicos. Con esta declaratoria, se refuerza la responsabilidad de conservar, documentar, transmitir y promover este legado compartido por generaciones.

La declaratoria como Patrimonio Cultural Inmaterial reconoce al danzón no solo como un género musical y dancístico, sino como una práctica social cargada de ritualidad, memoria, elegancia y afecto, sostenida por generaciones de bailadores, maestras y maestros, danzoneras, salones y espacios comunitarios. Su presencia en plazas públicas, barrios tradicionales y salones emblemáticos ha tejido vínculos intergeneracionales y ha convertido al danzón en un símbolo de identidad tanto para México como para Cuba.

El Gobierno de la Ciudad de México otorgó un reconocimiento María Guadalupe Cruz Gómez y Carlos Eduardo Vargas Medina, portadores de la declaratoria; así como a Maria Rojo, Miguel Nieto y Simón Jara, figuras fundamentales para el desarrollo del danzón en la capital.

El Zócalo se convirtió en una gran pista de baile con la presentación de la Orquesta Failde, proveniente de Cuba y heredera directa del legado del danzón; Acerina y su Danzonera, ícono de la Ciudad de México; y la Danzonera La Playa de Gonzalo Varela, orgullo del estado de Veracruz. Entre sones, pasos cadenciosos y el inconfundible cinquillo, miles de parejas celebraron este reconocimiento que reafirma la vigencia, el orgullo y la fuerza comunitaria del género.

Entre las danzoneras participantes en la Declaratoria estuvieron: Danzonera Isora Club, Danzonera Aragón, Danzonera México, Felipe Urban y su Danzonera, Nuevos Aires del Danzón, Danzonera Continental, Danzonera Cuitláhuac, Danzonera Paz Cisneros, Danzonera Alfil Negro, Orquesta de la Tercera Edad, Orquesta Carlos Campos, Orquesta Antillana de Arturo Núñez, Danzonera Criolla de Adolfo Vega, Danzonera Yucatán y El Internacional Pepe González.

El Gran Baile de Danzón culminó como una fiesta que reafirmó el vínculo histórico entre México y Cuba, naciones unidas por un ritmo que ha trascendido geografías y generaciones. Entre música en vivo y un Zócalo repleto, el danzón fue celebrado como lo que es: un patrimonio vivo que sigue latiendo en cada compás y en cada comunidad que lo abraza.

Como parte de esta declaratoria, el Gobierno de la Ciudad asumió una serie de compromisos de salvaguarda, entre ellos fortalecer a las comunidades bailadoras y a las danzoneras con apoyos, archivo sonoro y programas permanentes; garantizar espacios seguros y accesibles para la práctica del danzón; impulsar talleres en los PILARES, las UTOPÍAS y Casas de Cultura; y acercar esta expresión a niñas, niños y jóvenes, incluso en escuelas públicas, como una manera de promover la convivencia pacífica y la cultura del respeto. Esta declaratoria también fue subrayada como un acto de justicia para las y los portadores de la tradición que han preservado su memoria por décadas.

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CDMX.- 15 de noviembre de 2025.- (https://cultura.cdmx.gob.mx/comunicacion) La Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México (OFCM), conjunto insignia de la Secretaría de Cultura capitalina, ofrecerá una presentación estelar en el Palacio de Bellas Artes el sábado 22 de noviembre a las 18:00 horas, con la interpretación de la Sinfonía No. 3 en re menor de Gustav Mahler, una de las obras sinfónico-corales más monumentales del repertorio universal, bajo la batuta del maestro Scott Yoo, director artístico y principal de la OFCM.

Previo a la gala en Bellas Artes, la obra será interpretada en la Sala Silvestre Revueltas del Centro Cultural Ollin Yoliztli el sábado 15 de noviembre a las 18:00 horas y el domingo 16 a las 12:30 horas. Además, el sábado a las 17 horas y el domingo a las 11:30, se llevará a cabo la charla “Lo que me dice Mahler”, en colaboración con la Sociedad Mahler y con la participación de Félix Jiménez Méndez y Félix de Jesús Jiménez Trujillo.

