CDMX.- 11 de septiembre de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Dirección de Arquitectura y Conservación del Patrimonio Artístico Inmueble, organizaron este 10 de septiembre, en el Palacio Postal, el conversatorio Tradición y modernidad. El legado de Rafael Urzúa en el patrimonio moderno, dedicado a reconocer la trayectoria y aportaciones de Rafael Urzúa.

El encuentro contó con la participación de Agustín Elizalde Urzúa, socio fundador y director creativo de Estudio Pomelo, egresado de Arquitectura del ITESO y profesor en el Tecnológico de Monterrey, ITESO y la Escuela Superior de Arquitectura; y de Francisco Gutiérrez Peregrina, arquitecto del ITESO con posgrado en Restauración de Monumentos por la Universidad de Guanajuato, miembro de la Academia Nacional de Arquitectura de Guadalajara.

El conversatorio estuvo dedicado a la trayectoria del arquitecto Rafael Urzúa, en el que se recordaron también sus pasiones personales. Desde pequeño mostró interés por las artes, pues deseaba ser pintor. Gracias a su dedicación consiguió un lugar como auxiliar en revistas, donde fortaleció sus técnicas para retratar lo que observaba, explorando medios como el óleo y la fotografía.

Al ingresar a la universidad comenzó sus estudios como ingeniero civil, pero más tarde decidió especializarse en Arquitectura. A partir de entonces desarrolló una visión particular del espacio como objeto arquitectónico, combinando creatividad artística y funcionalidad técnica.

“Su pasión por el patrimonio cultural arquitectónico lo llevó a ser considerado uno de los cuatro mejores arquitectos del país”, señaló su nieto, Agustín Urzúa, al destacar su legado de una arquitectura cálida y humana.

Como ejemplo de su legado, la casa de Rafael Urzúa puede entenderse como un autorretrato. En ella se asimila, en tiempo presente, la nostalgia y el reconocimiento de las ruinas dentro de una nueva composición.

Campeche, México.- 20 de agosto de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) El arquitecto José Álvarez Ordóñez (1932-2025) dejó una huella profunda en Campeche, al conjugar la estética, la funcionalidad y el respeto por el patrimonio histórico. Su visión urbanística impulsó proyectos que ordenaron y modernizaron la ciudad, sin perder su historicidad, integrando espacios públicos, infraestructura y preservación arquitectónica.

En el marco del 40 aniversario del Centro INAH Campeche, y en coordinación con la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) invita a la presentación del libro Joaquín Álvarez Ordóñez: hacer ciudad desde la arquitectura, la planificación y la política”, de Iván San Martín Córdova.

La presentación será el 21 de agosto, a las 18:00 horas, en el baluarte de San Francisco, en la ciudad de Campeche, con el apoyo del Instituto de Cultura y Artes del Estado, que brindó las facilidades para el uso del auditorio; la obra será comentada por la titular de la representación del INAH en la entidad, Adriana Velázquez Morlet; la directora de la Facultad de Arquitectura de la UNAM, Mónica Cejudo Collera; el cronista Aarón Enrique Pérez Durán; el investigador independiente Carlos de Jesús Domínguez Vargas, y el autor.

El libro de Iván San Martín no solo documenta la obra de un arquitecto multifacético, sino que revela la manera en que Álvarez Ordóñez conjugó la práctica profesional, la planeación y el compromiso social, construyendo ciudad con visión integral y vocación de servicio.

La publicación, perteneciente a la Colección Arquitectos Mexicanos, ofrece un detallado recorrido por su vida y obra. Tras egresar de la UNAM, inició su carrera profesional en 1955, y abarca casi siete décadas de trabajo ininterrumpido en los ámbitos de arquitectura, planificación urbana, función pública y política gremial.

A lo largo de su trayectoria, Álvarez Ordóñez demostró una excepcional versatilidad profesional: como proyectista diseñó edificios de vivienda, oficinas, instalaciones deportivas, hospitales psiquiátricos, institutos médicos, hoteles, centros culturales, conjuntos gubernamentales, campus y monumentos públicos.

En la función pública ocupó cargos en las secretarías de Comunicaciones y Transportes, y de Salubridad y Asistencia; el Departamento del Distrito Federal y el Instituto Mexicano del Seguro Social, donde impulsó planes de abastecimiento de agua, la modernización hospitalaria y la reconstrucción del Centro Médico Nacional Siglo XXI, tras el sismo de 1985.