En la tercia de eventos se contará con la participación especial de la mezzosoprano Carla López-Speziale; el Coro Femenino de la Orquesta Sinfónica de Minería, bajo la dirección de Oscar Herrera; y el Coro de Niños de la Schola Cantorum de México, dirigido por Alfredo Mendoza.

Scott Yoo es director principal y artístico de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, así como director musical del Festival Mozaic en California. Además, es anfitrión y productor ejecutivo de la serie documental Now Hear This de PBS, la primera serie de música clásica transmitida en horario estelar en Estados Unidos en más de cinco décadas, donde guía al público por recorridos musicales y culturales alrededor del mundo.

En el último año, Yoo ha dirigido a la London Symphony Orchestra y a la Royal Scottish National Orchestra en grabaciones para Sony Classical, además de colaborar con la Sinfónica de San Francisco, Utah Symphony, Orquesta Sinfónica de Dallas, Nuevo Mundo y la Orquesta de Cámara de St. Paul, con la que debutó en el Carnegie Hall.

La mezzosoprano Carla López-Speziale es reconocida por la riqueza expresiva de su voz y la intensidad dramática de sus interpretaciones en ópera, música sinfónica y de cámara. Egresada con mención honorífica del Conservatorio Nacional de Música y doctora en Artes Musicales por la Manhattan School of Music, López-Speziale ha cantado con importantes compañías como la Ópera de Bellas Artes, donde participó en el estreno latinoamericano de L’Amour de loin de Kaija Saariaho, consolidándose como una intérprete versátil y de proyección internacional.

Fundado en 2017, el Coro Femenino de la Orquesta Sinfónica de Minería se ha convertido en un ensamble de referencia en la interpretación del repertorio sinfónico-coral contemporáneo y tradicional. Su versatilidad y precisión vocal le han permitido abordar obras de gran exigencia técnica como la Sinfonía núm. 9, Coral, de Ludwig van Beethoven, Sinfonía núm. 2, Resurrección, de Gustav Mahler, el Réquiem de Verdi y Carmina Burana de Carl Orff. Su director, Oscar Herrera, ha dedicado más de tres décadas a la formación coral en México. Además de dirigir el coro, es director de la Orquesta de Cámara de Minería y fundador del ensamble vocal Sonos Silentium. Su labor educativa y artística ha fortalecido la presencia coral en escenarios nacionales e internacionales.

El Coro de Niños de la Schola Cantorum de México es uno de los proyectos formativos más importantes del canto coral en el país, con más de 30 años de trayectoria en conciertos, grabaciones, giras y ópera. La agrupación ha representado a México en festivales en Estados Unidos, Europa, Asia y América Latina, y ha trabajado con instituciones como la Orquesta Sinfónica Nacional y la Orquesta Sinfónica de Minería. Alfredo Mendoza Mendoza, director del coro, ha sido una figura clave en el impulso del canto coral infantil y juvenil en México. Fundó en 1991 la propia Schola Cantorum y ha desarrollado proyectos educativos dentro de la UNAM y con coros nacionales, por los cuales recibió la Medalla Mozart en 2015, por su trayectoria artística y pedagógica.

Compuesta entre 1893 y 1896, la Sinfonía No. 3 de Gustav Mahler es concebida como una meditación profunda sobre la creación, la naturaleza y la espiritualidad. A lo largo de sus seis movimientos, la sinfonía traza un viaje sonoro que inicia con la fuerza primordial de la naturaleza y asciende gradualmente hacia esferas más humanas y espirituales, donde la voz y la palabra se convierten en vehículos de reflexión sobre la existencia y lo trascendente. Colmada de contrastes, esta obra transita desde pasajes de enorme energía rítmica y vitalidad terrestre, hasta momentos de introspección delicada y pureza vocal. Su movimiento final, el Adagio, ha sido descrito por Leonard Bernstein como “la música más dolorosamente hermosa jamás escrita”, se trata de un final marcado por una pasión arrebatada y poderosa.

Cabe destacar que la última presentación de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México en Bellas Artes fue en 2018, como parte de las celebraciones por el 40 aniversario de la agrupación.