Como urbanista, lideró la planeación y ejecución del Circuito Interior (hoy Circuito Bicentenario), la rehabilitación del Centro Histórico de la Ciudad de México, el mejoramiento de parques y avenidas de la colonia Roma, y el diseño de la Tercera Sección del Bosque de Chapultepec. También, trabajó en proyectos de desarrollo urbano en el Estado de México, Nuevo León y Campeche. En el ámbito gremial, presidió el Colegio de Arquitectos de México y la Sociedad de Arquitectos Mexicanos, fortaleciendo la representación y vinculación del sector.

El arquitecto Joaquín Álvarez Ordoñez fue un creador de obras, comprometido con un Campeche armónico y sostenible, cuyo legado sigue presente en su paisaje y en la vida de sus habitantes.

Guadalajara, Jalisco, 9 de agosto de 2025.- (https://www.udg.mx/es/noticia) Con motivo del centenario del nacimiento de la fotógrafa Mariana Yampolsky, el Museo de las Artes (MUSA) de la Universidad de Guadalajara (UdeG), organizó la mesa de diálogo “La arquitectura y el paisaje en las imágenes de La casa que canta”, en la que arquitectos y fotógrafos exploraron el valor documental y estético del libro editado en 1982.

La obra recoge las imágenes de la vida cotidiana, la arquitectura popular y los paisajes rurales de México captados por la arquitecta y fotógrafa –de origen estadounidense y naturalizada mexicana– en sus viajes por el país, particularmente en los estados de Michoacán e Hidalgo. 

Por medio del blanco y negro, Yampolsky capturó imágenes de casas, milpas, caminos y rituales, haciendo visible aquello que suele pasar inadvertido: la huella humana en el territorio y la arquitectura construida con los recursos del entorno.

La arquitecta del ITESO, Diana Ortiz, precisó que la fotografía de Mariana Yampolsky tiene referencias a la arquitectura y el paisaje, dos conceptos inseparables que ya son parte de la documentación gráfica del México del siglo XX.

“La arquitectura nos habla de casas de piedra, tejados; no sólo de la materialidad de las cosas, sino también de las costumbres; por ejemplo, de una milpa en la casa que era una arquitectura autosustentable y que es, al mismo tiempo, la documentación etnográfica de los usos y costumbres de los habitantes”, comentó Ortiz.

El Presidente del Colegio de Arquitectos del Occidente de Michoacán, arquitecto Diego Torres Guízar, compartió su vínculo emocional con el libro, que ha consultado durante más de dos décadas como referente en su práctica profesional y el testimonio de una fotógrafa “que vio lo invisible”.

“Ella logra ver con ojos nuevos cosas que nosotros no y que por tenerlas cerca, las obviamos, las omitimos o, simplemente, resultan invisibles. Pero la mirada externa de Mariana vuelve a resaltar lo aparentemente insignificante a nuestros ojos y nos permite redescubrir, redignificar o volver a darle voz a algo aparentemente callado”, detalló. 

El Director de ZAP Arquitectura+paisaje, arquitecto y fotógrafo Pablo Zamudio, destacó la importancia de recuperar las técnicas de construcción tradicionales, visibles en las imágenes del libro: muros de adobe, techos de madera curada y sistemas estructurales heredados de generación en generación.

“Mariana, al ir a contracorriente de la modernidad, logra penetrar las mentes de algunos arquitectos al rescatar técnicas, al investigar cómo se hacen las cosas y cómo conservar con pureza la metodología y la dinámica de la técnica de tiempo atrás”, expuso.

Tras el diálogo, el micrófono se abrió para el público, momento en que destacó la participación de arquitectos presentes, como Xabier Pagaza, quien cuestionó la pérdida del sentido de pertenencia en la arquitectura contemporánea.

“Ya no sabemos interpretar cuál es la esencia del lugar, ni cómo podemos hacer arquitectura en nuestro tiempo porque negamos esas esencias; en cambio, queremos dejar nuestra semilla en torres de 20 pisos que no dicen nada, no hablan de nosotros, hablan de un sistema económico que niega el medio ambiente y la cultura del lugar bueno”, subrayó Pagaza.

La mesa fue moderada por la arquitecta miembro de Docomomo México (Documentación y conservación del movimiento moderno), Mónica del Arenal, quien dijo que La casa que canta, que tiene una influencia notable de Lola Álvarez Bravo –maestra de Yampolsky–, ofrece una guía para comprender la identidad territorial.

“Las imágenes de Mariana son una guía extraordinaria para revisitar esos lugares. Para mí, ha sido como volver a ver cosas que siempre habían estado ahí, saber que estas identidades son muy locales gracias a la conjunción entre naturaleza y arquitectura, que es inseparable”, concluyó la arquitecta.

Atentamente
“Piensa y Trabaja”
“1925-2025. Un Siglo de Pensar y Trabajar”

Texto: Adrián Montiel González
Fotografía: Abraham Aréchiga

CDMX.- 22 de julio de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) La arquitectura en un mundo marcado por la crisis ambiental y la transformación urbana fue el tema de la conferencia magistral que el arquitecto Kengo Kuma ofreció para el público en México, en el auditorio del Museo Tamayo Arte Contemporáneo, donde presentó una selección de sus obras más emblemáticas; fue un acto que celebró los vínculos entre la arquitectura japonesa y la mexicana.

El encuentro, al que convocaron la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), la Universidad Iberoamericana, la Casa Estudio Luis Barragán, la Fundación Japón en México y Fundarq MX, organización dedicada a promover la arquitectura mexicana a nivel internacional, se realizó el 21 de julio de 2025.

A través de una narrativa visual compuesta por más de 300 diapositivas que ilustraron su trayectoria y su visión filosófica del oficio arquitectónico, Kengo Kuma planteó el eje de su ponencia: “El tema de hoy es muy simple: cómo volver a la naturaleza. Eso es lo que necesitamos ahora”.

En su reflexión, abordó el tránsito histórico hacia la concentración urbana y sus consecuencias: “La historia de la humanidad ha sido un camino hacia la densidad: pasamos de ser nómadas a construir ciudades y rascacielos. Pero esa densidad nos trajo cosas malas: contaminación, estrés, incluso el COVID. Y ahora todos sentimos que debemos volver”.

Kuma compartió que su decisión de convertirse en arquitecto se originó cuando tenía diez años, al visitar por primera vez el Estadio Nacional Yoyogi, que diseñó Kenzo Tange para los Juegos Olímpicos de 1964. “Antes de ese día, no conocía la profesión llamada arquitecto. Mi sueño era ser veterinario, porque amaba a los gatos”, recordó entre sonrisas. “Pero ese edificio fue un

impacto. Le pregunté a mi padre: ‘¿Quién lo diseñó?’ Me respondió: ‘Kenzo Tange’. Y ese mismo día decidí que quería ser arquitecto”.

Desde aquella visita infantil, Kuma ha transitado de la verticalidad del siglo XX a una arquitectura de escala horizontal con un profundo respeto por el entorno. “Kenzo Tange entendió el espíritu de su época. En los sesenta, todos querían ir hacia arriba. Pero en 2025, la gente ya no quiere escalar, quiere disfrutar su vida cotidiana. Yo quiero diseñar para este momento”, afirmó.

Para Kuma, la naturaleza es inspiración y fundamento estructural. Como ejemplo, en su proyecto del Estadio Nacional de Japón para los Juegos Olímpicos de 2021, utilizó maderas provenientes de las 47 prefecturas del país y vegetación nativa de Tokio. “Queríamos mostrar la diversidad del país. Cada madera tiene un grano, un color, una historia”.

También destacó el modelo constructivo del templo Hōryū-ji, del siglo VII, aún en pie gracias a su estructura modular reparable: “Es una arquitectura reciclable. Mucho más avanzada que el concreto. Esos carpinteros sabían cómo reemplazar cada parte. Eso es muy futurista”.

A lo largo de su exposición, mostró cómo combina técnicas tradicionales con herramientas computacionales avanzadas, incluidos cálculos de ventilación natural y estructuras diseñadas con inteligencia artificial. “La tecnología está siempre presente, pero nunca debe ser protagonista. La naturaleza debe ocupar el centro del proyecto”, sostuvo.