Los conciertos se realizarán el sábado 15 de noviembre a las 18:00 horas y el domingo 16 de noviembre a las 12:30 horas en la Sala Silvestre Revueltas del Centro Cultural Ollin Yoliztli, ubicada en Periférico Sur 5141. Los boletos se encuentran disponibles en taquilla, con 50% de descuento para estudiantes, docentes, personas adultas mayores con credencial del INAPAM y personal del Gobierno de la Ciudad de México.

La presentación en el Palacio de Bellas Artes se llevará a cabo el sábado 22 de noviembre a las 18:00 horas, ubicado en Avenida Juárez s/n esq. Eje Central Lázaro Cárdenas, Col. Centro. Los boletos se encuentran disponibles en taquilla.

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CDMX.- 30 de octubre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura) Bajo la calle Guatemala 24, en el corazón del Centro Histórico, se halló en 2015 uno de los descubrimientos arqueológicos más asombrosos del siglo XXI

La estructura de cráneos prehispánica inspira al arte contemporáneo, se transforma de altar de sacrificios en metáfora de memoria y trascendencia

Han pasado diez años desde que, en junio de 2015, en el número 24 de la calle Guatemala –en pleno corazón de la Ciudad de México–, un equipo del Programa de Arqueología Urbana (PAU) del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), organismo de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, encontró bajo los cimientos de una antigua vecindad del siglo XIX los restos del Huei Tzompantli, el gran altar de cráneos que las crónicas del siglo XVI describían con asombro y espanto.

Lo que comenzó como una excavación preventiva para reforzar un edificio se transformó en un hallazgo sin precedentes. Durante dos temporadas de campo (2015–2017), dirigidas por Raúl Barrera Rodríguez, con Lorena Vázquez Vallín como jefa de campo y Jorge Gómez-Valdés al frente del equipo de antropología física, aparecieron más de once mil fragmentos de cráneos y al menos 650 cráneos completos asociados a una plataforma rectangular de 35 por 12 metros.

Uno de los descubrimientos más impactantes fue la localización de una torre circular de cráneos humanos, de 4.7 metros de diámetro y 1.8 metros de altura, que corresponde a una de las dos descritas por el conquistador Andrés de Tapia. Dichas estructuras fueron adosadas a la plataforma, y construidas con cráneos unidos con cal y argamasa, muchos de los cuales conservan aún rasgos faciales, dentaduras y cavidades oculares.

“El Huei Tzompantli nos permite mirar de frente una práctica que sostenía la visión del mundo mexica. Este descubrimiento es fundamental porque hasta entonces sólo conocíamos el tzompantli a través de las crónicas. Encontrar una torre circular de cráneos humanos fue impactante y confirmó lo descrito por Andrés de Tapia en el siglo XVI”, afirma Raúl Barrera Rodríguez al INAH.

Tzompantli, del náhuatl tzontli (“cabeza” o “cráneo”) y pantli (“hilera” o “fila”), designa una estructura de madera en la que se ensartaban cráneos humanos alineados de forma horizontal. La diferencia con las crónicas radica en las cifras: De Tapia habló de más de 136 mil cabezas, mientras que la arqueología ha documentado cientos, suficientes para dimensionar la magnitud del sacrificio y el impacto visual que producía este monumento.

Los rostros del sacrificio

Una década después del hallazgo, el proyecto está en una nueva etapa: conocer quiénes fueron los sacrificados. Se limpió se consolidó y conservó una muestra de 214 cráneos, en la ceramoteca del Museo del Templo Mayor, sitio en el que se estudian sus rasgos biológicos con el apoyo de los laboratorios de Bioarqueología y Genética de la Escuela Nacional de Antropología e Historia (ENAH).

“El Huei Tzompantli nos brinda una oportunidad única para estudiar el sacrificio humano en el mundo mexica. Aquí confluyen tres tipos de evidencia –arquitectónica, osteológica e histórica–, lo que hace a este hallazgo excepcional”, explica Lorena Vázquez Vallín, jefa de campo del proyecto en un video para el INAH.

Otros análisis, destinados a determinar la movilidad y el lugar de origen de los individuos, se realizan en la Universidad de Georgia (EUA). A la par, se desarrolla un proyecto de ADN antiguo en colaboración con el Instituto Max Planck de Alemania, con la participación del bioquímico mexicano Rodrigo Barquera y el antropólogo Víctor Acuña Alonzo.