Uno de los ejemplos más representativos de su enfoque fue el Chidori Pavilion, un pabellón construido en Milán, ensamblado sin clavos ni adhesivos, y diseñado mediante tecnología computacional de alta precisión. Inspirado en el sistema tradicional japonés chidori –un método ancestral de unión en madera–, la estructura se realizó en colaboración con carpinteros japoneses y se conforma por módulos cortados al milímetro, que se ensamblan únicamente por presión. “Después del evento, lo desmontamos fácilmente y lo llevamos de regreso a Japón”, relató Kuma.

El encuentro concluyó con una sesión de preguntas, en la que el arquitecto habló sobre su vínculo con México, su admiración por Isamu Noguchi y Luis Barragán, y su visión sobre los retos arquitectónicos del presente. “México es un lugar fascinante para cualquier arquitecto. Aquí el arte, la arquitectura y la

política se cruzan de manera intensa. Siempre que vengo, encuentro inspiración”, expresó.

La directora general del Patrimonio Artístico Inmueble del INBAL, Dolores Martínez Orralde, recordó “el legado de arquitectos japoneses como Toyo Ito, Tadao Ando y especialmente Kenzo Tange, quien dejó huella en nuestro país con la embajada de Japón en 1976, obra que realizó junto con Pedro Ramírez Vázquez y Manuel Rosen Morrison. Con esta conferencia magistral trazamos puentes de amistad entre Japón y México”.

La presidenta de la organización Fundarq MX, María Bustamante Harfush, subrayó la disposición generosa del invitado para compartir su conocimiento en México y señaló: “Es un honor contar con la presencia de un arquitecto cuya obra ha sido consistente, contundente, elegante y profundamente sensible”.

CDMX.- 6 de julio de 2025.- (https://inba.gob.mx/prensa) La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Dirección de Arquitectura y Conservación del Patrimonio Artístico Inmueble, conmemoran el 120.º aniversario del natalicio de Juan O’Gorman, considerado uno de los grandes exponentes de la arquitectura y el muralismo mexicanos.

Nacido el 6 de julio de 1905 en la Ciudad de México, hijo del británico de origen irlandés Cecil Crawford O’Gorman y de Encarnación O’Gorman, vivió entre los cuatro y siete años en Guanajuato, lugar que influyó en su obra y que, años después, lo llevó a reflexionar sobre la importancia del entorno físico y geográfico en su pintura.

Estudió en la Escuela Nacional de Arquitectura, la cual se encontraba adjunta a la Academia Nacional de Artes Plásticas en la Academia de San Carlos, mientras trabajaba en la oficina de Carlos Obregón Santacilia, considerado uno de los primeros arquitectos modernistas de México. Asimismo, fue un destacado alumno de Guillermo Zárraga y del ingeniero José Antonio Cuevas, de quienes aprendió teorías y aplicaciones arquitectónicas prácticas que lo llevaron a convertirse en el primer arquitecto funcionalista en México.

A lo largo de su carrera como arquitecto, fue profesor del Instituto Politécnico Nacional (IPN), donde fundó la carrera de Ingeniero Arquitecto. Trabajó en proyectos como la urbanización del Pedregal de San Ángel, donde construyó su propia casa —conocida como Casa-Cueva, Casa O’Gorman o Casa del Pedregal—; también diseñó y edificó el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo, y creó más de 26 escuelas primarias.

En su faceta como muralista, O’Gorman buscaba establecer una comunicación directa con el pueblo mexicano. Entre sus principales obras destacan el mural de la Biblioteca Pública Gertrudis Bocanegra en Pátzcuaro, Michoacán (1941); Representación histórica de la cultura en la Biblioteca Central de Ciudad Universitaria (1949-1951); y los mosaicos de la Secretaría de Comunicaciones y Obras Públicas (SCOP) (1953), entre otros.

Además del emblemático mural de la UNAM, O’Gorman dedicó gran parte de su vida a la creación plástica, en la que abordó temas y personajes históricos, como los murales del Museo Nacional de Historia Castillo de Chapultepec y del Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México.

Los paisajes que O’Gorman plasmaba en sus pinturas se influenciaron del entorno en el que vivió durante su infancia en Guanajuato. Miembro de la Academia de las Artes y galardonado con el Premio Nacional de Bellas Artes, Juan O’Gorman dejó un legado imprescindible en la historia de la arquitectura y el arte nacional.