“Mientras los cráneos estuvieron en la empalizada, nada los alteró, y eso es relevante. El reto es reconstruir la historia biológica detrás del mito: edades, sexos, enfermedades y orígenes. En esos datos hay una memoria profunda de Tenochtitlan”, señala para el INAH Jorge Gómez-Valdés, coordinador del equipo de antropología física.

Rituales, cosmos y reciprocidad: el sentido profundo

El Huei Tzompantli era mucho más que un monumento a la muerte: representaba la continuidad del universo. “El tzompantli era una expresión de reciprocidad. Los hombres alimentaban a los dioses con sangre y vida, y los dioses respondían sosteniendo el universo. Era, al mismo tiempo, un acto de poder y una siembra simbólica: cada cráneo era una semilla que aseguraba la continuidad de la vida”, explica Lorena Vázquez Vallín.

Las fuentes coloniales relatan con detalle la dimensión ritual de estas prácticas. Durante la festividad de Tóxcatl, dedicada al dios Tezcatlipoca –el “señor del espejo humeante”–, se elegía a un joven sin tacha física para vivir durante un año como encarnación del dios. Vestido con sus insignias y acompañado por doncellas, el ixiptla ascendía las gradas del templo para entregar su corazón en lo alto del altar. Su cabeza entonces, se colocaba en el tzompantli, símbolo del renacimiento perpetuo del orden cósmico.

Un rito distinto ocurría en honor a Xiuhtecuhtli, dios del fuego. Según describe fray Bernardino de Sahagún, los cautivos se conducían en procesión y eran arrojados vivos al fuego del quauhxicalli. De ahí los extraían aún con vida, y eran sacrificados mediante la extracción del corazón y sus cráneos exhibidos frente a un tzompantli especial. La ceremonia, brutal y sagrada, representaba el punto máximo de la reciprocidad entre hombres y dioses.

Un monumento vivo

En el Huei Tzompantli, según las crónicas, los cráneos eran primero ensartados en una empalizada de madera –perforados en los parietales– y trasladados a la torre de calaveras, a la que quedaban unidos con cal y argamasa.

Durante 2020–2021, nuevas obras de conservación permitieron exponer la fachada externa de la torre, lo que confirmó su doble orientación y la potencia de su mensaje: un muro de rostros humanos convertido en arquitectura.

El Huei Tzompantli fue el principal de Tenochtitlan. De acuerdo con fray Bernardino de Sahagún (Historia general de las cosas de Nueva España), existían siete estructuras similares, cada una asociada con distintas deidades y ceremonias. Según las investigaciones del INAH, se utilizó entre 1486 y 1502, en tiempos de Ahuízotl, y estaba dedicado a Huitzilopochtli, dios de la guerra y numen tutelar mexica.

Tras diez años de investigaciones, el hallazgo se confirma como uno de los más importantes de la arqueología mexicana del siglo XXI. No solo recupera la memoria de un monumento descrito en códices y crónicas, sino que devuelve un rostro humano a los cientos de individuos que formaron parte de él.

De la empalizada mexica a la piedra maya

De las empalizadas mexicas descritas por Andrés de Tapia a los relieves pétreos del mundo maya, el tzompantli fue un símbolo compartido por distintas civilizaciones mesoamericanas como expresión del sacrificio humano y su papel dentro del ciclo cósmico.

Uno de los ejemplos de dicha tradición se encuentra en la Plataforma de los Cráneos de Chichén Itzá, un basamento rectangular de aproximadamente 60 metros de largo por 12 de ancho, cuyas cuatro fachadas están cubiertas con cerca de 2,400 cráneos, figuras de guerreros descarnados, águilas devorando corazones y serpientes emplumadas, todos tallados en piedra caliza. Las  imágenes –dispuestas tanto de frente como de perfil– las esculpieron numerosos artesanos mayas hacia el siglo IX o comienzos del X d.C.

El investigador alemán Eduard Seler describió la estructura por primera vez en 1909, destacó su función como espacio ritual vinculado al Gran Juego de Pelota, en el que los sacrificios eran una ofrenda al Sol y a los dioses de la fertilidad. Décadas más tarde, en 1951, el INAH inició un trabajo de reconstrucción bajo la dirección de los arqueólogos Jorge R. Acosta y Ponciano Salazar, quienes hicieron registro gráfico de sus relieves.

El eco mexica en piedra: el muro de cráneos del Templo Mayor

En el corazón de Tenochtitlan, los mexicas llevaron la iconografía del tzompantli más allá de la empalizada de madera. Su huella está en el célebre Muro de Cráneos, que se localiza frente al adoratorio de Huitzilopochtli y fue descubierto en 1980 durante las excavaciones iniciales del Proyecto Templo Mayor, bajo la dirección del arqueólogo Eduardo Matos Moctezuma.

La imponente estructura pétrea –hileras superpuestas de cráneos esculpidos en relieve, unos de perfil, otros de frente–, perpetuaba el orden ritual de la empalizada y convertía a la muerte en un elemento del paisaje sagrado. Cada rostro tallado era un recordatorio del ciclo de sacrificio y renacimiento que sostenía el universo según la cosmovisión nahua.

En Zultépec-Tecoaque: resistencia y mestizaje

Otros contextos arqueológicos mesoamericanos tienen manifestaciones similares, por ejemplo, en Zultépec-Tecoaque en Tlaxcala, descubierto en 1991 por Enrique Martínez Vargas y Ana María Jarquín Pacheco. El hallazgo, que hoy está en el Museo Nacional de Historia (MNH), reveló los restos perforados de al menos catorce cráneos humanos que, según estudios antropológicos y genéticos, pertenecieron tanto a indígenas mesoamericanos como a personas de origen europeo y africano.

El director del MNH, Salvador Rueda Smithers, ha comentado que dicho tzompantli trasciende el sacrificio ritual: es un símbolo de resistencia ante la invasión, pero también una evidencia temprana del choque cultural y el mestizaje. En sus palabras, “la última pieza del mundo prehispánico o la primera de la historia moderna de México”, un umbral entre dos eras y un testimonio de las profundas transformaciones que definieron el nacimiento de un nuevo mundo.

De la empalizada al arte contemporáneo

El tzompantli también fue un motivo en los códices, mapas pictográficos y manuscritos indígenas que registraron la memoria mesoamericana tras la Conquista. Un ejemplo notable es el Mapa de Popotla, documento que resguarda el INAH, en el cual un tzompantli ocupa el centro de la composición como eje simbólico del espacio sagrado.

La misma fuerza aparece en códices como el Borgia, en el cual las hileras de cráneos se ofrecen a las deidades; el Florentino, que documenta escenas bélicas en las que se exhiben cabezas de enemigos y caballos; el Telleriano-Remensis, que las asocia a ceremonias y rituales agrícolas, y el Mendoza, que sitúa el tzompantli en el corazón de Tenochtitlan.

En el tránsito del mito al presente, el tzompantli se transforma: de estructura ritual a obra escultórica, de sacrificio colectivo a memorial ciudadano. Su poder simbólico lo retoman artistas que, desde distintos lenguajes, lo convierten en espacio para pensar el duelo, la violencia, la memoria y la persistencia de la vida.

En 1993, Ángela Gurría, pionera del arte público en México, reinterpretó el motivo en la monumental escultura a la entrada del Centro Nacional de las Artes. Hileras abstractas de cráneos dialogan con la arquitectura contemporánea. La pieza invierte el sentido original del muro: ya no exalta el poder imperial, sino que invita a reflexionar sobre la dualidad vida/muerte, positivo/negativo, pasado/presente.

Manuel Felguérez, entre 2009 y 2014, envolvió el Museo Nacional de Antropología con su Muro geométrico de calaveras, una celosía de acero al carbón de más de 400 metros que celebraba el 50 aniversario del recinto.

Recientemente, el pintor Gustavo Monroy retoma el motivo en un monumental mural que se exhibe hasta el 19 de abril de 2026 en el Colegio de San Ildefonso.