CDMX.- 2 de julio de 2025.- (https://inba.gob.mx/prensa) La Escuela de Diseño, adscrita a la Subdirección General de Educación e Investigación Artísticas (SGEIA) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), presenta la cátedra extraordinaria Juan O’Gorman y la Educación Artística, con motivo del 120 aniversario del natalicio del arquitecto y artista. Se trata de un proyecto académico y cultural que se desarrollará del 4 de julio de 2025 al 17 de julio de 2026 en la Ciudad de México.

La cátedra se fundamenta en una visión de la educación artística que va más allá de su vínculo exclusivo con las artes visuales, la música, la danza o el teatro. Se concibe como una práctica social orientada a sensibilizar, formar ciudadanía crítica y fomentar la construcción de subjetividades abiertas a la escucha, el cuidado y la comprensión del otro.

Este espacio activo de pensamiento colectivo reunirá a estudiantes y profesionistas en docencia, investigación, diseño, arquitectura, artes y agentes culturales de diversas disciplinas, con el objetivo de reflexionar sobre las múltiples dimensiones de la educación artística en el presente.

Durante un año, las y los participantes formarán parte de un programa estructurado en tres componentes centrales:

• Conferencias magistrales, impartidas por destacadas figuras del ámbito nacional e internacional.
• Seminario especializado, que convocará a compartir experiencias, investigaciones y perspectivas sobre la educación artística.
• Visitas guiadas a sitios emblemáticos vinculados con la vida y obra de Juan O’Gorman, propiciando un acercamiento directo a su legado.

Las actividades estarán organizadas en torno a cinco líneas temáticas:

1. Fundamentos y retos actuales de la educación artística.
2. Performatividad, cuerpos y materialidades.
3. Investigación artística y metodologías interdisciplinarias.
4. Espacios, pedagogías e instituciones.
5. Educación artística como herramienta para la transformación social y la construcción de comunidades sensibles y críticas.

Estas líneas garantizan una cobertura amplia y pertinente tanto en lo teórico como en lo práctico.

La cátedra contará con la colaboración de instituciones como la Escuela de Diseño, la Escuela de Artesanías, el Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información de las Artes Plásticas (CENIDIAP) y la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (ENPEG), del INBAL; así como de la Facultad de Arquitectura y la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, el Museo de Arte Moderno y el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo. Todo ello la consolida como una plataforma interinstitucional de colaboración, creación e innovación educativa.

Con esta propuesta, la Escuela de Diseño del INBAL invita a conformar una comunidad diversa y comprometida con la renovación de los modelos educativos en disciplinas que transforman lo sensible, apostando por una formación artística crítica y con pertinencia cultural.

La presentación del programa se llevará a cabo el 4 de julio a las 15:30 horas, en el Aula Magna del Centro Nacional de las Artes, con la conferencia magistral Vocación y vida. Juan O’Gorman, a cargo de la Mtra. Adriana Sandoval, directora de Espacio Nancarrow O’Gorman.

Para más información, se puede consultar la página web de la Escuela de Diseño del INBAL y sus redes sociales (@Edinba.Oficial).

CDMX.- 13 de junio de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través del Museo de Arte Moderno (MAM), presentó el catálogo Brutalismo arquitectónico en México, una publicación que da continuidad a la exposición homónima, que se presentó a finales de 2023 hasta abril de 2024 en dicho recinto, y recibió la visita de más de cien mil personas. 

En colaboración con la Escuela de Arquitectura, Arte y Diseño del Tecnológico de Monterrey, el documento incluye reflexiones de especialistas como Axel Arañó, Juan Carlos Cano y Pablo Landa, sobre la historia, vigencia y controversia de dicho movimiento arquitectónico en el país. 

La presentación del libro, que se llevó a cabo el jueves 12 de junio de 2025, participaron destacadas figuras de la arquitectura nacional en una mesa de diálogo que reflexionó sobre el impacto, las transformaciones y la vigencia del movimiento en el contexto contemporáneo. La sesión fue moderada por la subdirectora general de Patrimonio Artístico Inmueble del INBAL, Dolores Martínez Orralde, y contó con la presencia del curador de la muestra, Axel Arañó; la directora del MAM, Natalia Pollak; del Tec de Monterrey Claudia Klemann, y los arquitectos Felipe Leal y Francisco Serrano. 

Una reflexión crítica y necesaria 

Durante la presentación, Natalia Pollak destacó el interés del público por la arquitectura como una manifestación artística y social: “La publicación refleja un esfuerzo por abrir el debate, por generar discusión y por registrar un movimiento que marcó una época y que despierta interés, tanto en especialistas como en nuevas generaciones”. 