A lo largo del siglo XX, artistas como José Chávez Morado, Francisco Toledo, Sergio Hernández y Rafael Cauduro reinterpretaron el tzompantli desde el caballete. Del poste y la cal al acero, el yeso o el cartón; del rito y el sacrificio al memorial y la protesta, el tzompantli sobrevive, símbolo del alma mexicana: una forma que, con múltiples lenguajes, atraviesa los siglos con la misma pregunta sobre la vida y su brevedad.

El antiguo muro de cráneos ya no clama al poder divino, sino a la fragilidad humana: un espejo humeante en el que la muerte anuncia la incesante búsqueda de trascendencia.

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● La jornada fue posible gracias al trabajo articulado entre instituciones culturales y educativas de la capital, alcaldías, municipios mexiquenses y del Estado de Hidalgo, directores y docentes de orquestas comunitarias y la participación entusiasta de familias enteras que acompañaron a sus seres queridos, convirtiendo al escenario en un espacio de celebración colectiva

CDMX.- 29 de septiembre de 2025.- (https://cultura.cdmx.gob.mx/comunicacion) El cielo nublado de la mañana de este domingo 28 de septiembre no apagó la emoción que se respiraba en el corazón de la Ciudad de México. El aire estaba cargado de expectativa, como si la propia Plaza de la Constitución contuviera la respiración en espera del primer acorde. Mientras los artistas caminaban entre la multitud rumbo al imponente escenario, sus familias se acomodaban con sonrisas, ramos de flores, paraguas y un orgullo que parecía más grande que el mismo Zócalo. Era la presentación de la Orquesta Monumental Metropolitana.

Se podían ver pancartas con mensajes de aliento, como la de Valeria Ortiz, quien escribió: “Te amo, Ian. Eres el mejor”, para apoyar a su novio, integrante del PILARES La Joya. Otros asistentes sostenían celulares listos para grabar a sus hijos en su primera gran presentación, como si quisieran atrapar en video un pedazo de historia personal. En el escenario, los nervios se mezclaban con risas. Un niño de primaria, parte del programa “Do Re Mi Fa Sol por mi Escuela”, repasaba las canciones con manos temblorosas, pero en su mirada brillaba una certeza y estaba a punto de vivir un momento inolvidable.

“Yo ya he trabajado muchas cosas, pero nunca algo tan gratificante y hermoso como la música. Esto lo llamo yo, mi último jalón”, dijo con una sonrisa serena David López, estudiante de 72 años de la UTOPIA Meyehualco. Una frase que resume el espíritu de la Orquesta Monumental Metropolitana: la música siempre llega a tiempo para cambiar la vida de las personas.

Con los sentimientos a flor de piel los 2 mil 600 integrantes fueron tomando su lugar en las secciones de orquesta para dar inicio al ensayo general acompañados de sus instrumentos o su voz.

“No es fácil acomodar a tanto músico tan talentoso. Quiero que tiemble el corazón de la ciudad”, confesó la maestra Lizzi Ceniceros antes de levantar la batuta. Y lo logró. Con el primer gesto, cada acorde hizo vibrar no solo la plancha del Zócalo, sino también a quienes la habitaban la mañana de este domingo, como si el sonido encontrara eco en los latidos de miles de pechos.

Junto a los primeros acordes de “Viva la Vida” de Coldplay, y contra todo pronóstico, el cielo se abrió como un telón y las nubes comenzaron a disiparse hasta dar paso a un sol radiante, que iluminó el escenario como si también quisiera presenciar la magnitud de lo que estaba por ocurrir.

En punto de las 12:00 horas, la secretaria de Cultura de la Ciudad de México, Ana Francis López Bayghen Patiño, subió al escenario acompañada por Lizzi Ceniceros Mirabal, directora de Orquesta y asesora artística de la Orquesta Monumental Metropolitana; con ellas, Pablo Enrique Yanes Rizo, secretario de Educación, Ciencia, Tecnología e Innovación; y Javier Ariel Hidalgo Ponce, coordinador general del Subsistema de Educación Comunitaria PILARES. Coincidieron en reconocer el compromiso, el esfuerzo y la dedicación de docentes, alumnado e instituciones que hicieron posible este evento, recordando que la música, además de arte, es un puente que transforma comunidades enteras.