Axel Arañó, autor de uno de los textos del catálogo y curador de la exposición, apuntó: “La gran cantidad de gente que visitó la exposición es una prueba de la demanda no solo gremial, sino popular por exposiciones de arquitectura en recintos públicos dedicados al arte. Creo que hablar del Brutalismo es un hilo conductor de la proyección arquitectónica en México del que no se había hablado de esta manera”. 

El catálogo ofrece una mirada crítica y cronológica a la arquitectura brutalista desarrollada en el país, e incluye el trabajo de 77 arquitectos y despachos de 12 estados. Juan Carlos Cano, en su texto, explora cómo el movimiento fue apropiado globalmente, con énfasis en México, mientras que Pablo Landa Ruiloba analiza las formas, funciones y contextos ideológicos de dicha corriente, así como su proyección en el tiempo. Además, se incluye una cronología que vincula el desarrollo del brutalismo con acontecimientos nacionales e internacionales. 

Un legado vigente 

Felipe Leal, arquitecto y académico, compartió una reflexión sobre el impacto del movimiento y la curaduría: “La exposición tuvo sus luces y sombras, como todo proyecto que se atreve a plantear una narrativa. Generó polémica, y eso es muy valioso. El Brutalismo tiene presencia, solidez, permite un manejo extraordinario de las luces y sombras y, sobre todo, expresa una honestidad arquitectónica que hoy en día es escasa”. 

Por su parte, Dolores Martínez subrayó la necesidad de revisar y actualizar las formas de habitar los espacios: “Eventos como este propician discusiones hacia el futuro. El distanciamiento social durante la pandemia puso en entredicho nuestro paradigma de la proximidad. Debemos repensar cómo habitamos y qué tipo de espacios necesitamos”. 

Francisco Serrano recordó los orígenes del brutalismo en Europa y su evolución en América: “Es un movimiento que surge en reacción a lo que sucede tras la guerra. Lo fundamental es que los materiales tengan su vocación, que no requieran de barnices ni forros. Lo importante, más allá de si es brutalismo o no, es hacer la mejor arquitectura posible, con creatividad y honestidad”. 

Colaboración entre instituciones 

La participación del Tecnológico de Monterrey fue clave para la producción del catálogo. Claudia Klemann, líder de proyectos de la Escuela de Arquitectura, Arte y Diseño, explicó: “Desde el Tec hemos impulsado iniciativas estratégicas de arte y cultura. Este proyecto no solo fue valioso por su presencia en el MAM, sino porque al quedar plasmado en un libro adquiere mayor permanencia. Es solo el comienzo de una investigación más profunda”. 

También destacó la inclusión del edificio CETEC –el icónico “Servilletero” diseñado por el arquitecto Óscar Bulnes– como una muestra singular de Brutalismo sutil e integrado al paisaje de Monterrey. 

El catálogo Brutalismo arquitectónico en México constituye un documento de gran valor histórico y cultural. Ofrece un recorrido visual con fotografías de alta calidad e invita a debatir sobre la vigencia y el legado de un estilo que dejó una huella profunda en la arquitectura mexicana del siglo XX.  

Con su publicación, el Museo de Arte Moderno reafirma su compromiso con la reflexión crítica sobre las manifestaciones arquitectónicas del país y con la difusión del patrimonio moderno y contemporáneo. 

CDMX.- 12 de abril de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) Películas y series han servido para posicionar a Londres como referente de la arquitectura contemporánea en el imaginario colectivo. La exposición temporal Herencia y horizonte. Más allá de edificios: el arte del diseño y arquitectura británicos invita a observar de cerca hitos del urbanismo, concebidos por figuras como Zaha Hadid y Norman Foster, galardonados con el Premio Pritzker, el llamado “Nobel de la Arquitectura”.

El Museo Nacional de las Culturas del Mundo (MNCM), adscrito al Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), expresó su directora, Alejandra Gómez Colorado, se honra de recibir esta muestra en la conmemoración de su 60 aniversario, tiempo en el cual ha cumplido con su labor de conservar, investigar y difundir el patrimonio cultural de otras naciones, en un marco de respeto a la diversidad.