“Muchas felicidades a la gente que está aquí arriba del escenario; tenemos artistas desde los seis hasta los noventa años y de eso se trata la Orquesta Monumental, de generar comunidad. El objetivo es claro, debemos cambiar la nota roja por la nota musical”, celebró la secretaria de Cultura local.

El concierto inició con “Marcha Radetzky” de Johann Strauss, dirigida por el maestro Enrique Calderón, que encendió la primera ola de aplausos. Después, siguió el “Himno a la Alegría” de Beethoven, a cargo de la maestra Irán Quiróz, y poco a poco la plaza pública más importante del país se transformó en un enorme auditorio al aire libre. Con “Habanera” y “Toreadores” de Bizet, bajo la dirección de Moisés Pascual, el público ovacionó con una energía que hizo vibrar los edificios del Centro Histórico. Con el popurrí de Pérez Prado la fiesta se desató. La coreografía no se quedó en el escenario, pues varias personas del público marcaron el ritmo con aplausos y algunas se levantaron a bailar al compás del mambo, contagiando de júbilo a quienes miraban a su alrededor.

Mientras los integrantes de la Orquesta tocaban, algunos cerraban los ojos para sentir el tempo como un susurro interno; otros seguían con la mirada la batuta compartida entre directoras y directores. Por unos instantes, la Plaza de la Constitución entera parecía respirar al mismo compás, convertida en un solo cuerpo. “Es una experiencia muy linda verlo cumplir sus sueños. Este tipo de cosas le cambian a uno la vida para bien”, expresó Rosy, vecina de la alcaldía Iztapalapa, mientras observaba a su hijo Juan Carlos tocar junto a todas sus compañeras y compañeros del PILARES Santa Cruz Meyehualco.

El programa continuó con momentos intensos y emotivos, como en el canto africano “Siyahamba”, dirigido por Cony Malacara, mostrando la fuerza de las voces colectivas y “Tango” compuesto por Gina Enríquez, interpretado bajo la dirección de Iván Arias, simbolizó la apertura de nuevos caminos para las mujeres en la música; y con “Kumbala” de La Maldita Vecindad, bajo la batuta de Víctor Tenorio, el corazón de la ciudad vibró al ritmo rebelde del danzón, el ska y el rock latino.

Las últimas notas llegaron con “Mis Sentimientos” de Los Ángeles Azules, dirigida por Ricardo Montes, y “Nunca es suficiente” de Natalia Lafourcade, a cargo de Alfonso Villanueva. Algunos espectadores no pudieron resistir la sensación y volvieron a levantarse a bailar, contagiados por un ambiente que ya no distinguía entre escenario y público.

La emoción de ver a sus seres queridos tocando en el Zócalo era demasiado intensa: algunas personas dejaron escapar lágrimas entre aplausos y vítores, cerrando con sonrisas lo que fue una presentación verdaderamente monumental.

El resultado fue una jornada que unió instituciones, comunidades y familias. Gracias al trabajo en conjunto de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, el Subsistema de Educación Comunitaria PILARES, UTOPÍAS, el Centro Cultural Ollin Yoliztli, el Coro de la Ciudad de México, las orquestas comunitarias de municipios invitados del Estado de México e Hidalgo y diversas alcaldías de la capital, hizo posible una experiencia irrepetible que quedará grabada en la memoria colectiva de la ciudad.

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● La exposición permanecerá abierta a todo público de este viernes 12 de septiembre hasta el domingo 26 de octubre en la Galería Abierta Gandhi de las Rejas del Bosque de Chapultepec, frente al Museo Rufino Tamayo

CDMX.- 14 de septiembre de 2025.- (https://cultura.cdmx.gob.mx/comunicacion) Como parte de los festejos de una década de velocidad, pasión y adrenalina de la Fórmula 1 Gran Premio de México, la Secretaría de Cultura capitalina y la Secretaría de Turismo local, en coordinación con el Bosque de Chapultepec y el Gran Premio de México, inauguraron este viernes la exposición fotográfica “10 años de la F1 en México” con la que las y los fanáticos del automovilismo podrán apreciar los momentos más emblemáticos de estas carreras en el país a través de más de 60 imágenes de gran formato, las cuales permanecerán en exhibición con entrada libre en laGalería Abierta Gandhi de las Rejas del Bosque de Chapultepec.