En compañía del director de Museos de la Coordinación Nacional de Museos y Exposiciones del INAH, Jesús Martínez Arvizu, la antropóloga dijo que “es fascinante observar cómo algunos de los arquitectos que conoceremos por medio de esta exhibición, son binacionales y biculturales, y cómo, a través de su desarrollo profesional en Reino Unido, lanzan al mundo propuestas innovadoras con raíces en África y Medio Oriente”.

Al inaugurar la muestra, la embajadora británica en México, Susannah Goshko, dijo que esta no se limita a una experiencia visual y educativa, sino que revela el papel trascendental de la arquitectura y del diseño en las llamadas industrias creativas, un sector clave para el crecimiento económico de Reino Unido, donde aportan 5.2 por ciento del total del valor añadido bruto y generan 2.4 millones de empleos.

Manifestó que la arquitectura va más allá de lo estético, “es un reflejo de la historia. En el Reino Unido, mantiene ese acento británico, bien estructurado y, en ocasiones, un poco serio. Mientras que aquí en México permea el color, las formas distintas y el mariachi de fondo”.

Además de proyectos emblemáticos de arquitectos británicos como los mencionados Hadid y Foster, o Thomas Heatherwick y Elsie Owusu, en Herencia y horizonte, añadió, nuestro país está representado a través de Sordo Madaleno Arquitectos, estudio que abrió una oficina en Londres, en noviembre de 2023.

En tanto, el director general para Europa, de la Secretaría de Relaciones Exteriores, Octavio Tripp Villanueva, hizo hincapié en que después de alumnos procedentes de Pakistán e India, los mexicanos son quienes más solicitan becas del gobierno británico para realizar estudios en aquella región, donde la University College de Londres, la Escuela de Arquitectura de Manchester y la Universidad de Cambridge son las mejores posicionadas en esta disciplina, a nivel mundial.

En el Salón de Monolitos del MNCM se despliegan fotografías, maquetas, hologramas y proyecciones que esbozan arquitectura de vanguardia, la cual desafía la tecnología a la vez que transforma el entorno con que interactúa. Un caso emblemático es el rascacielos neofuturista “30 St. Mary Axe”, de Foster + Partners, ubicado en el corazón financiero de la capital inglesa, al que popularmente se le conoce como “Gherkin” (“pepinillo”).

A su vez, la curadora de la exposición Alin González destacó el autobús routemaster de Londres, diseñado por Heatherwick Studio, en 2012, modelo con el que están familiarizados quienes viven o visitan la Ciudad de México, al verlo circular en la avenida Paseo de la Reforma.

También, señala la presencia de las creaciones de Zaha Hadid, quien gracias a sus conocimientos matemáticos revolucionó la arquitectura y el diseño de interiores. Aunque de origen iraquí, desarrolló su profesión en Reino Unido, y se convirtió en la primera mujer en recibir el Pritzker, en 2004.

Así como a Elsie Owusu, de origen ghanés-británico, quien codirigió la renovación del edificio de la Suprema Corte de Justicia del Reino Unido y de la estación Green Park de Londres, se dedica a desarrollar casas ecológicas en Sussex, aparte de planes rurales de cero emisiones de carbono y proyectos de conservación en Ghana.

Herencia y horizonte. Más allá de edificios: el arte del diseño y arquitectura británicos puede visitarse hasta el 13 de julio de 2025, en el MNCM (calle Moneda No. 13, Centro Histórico de la Ciudad de México), de martes a domingo, de 10:00 a 18:00 horas. Entrada libre. Se invita a estar pendientes de las redes sociales del museo, para conocer sobre el ciclo de conferencias alusivo, que iniciará el 15 de mayo, con el apoyo de FUNDARQMX.

CDMX.- 4 de abril de 2025.- (https://www.gob.mx/cultura/prensa) Mathias Goeritz Brunner, arquitecto de origen alemán considerado un artista prolífico y una de las figuras vanguardistas del arte del siglo XX en México, incursionó en la pintura, la gráfica y la escultura. Es recordado en el 110° aniversario de su natalicio por la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Dirección de Arquitectura y Conservación del Patrimonio Artístico Inmueble.