En la inauguración de la muestra acudieron el subsecretario de Cultura Argel Gómez Concheiro; la secretaria de Turismo local, Alejandra Frausto; Natasha Uren, directora ejecutiva del Bosque de Chapultepec y Federico González Compeán, director General de la Fórmula 1 Gran Premio de la Ciudad de México.

Argel Gómez Concheiro, subsecretario de Cultura de la Ciudad de México, expuso que la muestra refleja la fortaleza de la capital del país para ser reconocida como una de las sedes de los eventos deportivos más importantes del planeta y ser identificada como una de las mejores ciudades en el mundo para el turismo deportivo y de espectáculos, así como por toda la oferta cultural, patrimonial y gastronómica ante los ojos del mundo.

“Estas imágenes no solo celebran al automovilismo, la velocidad, las carreras más importantes de la Fórmula 1, son también muestra de lo que hace nuestra Ciudad de México ante el mundo. Cada año, millones de personas que nos visitan por estos eventos disfrutan también de su diversidad cultural, gastronómica y patrimonial y en esos eventos encuentran justo la puerta de entrada a todo lo que ofrece la capital. Es un fin de semana en que la adrenalina del automovilismo se combina con la hospitalidad y alegría chilanga”, aseguró en entrevista.

Por su parte, Alejandra Frausto recordó que en 2024 la Jefa de Gobierno de la Ciudad de México, Clara Brugada en alianza con la Fórmula 1 en México, entregaron más de 3 mil boletos para que los habitantes de la capital pudieran disfrutar de la carrera durante el fin de semana y solo faltan 42 días para el banderazo de salida para la carrera en 2025.

Federico González Compeán, director general de la Fórmula 1en México, destacó que entre los momentos más emotivos mostrados en las fotografías son, por ejemplo, el pódium obtenido por el piloto mexicano Sergio Checo Pérez, el primero ocurrido en el país, pero además, las aficionadas y aficionados que se dan cita para la celebración y hacerla una verdadera fiesta, un homenaje a la gente y al país.

“Hace casi una década, en el 2015, los motores de Fórmula 1 volvieron a rugir en el Autódromo Hermanos Rodríguez y ese regreso marcó el inicio de una nueva etapa: la tercera era de la Fórmula 1en nuestro país, una era que ha estado llena de velocidad, emoción y sobre todo, de la pasión de una afición que no tiene comparación en el mundo. Hoy en día, el Gran Premio de la Ciudad de México no solo es el evento deportivo más importante del país sino también una experiencia colectiva, un punto de encuentro donde México y el mundo se abrazan alrededor de la velocidad, la innovación y la celebración”, dijo durante su intervención.

Finalmente, Natasha Uren, directora ejecutiva del Bosque de Chapultepec destacó que esta galería es la más visitada en el mundo debido a su ubicación sobre Avenida Paseo de la Reforma, además, de ser un lugar de identidad para los habitantes de la capital, junto con Chapultepec y el reconocimiento internacional simultáneo del piloto mexicano Sergio “Checo” Pérez.

A través de la exposición se puede revivir la emoción de las grandes actuaciones de los pilotos en la pista, como las del mexicano Sergio “Checo” Pérez, así como los triunfos de campeones como el británico Lewis Hamilton y el neerlandés Max Verstappen, apreciar el rugido de sus monoplazas, además de la inigualable energía, colorido, creatividad y apoyo de la afición mexicana con el ambiente generado desde las gradas.

La exposición fotográfica “10 años de F1 en México” permanecerá en exhibición hasta el domingo 26 de octubre en la Galería Abierta Gandhi, ubicada sobre Avenida Paseo de la Reforma, frente al Museo Rufino Tamayo y a un lado del Jardín Botánico de Chapultepec,.

Esta muestra conmemora los 10 años del regreso de la Fórmula 1 al país, la cual tendrá su carrera de aniversario del 24 al 26 de octubre en el Autódromo Hermanos Rodríguez.

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