Nacido el 4 de abril de 1915, en Danzig, Alemania, fue uno de los responsables de llevar a México a la vanguardia en el ámbito de las artes. Desde su nacimiento y gran parte de su infancia, Goeritz vivió en Berlín, donde comenzó su carrera como artista, inicialmente dedicándose a la pintura, la cual aprendió de manera autodidacta. Sin embargo, al estallar la Segunda Guerra Mundial, decidió mudarse a España, donde fundó la escuela de Altamira y se dedicó a pintar bajo el seudónimo de “Mago”.

Llegó a México en 1949 para vivir en Guadalajara, y tres años después se mudó a la Ciudad de México. Tras establecerse en la capital, realizó su primera obra arquitectónica: el Museo Experimental El Eco, enfocado al arte contemporáneo interdisciplinario, considerado una de sus obras clave en la historia del arte moderno mexicano.

En colaboración con el arquitecto Luis Barragán y el pintor Jesús Reyes Ferreira, diseñó las Torres de Satélite en 1957. Barragán le encargó el diseño de la entrada a Ciudad Satélite, para lo cual creó cinco pilones de hormigón con sección triangular, de 36 y 58 metros de altura, uno de sus proyectos más sobresalientes. También diseñó y construyó las Torres de Temixco en el estado de Morelos y los vitrales de la Capilla de San Lorenzo Mártir en la Ciudad de México.

Es autor de la escultura La serpiente, que se encuentra en el Jardín Escultórico del Museo de Arte Moderno del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura en la Ciudad de México. El mural Estudio de texturas permanece en la Sala Huichol del Museo Nacional de Antropología, obra que realizó en colaboración con Pedro Ramírez Vázquez.

En colaboración con los artistas Helen Escobedo, Manuel Felguérez, Hersúa, Sebastián y Federico Silva, realizó el Centro del Espacio Escultórico en Ciudad Universitaria entre 1978 y 1980. Las torres en la Facultad de Estudios Superiores Aragón de la UNAM, en 1982, y en 1988 construyó la torre de la Fundación Miguel Alemán en la Ciudad de México.

Artista multifacético, Goeritz es considerado el impulsor de la arquitectura emocional y uno de los protagonistas de la modernización plástica mexicana. Como él mismo decía: “Sólo recibiendo de la arquitectura emociones, el hombre puede volver a considerarla un arte”.

Gabriela Etchegaray estudió la Licenciatura en Arquitectura y Urbanismo en la Universidad Iberoamericana, de donde se graduó con mención honorífica. En 2011, cofundó junto a Jorge Ambrosi el estudio de arte y arquitectura Ambrosi |Etchegaray, y en 2016 ganó el Premio Moira Gemmill de Arquitectura Emergente de los Premios Women in Architecture.

Luby Springall es arquitecta por la Universidad Iberoamericana de México y artista plástica con estudios de posgrado en el Royal College of Art en Londres. En 1987 comenzó su actividad docente en Arquitectura en el ciclo de Proyectos de la Universidad Iberoamericana. En 1998 obtuvo la Medalla de Plata en la V Bienal de Arquitectura de México con el edificio del CIDE, México. Es fundadora y directora de la editorial y revista de arquitectura ELARQA MX, y fundadora de la oficina Gaeta-Springall Arquitectos en 2004.

Ana Lucía González Ibáñez es doctora en Ciudad, Territorio y Sustentabilidad por la Universidad de Guadalajara, maestra en Restauración de Monumentos y Sitios por la Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía Manuel Castillo Negrete del INAH, y arquitecta por la Universidad de Guadalajara. Desde 2003, es consultora independiente en patrimonio cultural y proyecto urbano. Su despacho particular actualmente lleva el nombre de Taller Patrimonio y Metrópoli; directora ejecutiva de ICOMOS México en 2003 y miembro fundador del Instituto Metropolitano de Administración Urbana, A.C (1999), así como de Forópolis (2010).

Las mujeres han construido un legado de innovación, creatividad y resiliencia. Su contribución es esencial para comprender la evolución de estas disciplinas y para formar un futuro más inclusivo y equitativo. Este foro, además de reconocer su labor y las aportaciones en cada uno de sus ámbitos, también será una oportunidad para dialogar de los desafíos que aún están presentes.

Su perseverancia y determinación son un testimonio de su pasión por estas disciplinas. Su legado inspira a las nuevas generaciones de mujeres a seguir sus sueños y a desafiar los límites.

La mesa redonda se llevará a cabo el próximo miércoles 26 de marzo a las 12horas, en la Sala Adamo Boari del Palacio de Bellas Artes.